Als Vermittler für sci‑fi‑verzerrten Eskapismus bringt Timur Tokdemir, besser bekannt unter seinem Künstlernamen Mechatok, neues Leben in das Alltägliche. Im Verlauf seiner Karriere hat sich der in München geborene DJ‑Produzent als ein unkonventioneller Weltenbauer etabliert, der am Rand hochoktaniger Tanzflächen kreist und eine eher introvertierte Perspektive auf Clubmusik verfolgt. Im Mittelpunkt seiner Arbeit steht die Melodie, ein Merkmal, das auf seine prägenden Jahre zurückgeht, in denen er klassische Gitarre lernte, bevor er sich der digitalen Produktion zuwandte.
Auch Kollaborationen haben seinen Sound in neue Räume gelenkt, am auffälligsten durch seine Zusammenarbeit mit den cloud‑rap‑Renegades Drain Gang (Bladee, Ecco2k, Thaiboy Digital und Whitarmor), während er sich gleichzeitig angesehene Produktions‑Credits neben Namen wie Charli XCX, Evian Christ und Oklou sicherte.
„Wide Awake“, Mechatoks Debüt‑LP, erscheint nach einem Jahrzehnt des Ausprobierens. Nach einer Phase sporadischer Touren, Lockdown‑Studio‑Sessions und dem Abschluss eines Masterstudiums in Bildender Kunst und Design agiert der Künstler nun mit einer makro‑Vision und entwickelt einen Dialog zwischen Underground‑Geschmacksmachern und dem Mainstream. Zugleich behandelt „Wide Awake“ die Intensität des zeitgenössischen Lebens – eine wechselhafte Sammlung von Tracks, die sich von Online‑Räumen in die Realität verschieben. Es ist ein Statement‑Album, das Mechatoks künstlerische Autonomie behauptet, die Genre‑Überschneidungen seiner früheren Arbeit ehrt und an der Schnittstelle von Hyperpop, Indie, Electronic, J‑Pop und darüber hinaus existiert.
Im Vorfeld einer Reihe von Live‑Auftritten traf CLASH Mechatok, um über seine neueste Sammlung, die Freundschaften, die er unterwegs geschlossen hat, und darüber zu sprechen, wie er seine Arbeit über das Hörbare hinaus in visuelle Bereiche erweitert.
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Du hast im Alter von sechs Jahren mit klassischer Gitarre angefangen, bevor du GarageBand entdeckt und deine frühen Stücke über SoundCloud veröffentlicht hast. Was glaubst du, hat dich zu elektronischeren Produktionen hingezogen?
Ich habe die Welt der elektronischen Musik genau zu dem Zeitpunkt entdeckt, als ich anfing, sie selbst zu machen. Ich hörte Daft Punk, Gorillaz, solche Sachen – ziemlich mainstreamige Musik mit elektronischen Elementen. Dann, als ich meine eigene Musik auf SoundCloud hochlud, begann ich Leuten zu folgen und kam an viel obskurere Sachen heran. Ich entdeckte all diese verschiedenen Szenen, die es zu der Zeit gab: das UK‑Zeug damals, die Post‑Dubstep‑Phase und das französische Electro‑Clash‑Ding.
Du hast deine Kindheit in München verbracht. Welche Erfahrungen, Menschen oder Künstler haben deinen Geschmack dort geprägt und wie wirkt sich das heute auf deinen Sound aus?
Es ist interessant, weil ich online sehr früh war, so mit 12 oder so. Damals war Facebook noch richtig groß, und es war cool, weil man einfach Leute adden konnte. Man konnte sich so ein riesiges zufälliges Netzwerk aufbauen. Es war so ein imaginärer Ort online, und München stand im Kontrast dazu, weil ich nicht sagen würde, dass es der ruhigste Ort ist, aber es ist definitiv kein Zentrum des Nightlife.
Es gab ein paar Dinge in München, die prägend waren. Es gibt diese Galerie namens Kunstverein, wo ein guter Freund von mir alle sechs Monate Afterpartys veranstaltete. Ich erinnere mich, dass einer der Künstler, dem ich auf SoundCloud folgte, dort spielte, also ging ich hin, und so habe ich mobilegirl mit 16 kennengelernt. Sie war die erste reale Freundin, die ähnliche Musik machte wie ich.
Dann bist du nach Berlin gezogen. Wie würdest du diesen Wechsel in die Hauptstadt beschreiben?
