In den fünf Jahren seit „Night Network“ durchliefen The Cribs eine Phase der Selbstreflexion und Abrechnung, die viele Bands hätte zerstören können. Aber auf „Selling A Vibe“ kehren die Jarmans erneuert und noch bereit zurück, den guten Kampf zu führen.
Es ist 22 Uhr an einem Samstagabend und The Cribs verwüsten einen verschwitzten Hinterraum in East London bei dem kleinsten Konzert, das sie seit über einem Jahrzehnt gespielt haben. Körper prallen vergnügt von vorn bis hinten im Venue aufeinander; die Temperatur im Gebäude ist um etwa zehn Grad gestiegen, und ein Fan pumpt die Luft, sein ganzer Arm ist mit einem vollständigen Sleeve-Tattoo bedeckt, das die Drei Jarman-Brüder zeigt. Es ist das Ende des Sommers 2025, aber für einen kurzen Moment könnte es wieder 2005 sein: Keine geliebte Indie-Truppe kann den freien, halb-chaotischen Spirit der frühen Tage so anzapfen wie diese drei. „Es ist uns immer noch in Fleisch und Blut übergegangen, das zu tun, wir gedeihen immer noch in diesen Umgebungen“, sagt Bassist Gary nach der Show, vom Einsatz eines wohlvollbrachten Jobs durchgeschwitzt.
In den Dingen, die zählen, ist die Einstellung von The Cribs schon immer treu geblieben, sogar noch vor jenen wilden Durchbruchsjahren. Als sie am Morgen mit einem Totalausfall des Tourvans konfrontiert wurden, riefen sie durch die guten Musiker von Wakefield und probierten verschiedene — wie sich herausstellte — ramponierte Fahrzeuge, bis sie einen Weg fanden, zum Gig zu kommen. „Für diesen Auftritt waren heute vier Vans nötig, weißt du?“ bemerkt Gitarrist Ryan. Sie spielen zugunsten von War Child; wir finden die Band in der von Graffiti übersäten, unterirdischen Garderobe des Shacklewell Arms, wie sie als Ersatz für einen anständigen Rider ein Greggs essen, um der Aktion unnötige Kosten zu ersparen. Sie sind immer noch dieselben Männer, die wir schon immer kannten; schneidet man The Cribs auf, blutet ein DIY-geprägter Außenseitergeist heraus, der sie seit den Anfängen geerdet hat. Aber sie haben auch genug davon, nur als genau dieses Klischee „typisiert“ zu werden.
„Es ist ein guter Ruf, dass man nicht die Attitüde oder Manieren hat, sich für etwas Besseres zu halten und sich nicht zu schade ist, solche Dinge zu tun“, fährt Gary fort, „aber wenn man das die ganze Zeit macht, stellt man sich im Grunde in eine Position, in der man nicht besonders ambitioniert ist und nur altes Terrain wiederbetritt.“ Zwei Vorwürfe, die dieser speziellen Brüderbande ganz sicher nicht gemacht werden können.
