Nach einer vierjährigen Pause, die spürbare Vorfreude auf ihre Rückkehr weckte, legt Lorde die gebräunte Haut ihrer 'Solar Power' -Ära ab und begrüßt ihre Wiedergeburt des musikalischen Ausdrucks, indem sie sich auf ihrem vierten Album 'Virgin' mit ihrer Selbstidentität auseinandersetzt.
Der anfangs unsubtile, Ein-Wort-Titel von 'Virgin' schlägt in einem ähnlichen suggestiv-didaktischen Sinne zu wie Madonnas 1992er Album 'Erotica' und erweist sich mit seinem blau-weißen Cover-Artwork als ebenso ähnlich. Aber während Madonna versuchte, die archaischen Tabus der 90er Jahre um weibliches Vergnügen zu untergraben, dient Lordes 'Jungfrau' als persönliche Renaissance, da die elf Tracks des Albums sie dazu bringen, ihre Identität in einer roh ehrlichen lyrischen Entwirrung von Generationstraumata zurückzugewinnen; mit Körperdysmorphien zu kämpfen, eine Existenz außerhalb geschlechtsspezifischer Binärdateien anzunehmen und mit der Verzweiflung umzugehen, mit romantischem Herzschmerz zu leben, die in ihren verletzlichsten Momenten an die Naivität von Teenagern erinnert.
Lordes widerhallende Schreie der Leidenschaft sind in 'Virgin' stark zu hören, da sie keine Mühen scheut, um zum Kern ihrer offenen Geständnisse zu gelangen, ohne die übermäßige Komplikation eines Versuchs der Anmaßung. Nach zwei der vorveröffentlichten Singles des Albums, dem Social-Construct-Gegenstück 'Hammer' und der Sommersingle 'What Was That', sticht 'Shapeshifter' sofort hervor und gibt den Ton für den kommenden durchdringend direkten lyrischen Kommentar an.
Lebhafte Snare-Drums im Garagenstil bilden die Kulisse für 'Shapeshifter' mit summenden Synthesizern, die in den schweren Bass hinein und heraus schwanken, was den Hörer zunächst in die hypothetische Szene einer geschäftigen House-Party eintaucht. die Art, in der die Leuchte schwingt und die Böden getestet werden, obwohl die Bäche über der rumpelnden Atmosphäre nicht zu hören sind, Eine Umgebung, die durch die Leichtigkeit und das hoffnungsvolle Synthesizer-Summen des Refrains erleichtert wird, während Lorde die Identitäten, die sie verkörpert, direkt gegen ihre früheren Persönlichkeiten abwickelt.
Diese Identitäten scheinen sowohl ein Produkt der öffentlichen Wahrnehmung zu sein, als auch Projektionen des Egos werden bei dem Bestreben, Romantik zu suchen, außer Acht gelassen, während "Gestaltwandler" sieht, wie Lorde beginnt, ihre "Visionen jugendlicher Unschuld" anzunehmen. Die Schwere des Tracks, die durch die Verwendung von unterbrochenen Streichern durch Jim-e-Stacks erzeugt wird, verwandelt sich klanglich in saubere Geigen, was eine Wiedererlangung der Klarheit und eine Leichtigkeit des Tracks bedeutet, die darauf hinweist, dass Lorde mit sich selbst harmoniert.
Die Vorab-Single 'Man of the Year' enthüllt, ähnlich wie die Promo-Single 'Hammer', Lordes Erfahrungen mit Männlichkeit in Form einer Industrial-Ballade. Stille Intervalle, die über die gesamte Single verstreut waren, fühlten sich beim ersten Hören kontrastreich laut an und dämpften die Atmosphäre des Songs stellenweise, insbesondere in Kombination mit dem 'What Was That' -Refrain, der die Explosion auf die gleiche Weise verfehlt, wie die vorherige Lead-Single 'Green Light' über die eigene Atmosphäre hinaus beschleunigte, oder die Art und Weise, wie sich 'Solar Power' schrittweise zu einer psychedelischen Explosion von Klängen aufbaute, die über das hinausgingen, was sich der Song vorgenommen hatte. Wenn man jedoch hört, dass diese Singles im Kontext ihres Albums existieren, beweist das, dass es falsch wäre, Jim-E-Stack zu unterschätzen. Er ist hier sicherlich nicht überfordert.
'Favourite Daughter' trampelt die intensiven Verschiebungen des vorangegangenen Tracks mit Füßen und begrüßt Sie in einem hüpfenden, verspielten Poptempo gepaart mit vibrierendem Synthesizer. Es klingt so, wie man es von einer stark bearbeiteten E-Gitarre in einem poptimistischen Track direkt aus dem Jahr 2007 erwarten würde, der mit dem Drama und der Ausgelassenheit von Lordes gedämpften Schreien verziert ist. Mit dem Eröffnungstext "I was a singer, you were a fan / When no one gave a damn" ist es leicht, "Favourite daughter" als einen Aufruf von Lorde an ihre Zuhörer zu verwechseln. Aber spätestens bei der zweiten Strophe wird schlagartig klar, dass dieses Lied direkt an Lordes jüngeres Ich gerichtet ist, eine Retrospektive auf einen jugendlichen und getriebenen Überflieger.
“Ich tanze weiter, bis ich krank werde, warum musstest du so groß träumen? Warum hat niemand zugehört, als du die Noten aus deinem Herzen geschlagen hast?”. Es ist ein hartes Liebeslied, eine Ode an die Unschuld und die Komplexität, die mit der Erleuchtung der Erfahrung einhergeht, während man sich nach dem Element der Naivität sehnt, das man nie zurückbekommt.