Berlin fing wirklich damit an, richtige Shows und richtige Sets zu spielen. Es war in vielerlei Hinsicht glückliches Timing, weil Toxie und mobilegirl zur gleichen Zeit zogen. Die Szene, in der ich schon war, war dort vertreten, diese Party namens Janus. Sie setzten sozusagen den Ton. Es wurde komplett dazu, jedes Wochenende auszugehen, jedes zweite Wochenende zu DJ‑en. Es ging von diesem imaginären, losgelösten Online‑Ding zu etwas super Realem.
Wenn du deine frühen Arbeiten anhörst, sagen wir dein Debüt „Gulf Area EP“ – welche Version von dir hörst du auf diesen Tracks?
Das ist eine sehr emotionale Platte, sowohl klanglich als auch persönlich, weil sie wirklich einen Wandel markierte. Ich machte diese Songs in München in den letzten zwei Jahren, die ich dort lebte, und sie hatten noch stark den Einfluss meiner klassischen Gitarrenzeit. Es ist super roh. Ich fühle mich immer noch damit verbunden, auf jeden Fall.
Um ein Bild zu malen: Meine Mutter hat mich immer aufgezogen, weil ich keine Möbel in meinem Zimmer haben wollte; da lagen nur eine Matratze und ein Schreibtisch. Ich glaube, ich wollte Bilder der Online‑Kunst imitieren. Ich erinnere mich, wie ich auf meiner Matratze mit miesen Kopfhörern diese Musik machte. Das ist das Bild, das ich im Kopf habe, wenn ich daran denke. Wenn man anfängt, Musik zu machen und nicht viel DJ‑ed oder nicht oft rausgeht, macht man Kopfhörermusik, oder?
In deiner Musik hast du zwischen verschiedenen Szenen und Genres verhandelt. Gab es einen Prozess, diese auszubalancieren und zu einem Sound zu verschmelzen?
Das ist etwas, das sich wahrscheinlich nicht verändert hat, sogar seit dieser Platte. Der Kern all dieser Musik in den letzten zehn Jahren war immer Melodie und Songwriting. Auch jetzt, auf dem neuen Album, obwohl es viel mehr Produktion, Sounddesign und eine klangliche Identität hat, beginnt es immer mit einem Song, den man auf einem Klavier spielen oder auf Gitarre covern könnte. Es beginnt und endet immer mit der Melodie. Welchem Genre es am Ende zugeordnet wird, war für mich immer zweitrangig.
Was hat jetzt den richtigen Zeitpunkt erscheinen lassen, dein Debüt‑LP „Wide Awake“ zu veröffentlichen? Wann hast du realisiert, dass dies das definitive Projekt ist?
Ich wollte schon länger ein Debütalbum machen. Es passierte so viel. Ich machte weiter Beats und produzierte, aber es fühlte sich wie eine Forschungsphase an. Nach der Lockdown‑Ära wollte ich raus, mich verzweigen und verschiedene Dinge ausprobieren, wie eigene Nächte veranstalten, Kunstinstallationen machen und für andere produzieren. Nachdem ich das zwei oder drei Jahre gemacht hatte, fühlte ich, dass ich genug Input gesammelt hatte, um ein Album zu machen, das die Ekletik hat, die ich wollte, aber zugleich ein klares Gespür dafür, wie die Instrumentierung sein sollte.
In welchem Geisteszustand befindest du dich beim Veröffentlichen dieses Werks? Was bedeutet „Wide Awake“ für dich an diesem Punkt deiner Karriere?
Es fühlt sich an, als würde ich gerade erst anfangen. Ich werde mehr zur Live‑Act, und das ist ein großer Wandel. Ich lege nicht mehr so viel auf wie früher. Ich spiele Gitarre, und es ist einfach meine eigene Musik. Mir liegt viel an Bühnenbild, was definitiv mit meinem Design‑Background zu tun hat. Ich bin in einer Stimmung, in der das irgendwohin gehen kann. Viele Dinge passieren bereits. Ich gehe in viele Sessions und schreibe, und jeder Tag fühlt sich nach Arbeit an. Es ist nicht mehr dieses ‚chillen auf dem Laptop zu Hause und schauen, was passiert‘. Das fühlt sich an wie der Beginn einer richtigen Musikkarriere.
Kannst du uns etwas über das Albumcover erzählen? Wie setzt es sich visuell mit dieser Sammlung von Tracks auseinander?