Mit der nun enthüllten neunten Studioplatte — diesem Monat erschienenen „Selling A Vibe“ — haben die Bandmitglieder in den letzten zwei Jahrzehnten jede Facette ihres Sounds erforscht und sich als feste Favoriten auf Festival-Hauptbühnen etabliert, mit der seltenen Fähigkeit, Nostalgie und echten, anhaltenden Appetit auf neues Material zu verknüpfen. Ihr siebtes Album, produziert von Steve Albini, „24-7 Rock Star Shit“, brachte der Band ihre gemeinsam höchste Chartplatzierung; „Night Network“ von 2020 erzielte vielleicht ihre besten Kritiken bis dato (einschließlich einer beinahe perfekten 4,5 in DIY). Was das Ausloten eigener Grenzen angeht, beginnt ein Höhepunkt des neuen Albums, „You’ll Tell Me Anything“, mit den theatralischen Gesangseinlagen eines italienischen Operntenors. „Natürlich dachte ich: ‚Das sollten wir nicht machen, das sind wir nicht‘“, erinnert sich Ryan. „Und dann dachte ich: ‚Warum zum Teufel denke ich so?‘“
Doch mehr als nur natürliche Entwicklung und Expansion fanden in der fünfjährigen Lücke zwischen ihrem letzten Album und „Selling A Vibe“ tiefgreifendere Veränderungen im Jarman-HQ statt. Aufgewachsen mit der Einstellung, die ihnen jenen frühen Ruf als zu 100 % dem Rock’n’Roll verpflichtete Lebenskünstler einbrachte — eine Band, die bereit war, sich nachts regelrecht über ihre Mikrofone bluten zu lassen und 364 Tage im Jahr zu spielen — fragten sie sich endlich: zu welchem Preis? „Ich habe immer gedacht, dass man als Musiker nichts auf die leichte Schulter nehmen kann. Es kann nicht einfach nur eine Facette von dir sein; du musst es dich fast verzehren lassen“, sagt Ryan. „Aber ich glaube, man merkt vielleicht nicht, in welchem Ausmaß es seine Krallen in dich geschlagen hat, bis es zu spät ist.“
„Ich habe immer gedacht, dass man als Musiker nichts auf die leichte Schulter nehmen kann; man muss es sich fast verzehren lassen.“
— Ryan Jarman
„Selling A Vibe“ ist gespickt mit aufsteigenden Hooks und dem angeborenen Pop-Ohr, das The Cribs’ mehr punkbetonte Sensibilitäten immer ausgeglichen hat. Produziert von Chairlifts Patrick Wimberley markiert sein Input einen neuen Vorstoß für die Band — einen Schritt in zeitgenössische Pop-Aufnahmeverfahren nach einer Studiokarriere, in der sie allerlei Techniken ausprobiert haben. Aber obwohl das Endergebnis Freude bereitet, tragen die Songs oft ihre Kämpfe hörbar zur Schau.
Im Zentrum steht das von Ryan geleitete „Looking For The Wrong Guy“ — ein atmosphärischer Slow-Build, der sich in eine kathartische Reinigung verwandelt: „If you’re looking for me, you’re looking for the wrong guy / I’m just wasting away, watching the time go by“. Der Track, erklärt Ryan, „war der einzige Song, den ich zwischen 2021 und 2024 geschrieben habe, also ist das ein Hinweis darauf, wo mein Kopf damals stand.“ Während dieser Zeit wurde seine Partnerin krank. Nachdem er sich unerbittlich in den „nicht nachhaltigen“ Lebensstil gestürzt hatte, den er irgendwie 15 Jahre lang aufrechterhalten hatte, unternahm der Gitarrist zum ersten Mal einen Schritt zurück und überdachte seine Prioritäten. „Viele der Dinge, die anfangs ein großer Teil der Attraktion für diese Karriere waren — der Lebensstil, der so anziehend war — das alles ist totaler Bullshit“, sagt er.