'Current Affairs' beweist einen herausragenden Track, der seinen Namen verdient - Drop auf der Lead-Single 'What Was That'. Mit erhebenden, verarbeiteten Klaviertasten, die beim Drücken so klingen, als würden sie knirschen, speist es sich in das verzerrte House–Party-Feeling von 'Virgin' ein. 'Current Affairs' spult widersprüchliche Emotionen einer turbulenten Beziehung ab und wird seiner Erzählung mit magenschlagenden Einbrüchen in die E-Gitarre gerecht, während Lorde heulen hört, um den Refrain zu beschwören und den Titel des Tracks auszuspucken. Männliche Hintergrundgesänge, die wahrscheinlich zu Dev Hynes (Blood Orange) gehören, spiegeln Lordes Texte wider und verleihen einem mit Detail und Komplexität produzierten Song eine weitere Tiefenebene.
'Clearblue' ist der zweite Track, der scheinbar vom Gesang von Dev Hynes unterstützt wird, sein Gesang ist eine Kulisse für die von Lorde. Der Song ist fast vollständig A capella, mit Ausnahme des Trommelknalls, interpunktierende Texte, die sich mit der Vielfalt der Emotionen befassen, die die Erfahrung eines Schwangerschaftstests mit sich bringen. Es ist ein Track, der umso verletzlicher wird, als er sich auf die Stimme verlässt und Lordes Geständnisse klar zum Ausdruck bringt.
'GRWM', ein Akronym, das durch eine Reihe von von Influencern geführten Make-up- und Hautpflegevideos mit dem Titel 'Mach dich bereit mit mir' populär gemacht wurde, wird stattdessen durch etwas weniger Eitelkeitszentriertes definiert. Es ist ein unscharfer Track, der absichtlich mit Feedback knistert, und industrielle Drums necken eine Hyper-Pop-Kante. Wie 'Clearblue' unterstreicht es einzigartige Merkmale von Lordes Aussehen - körperliche Merkmale, die als Zeichen der Weiblichkeit angesehen werden können. Sie feiert breite Hüften, Zahnsplitter und Hautnarben in der Hoffnung, generationenübergreifend anzugehen, während sie die Wichtigkeit des "Nach vorne Schauens" mit augenzwinkernden Erklärungen wie "Vielleicht weiß ich endlich, wer du sein willst, eine erwachsene Frau in einem Baby-T-Shirt."Energiegeladene Snare Drums, die an einen der jüngsten Mitarbeiter von Lorde erinnern, Charli xcx, Farbe "Jungfrau ". Während das optimistische 'Apple' seinen schweren Inhalt fast verschleiert, der einen Kampf gegen die Zwänge des Generationentraumas erzählt, verwendet 'Broken Glass' die gleiche optimistische Verkleidung, um den Schlag seiner Texte zu mildern und die Schwierigkeiten zu betonen, gegen eine Essstörung zu kämpfen und sich im Krieg zu befinden dein eigener Körper. In dem Lied fordert Lorde ihre Rechte an ihrem Körper zurück, nachdem sie einen Sommer damit verbracht hat, sich "in Mathe zu verlieren", während sie den schwierigen mentalen Versuchungen widersteht, in destruktive Gewohnheiten zurückzukehren.
'If She Could See Me Now' mit seiner heftigen, konfrontativen Anziehungskraft würde auf dem Soundtrack eines aufregenden Ringspaziergangs nicht fehlen, bei dem die Wahl des Liedes durch den Kämpfer bedeutet, dass er den Kampf gewonnen hat, bevor der Schiedsrichter die Chance hat, die Glocke zu läuten. Druckvolle, bearbeitete Gitarren füllen den Electronic-Rock-Track und hüpfen so stark, dass es für den Hörer schwer fällt, sich von einem plötzlichen Sprung im Schritt mitreißen zu lassen. Lorde erzählt ihrer jüngeren selbst, wie weit sie durch Rückschläge von Herzschmerz, Kämpfe mit dem Körperbild, kreativer Dürre und dem ahnungsvollen Lampenfieber ihres sechzehnjährigen Ichs gekommen ist. Der R & B-Hit "Suga Suga" von Baby Bash und Frankie J finds wird in der ersten Strophe interpoliert, während Lorde den ikonischen Text "you got me lifted feeling so gifted.”
'David' mit seinen filmischen Flöten nimmt die Form einer Gedenkhymne an, ein sofortiger Rückruf auf das Debütalbum 'Pure Heroine'; eine referentielle Reflexion und Rückgewinnung der Erzählung. Klingelnde Flöten rufen die Bewegung von Wolken hervor, die sich auflösen, um das Licht hereinzulassen. Der Refrain bricht auf und knistert wie ein ausfallendes Festnetztelefon und ist von scharfen Störungen durchsetzt, die den Hörer durch einen Klangtunnel ziehen und den Eindruck erwecken, dass er auf der anderen Seite auftaucht, während die Verzerrung abrupt anhält, bevor Platz für ruhige Flöten bleibt, die dieses Lied abrunden der süßen Hingabe.
Es ist selten, dass ein Künstler zweimal in seiner Karriere einen Höhepunkt erreicht, aber 'Virgin' beschleunigt sich zu gleichen Höhepunkten, von denen allgemein und fälschlicherweise angenommen wurde, dass nur das Lieblingsalbum der Fans 'Melodrama' erreichen könnte. Zwischen seiner erfolgreichen klanglichen Neuerfindung, bei der Lorde zu ihrem charakteristischen Synth-Pop-Sound zurückkehrt und Songwriting eine Vielzahl von Traumata entwirrt, zementiert sich ‘Virgin‘ als existent, das nicht nur die ultimative Reclamation-Platte ist, sondern der Soundtrack von Lordes Wiedergeburt.
9/10
Text: Lauren Hague
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