Das Albumcover stammt von Dean Violante, und sie sind Teil dieser Hardcore‑Gruppe Olth aus New York. Sie sind in einer Band, aber sie sind auch Tätowiererin und Malerin. Das Artwork hat diese super klaren schwarzen Linien, aber darunter liegt eine Schicht von Bleistiftspuren. Es ist keine glänzende, perfekte digitale Grafik. Diese Ehrlichkeit ist darin; man sieht ein bisschen Risse, und das korreliert sehr mit der Musik. Es gibt etwas Poliertes, es gibt knackige Popsongs darauf, aber oft gibt es Momente völliger Stille oder seltsam zerschnittene Vocals, die scheinen auseinanderzufallen.
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Du hast diese neue Ära mit „Addiction“ eröffnet. Warum war dieser Track der richtige, um Hörer in die Klangwelt von „Wide Awake“ einzuführen?
Ich denke, dieser Song hat einige der komplexesten Dinge in Bezug auf die Produktion. Es gibt dieses Ding bei Produzenten – besonders bei denen, die auch für andere produzieren – dass ihre Alben oft ein Feature‑Fest sind und vom Vokal getragen werden. Ich wollte sicherstellen, dass das hier nicht so ist. Es schien einfach die richtige Art von Statement zu sein, zu sagen: Das ist die erste Single, auch wenn sie nicht der poppigste oder zugänglichste Song auf der Platte ist. Sie fasste viele Aspekte zusammen, die später auf dem Album wieder auftauchen.
„Expression On Your Face“ sieht dich erneut mit Bladee und Ecco2k zusammenarbeiten. Wie entstand eure kollaborative Beziehung?
Bladee und ich haben immer ähnliche Obsessionen für verrückte YouTube‑Sachen und crazy Micro‑Genres geteilt. Er schickte mir all diese verrückte thailändische EDM‑Musik oder lustige Italo‑Disco‑Kompilationen. Als er nach Berlin zog, kam COVID und wir hatten buchstäblich nichts anderes zu tun, als zusammen abzuhängen und Musik zu machen, während wir solche Inhalte im Fernsehen anschauten. Ich glaube, das war die intensivste Phase unserer Zusammenarbeit, und über die Jahre habe ich immer wieder zu seinen Platten beigetragen.
Der Track ist eine Hommage an das Verhältnis, das wir im Laufe der Jahre hatten, aber es ist auch eine Wendung, weil es mein Song ist, auf dem sie zu Gast sind. Wahrscheinlich war es das erste Mal, dass wir es so herum gemacht haben. Es ist auch etwas, das sie vielleicht nicht unbedingt auf ihren eigenen Platten gemacht hätten.
Inwiefern fordert und pusht ihr euch kreativ gegenseitig? Und was bewunderst du am meisten an Drain Gang?
Es ist so eine Art Avengers‑Ding, bei dem jeder von ihnen seine eigene Superkraft hat. Benjamin hat diese unermüdliche Produktivität; Ideen kommen einfach nonstop aus ihm heraus. Das erzeugt einen freundlichen Konkurrenzdruck: Wow, okay, du hast das rausgebracht, jetzt muss ich mit etwas anderem kommen. Es ist ziemlich inspirierend, jemanden ständig neue Ideen entwickeln zu sehen. Ecco2k ist wahrscheinlich einer der größten Perfektionisten, die ich kenne; er entwickelt Dinge bis ins Detail und mit so viel Sorgfalt, dass es mich dazu bringt, auch so weit zu gehen.
Auf „200“ arbeitest du mit Tohji zusammen. Wie ist dieser Track entstanden? Erzähl mir etwas über eure kollaborative Dynamik.
Tohji hat mich kontaktiert, und es war interessant, weil ich ein bisschen Fan einiger seiner Songs war, ihn aber nicht wirklich kannte. Über die Jahre habe ich eine Menge für ihn produziert. Ich hatte immer eine Beziehung zu Tokyo. Ich machte meine erste Asien‑Tour, als ich 18 war. Ich würde sagen, wahrscheinlich alle zwei Jahre fuhr ich für irgendetwas dorthin. Es gab immer eine Show oder so.