Aufgewachsen mit der Verehrung von Bands wie Nirvana, war die potenzielle Katastrophe, sein Leben der Musik zu widmen, vorprogrammiert. „Als wir Kinder waren, endeten alle Bands, die wir liebten und bewunderten und deren Fußstapfen wir folgen wollten, letztlich in einer Katastrophe, aber das spielte keine Rolle“, sagt Gary. „Für Kinder in einer Kleinstadt, die Tagträume haben, war das immer noch ein völlig lohnender Tausch. Aber die Realität, ständig auf Tour zu sein, ist wirklich hart. Die erste Tour, die wir je gemacht haben: Nach dem ersten Tag wachst du auf und es geht dir gut, weil du vorher schon Gigs gespielt hast. Am zweiten Tag denkst du: ‚Oh Mann, das ist intensiv.‘ Am dritten Tag denkst du: ‚Ich kann nicht so leben, das ist zu schwer,‘ aber am vierten Tag hast du deinen Rhythmus gefunden. Du gewöhnst dich dran, und dann bist du zehn Jahre daran gewöhnt. Aber wenn du etwas normalisierst, das dich anfangs geschockt hat, heißt das, du bist an etwas gewöhnt worden, das unnatürlich ist.“
In einer Branche aufgewachsen, in der Burnout kaum berücksichtigt wurde und Drogen und Alkohol einfach zum Deal gehörten, fielen The Cribs in die gleichen Zyklen, die schon zahllose Bands zuvor getroffen hatten. „Sich der Klischees bewusst zu sein und diese anti-rockistische Ethos zu haben, den wir haben, und dann zurückzublicken und zu denken: ‚Verdammt, ich habe all diese Dinge gemacht, obwohl es etwas war, das wir aktiv zu vermeiden versuchten‘ — das ist so ironisch“, sagt Ryan. „Ich will nicht dramatisch klingen, aber ich erinnere mich wirklich nicht an viel von meinen Zwanzigern, und nicht, weil ich die ganze Zeit total zugedröhnt war, sondern weil es einfach ständige Schwankungen und ein ständiges Betäuben der Angst oder des Stresses war“, ergänzt Gary. „Es fühlte sich normal an, weil wir immer noch gute Shows spielten und gute Platten machten, also hatten wir nicht das Gefühl, wir würden alles versaubeuteln. Aber ich glaube nicht, dass es wirklich normal ist, 15 Jahre deines Lebens so wie einen Schleier zu erleben, weißt du?“
„Als wir Kinder waren, endeten alle Bands, die wir liebten und bewunderten, letztlich in einer Katastrophe.“
— Gary Jarman
Die Pause durch die Pandemie, plus ein paar zusätzliche Jahre des „Herausfindens, wo The Cribs endeten und wo die Jarman-Brüder begannen“, erwiesen sich als unglaublich notwendiger Reset. Als sie schließlich wieder das Verlangen verspürten, sich gemeinsam im Proberaum zu treffen, stellten sie fest, dass sich der Prozess des Entstehens von „Selling A Vibe“ plötzlich wieder frisch anfühlte — eine neu gefundene Klarheit gab ihnen einen sauberen Brunnen, aus dem sie schöpfen konnten, statt einem, dessen Energien vielleicht längst erschöpft waren. „Die Dinge fühlen sich wieder frisch an, und das ist nichts, das man erwartet, wenn man schon neun Platten draußen hat“, bemerkt Ryan.
Sogar die Dunkelheit mancher Texte, sagt der Gitarrist, rührt daher, das Schlimmste durchgemacht zu haben und nun davon aus etwas zu erzählen, das einem Rückspiegel ähnelt. „Offensichtlich gibt es viele Gründe, warum ich froh bin, an einem besseren Ort zu sein, aber kreativ ist es tatsächlich viel interessanter, weil du es verarbeitet und hinter dir gelassen hast“, schlägt er vor. „Würde man jetzt noch in dieser Situation stecken, wäre das meiner Meinung nach nicht gut für die Musik.“
Und die Musik auf dem neunten Album der Cribs ist es wert, dafür zu kämpfen. Auf dem eröffnenden Doppel aus „Dark Luck“ und dem Titelsong „Selling A Vibe“ fangen Ryans Gitarrenlinien eine Nische bittersüßer Euphorie ein, die nur wenige so gut hinbekommen. Ob im spöttisch beschwingten Jangle von „Never The Same“ oder in der Smiths-ähnlichen Melancholie von „Self Respect“ — die Band ist sofort wiedererkennbar und findet zugleich fruchtbares neues Terrain. Letzterer Track mit dem Refrain „self respect will never cash the cheques“ zieht dabei einen Faden nach, der schon bei der ikonischen frühen Single „Hey Scenesters!“ begann. Wenn dies die gereiftere Version ist — ein Text, zweifellos geprägt durch eine anstrengende und lange Zeit vor „Night Network“, in der sie für und um die Rechte an ihrem Katalog kämpften und diese zurückgewannen — dann fühlt sich die zugrundeliegende Einstellung vielleicht relevanter denn je an, wenn Bands als Marken gesehen werden und, sagt Gary, „[Musik] jetzt wie ein Leaderboard betrachtet wird, bei dem Metriken den Leuten fast eine Punktzahl oder Note geben.“
Die Jarmans sind sich keineswegs illusorisch darüber, dass sie denselben Erfolg und dieselbe Langlebigkeit hätten, wenn sie heute neu anfangen würden. „Der DIY-Weg, auf dem Leute es heute schaffen, ist einfach nicht mehr derselbe. Es gibt die Idee, dass man es über Social Media machen kann, aber das ist alles Selbstvermarktung. Nur die Pfauen gedeihen wirklich in diesen Umgebungen; es ist nichts für Außenseiter oder die unbeholfenen, seltsamen Leute“, sagt Gary. „Es gibt jetzt kein funktionierendes Untergrundnetzwerk, womit ich meine eine sich selbst erhaltende Gemeinschaft, in der man existieren könnte, ohne je auf die Radio-1-Playlist zu achten. Es wäre unmöglich für eine Band wie uns heute — eine Arbeiterklasse-Band aus einer Kleinstadt, die auf die alte Schule setzt.“
Es gibt keine einfache Lösung, aber wie immer liegt der Widerstand bei den Menschen — Szenen schaffen, Dinge in Kleinstädten tun, sich vernetzen und etwas Greifbares und Echtes machen, das nicht darauf angewiesen ist, dass Algorithmen bestimmen, wohin es geht. „Big Tech ist keine unterstützende Infrastruktur, es ist nur ein Profitgefäß. Es kann unmöglich eine grassroots DIY-Community ersetzen“, betont Gary, während Ryan aufnimmt: „Die Community war das Einzige, das uns Hoffnung gab, als wir jünger waren. Wenn wir lokale Shows spielten und vor niemandem spielten und jede Woche probten — schon damals sah man, dass man womöglich sein Leben ändern könnte.“
„Nur die Pfauen gedeihen wirklich auf Social Media. Es ist nichts für Außenseiter oder die unbeholfenen, seltsamen Leute.“
— Gary Jarman
Die Tech-Giganten, die Regierung und die Welt im Allgemeinen machen es neuen Bands zunehmend schwerer, in ihre Fußstapfen zu treten, aber es hilft, dass eine Band wie The Cribs bleibt, um zu zeigen, dass es manchmal doch möglich ist. Nachdem sie letzten Sommer das 20-jährige Jubiläum ihres nach wie vor hervorragenden zweiten Albums „The New Fellas“ gefeiert haben, haben sie weitere zwei Jahrzehnte überstanden, mit erneuerter Energie und intakten Moralvorstellungen. Selbstachtung hat sie vielleicht nie in die Stadien gebracht, aber sie hat ihnen geholfen, die meisten ihrer Kollegen zu überdauern und ihnen langfristig ziemlich gut gedient.
„Selling A Vibe“ endet vielleicht mit dem selbstreferentiellsten Song, den die Band je geschrieben hat: „Brothers Won’t Break“. Mit gemeinsamen, dualen Vocals singen Ryan und Gary eine Theorie von allem: „All that our roots did / Was just trip us up / But we’ll keep it from an honest place“. Denn wirklich, diese Brüder könnten nicht anders als ehrlich sein, selbst wenn sie es versuchten. Früher war es schwer vorstellbar, dass die Band jemals aufhören würde. „Wenn du in einer Band mit deinen Brüdern bist, ist das eine Beziehung, die du dein Leben lang hattest, also weißt du nicht wirklich, wo das endet oder wie das endet“, räumt Gary ein. Vielleicht war das Teil des Problems. Aber jetzt, nachdem sie kurz davor waren zu zerbrechen, sind sie stärker zurückgekommen — rein aus Liebe zum Handwerk; sie verkaufen eine Stimmung, die wahrhaftiger denn je ist. „Heutzutage, jedes Mal, wenn wir eine Platte fertigstellen oder eine Tour beenden, warten wir auf das Gefühl, das zurückkommt, dass wir es wieder machen wollen“, sagt Ryan. „Diesmal hat es fünf Jahre gedauert — und es dauert so lange, wie es dauert — aber solange dieses Gefühl zurückkommt, ist das alles, was zählt.“
„Selling A Vibe“ erscheint am 9. Januar über Play It Again Sam.
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