Seit Tohji und ich in Kontakt stehen, ist er mein Mann da draußen geworden. Er veranstaltet dort auch verrückte Partys und hat mich ein paar Mal eingeladen. Es schien also passend und notwendig, diesen Song mit ihm auf dem Album zu haben. In einem größeren Sinne bin ich natürlich stark von J‑Pop, Perfume und Yasutaka Nakata beeinflusst. Dieser Sound ist in dem Song mit ihm nicht super vertreten. Ich bin nicht so sehr dafür, Dinge rein zu appropriieren. Wenn ich mich für etwas interessiere, will ich rausgehen, mit den Leuten kollaborieren und schauen, was sie treiben.
Welche Qualitäten suchst du in einem Kollaborateur? Hat sich das im Laufe der Zeit verändert?
Ich bin etwas spezifischer geworden. Anfangs war es noch recht aufregend, überhaupt einen Vocal auf einem Song zu haben, aber jetzt will ich eine starke, eingängige Idee. Ich arbeite meist mit Freunden, also hat jeder von ihnen seine eigenen Qualitäten.
Bevorzugst du, deinen Kreis eng zu halten, oder möchtest du auch mit neuen Leuten arbeiten?
Ich denke, unabhängig davon, ob mein Kollaborateur ein echter Freund ist oder nicht, kommt es mir wirklich darauf an, dass die Zusammenarbeit eine Beziehung entfacht. Selbst wenn mich jemand über mein Management anspricht, nehme ich immer direkt Kontakt auf. Die uninteressantesten Kollaborationen für mich entstehen aus anonymer Produktion nach Briefing. Das hat für mich nie bahnbrechende Sachen hervorgebracht.
Welche Themen, Gefühle oder Ideen wolltest du auf dem Album auspacken? Wie bist du sie angegangen?
Auf sehr persönliche Weise erkundet dieses Album das paradoxe Gefühl von Manie und Rastlosigkeit, aber auch Melancholie und Leere. Es ist dieser Kontrast zwischen allein zu Hause sitzen, die ganze Nacht auf den Bildschirm starren und durch Inhalte scrollen, und dann in sechs Städten hintereinander zu sein. Dieser extreme Kontrast an Intensität, sowohl im realen Leben als auch online, hat das Album stark geprägt.
Wo verortest du dieses Projekt für dich? Welche Energie oder Umgebung passt am besten dazu?
Ich denke, höchstwahrscheinlich funktioniert es am besten mit guten Kopfhörern im Flugzeug oder Zug. Angeschaut von Anfang bis Ende. Es ist nicht super lang; es hat ungefähr die Länge eines Pendelwegs, 35 Minuten oder so. Ich bin da nicht elitär. Mir gefällt die Idee, dass meine Musik in eine Umgebung passt oder der Soundtrack zu einer Erfahrung wird. Du musst nicht 150% darauf fokussieren. Ich habe das Album so gemacht, dass du es vergessen kannst und dann etwas dich herausreißt und du wieder reinfindest.
Wenn du eine Filmserie oder ein Videospiel vertonen könntest, welches würdest du wählen?
Ich würde GTA wählen. Jedes Open‑World‑Game mit einer sehr dichten Stadtumgebung wäre fantastisch. Vielleicht, wenn sie eine leicht futuristische New‑York‑ oder Tokio‑Version machen würden.
Was hörst du gerade momentan? Wofür brennst du?
Im Moment bin ich super aufgeregt über all die neuen Szenen, die auftauchen. Der UK‑Underground geht gerade durch die Decke und es war großartig, mit einigen von ihnen zu arbeiten. Ich höre ständig Esdee Kid, sein neues Album ist heiß. Gleichzeitig interessiere ich mich sehr dafür, was in China passiert. Da ist ein Typ namens Billionhappy, der richtig gut ist. Und dann gibt es diese neueste Iteration von Hyperpop aus Korea. Da ist ein Typ namens kimj, der viel produziert.
Und abschließend, auf welche Dinge richtest du deinen Fokus in den kommenden Monaten, jetzt wo das Album draußen ist?
Ich will auf jeden Fall weiter Musik schreiben. Ich bin gerade im Flow und möchte nicht aufhören. Ich gehe auch auf Tour und möchte es genießen, die Platte live so viel wie möglich zu spielen. Ich möchte die Show erweitern. Im Moment bin ich nur ich, aber ich könnte mir vorstellen, das mit einer Band zu machen. Ich denke, das ist der Plan: einfach das nächste Album schreiben und dieses hier touren.
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„Wide Awake“ ist jetzt erschienen.
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Text: Ana Lamond
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