Zwei Jahre nach ihrem Debütalbum kehrt die Absolventin der Brit School mit einer kuscheligen Sammlung gepflegter Soulmusik zurück. Älter, weiser, aber immer noch fehlbar perfektioniert Olivia Dean die Kunst des Liebesliedes und richtet ihren Blick auf das Unerreichbare, wonach alle Künstler streben: Zeitlosigkeit.
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Olivia Dean hat einen guten Tag. Die 26-Jährige hat gerade die Testpressung ihres Vinyls für ihr zweites Album „The Art Of Loving“ erhalten. Nach zweijähriger Arbeit ist diese Sammlung weniger ein Wegweiser zu einer idealen Beziehung, sondern eher ein Dokument duelierender Impulse: der Liebe in all ihren Facetten. „Es hat mir Spaß gemacht, es zu machen. Alles auf diesem Album ist ehrlich, wahr und echt. Ich mag es. Ich liebe es. Was passieren wird, das wird passieren“, sagt sie lässig CLASH. „Ich habe über die Zeit nachgedacht, die es gebraucht hat, um dieses Album zu schaffen; die Orte, an denen ich war, die Menschen, mit denen ich gearbeitet habe. Ich bin wirklich stolz auf das, was wir gemacht haben.“
Eine Woche zuvor strahlt Dean eine stille Großzügigkeit aus, während sie am Set für das Cover-Shooting ist. Sie nutzt die stickige Hitze für eine Eismit-Pause, wählt das neue Magnum Utopia Double Cherry. Wir erwischen die Sängerin mitten in den Proben für eine Reihe von Konzerten über den Atlantik und einer Reihe intimer Shows zuhause, zur Unterstützung ihres Albums, das im September erscheint. Wir sprechen über die Vertrautheit eines Heimkehr-Konzerts im Vergleich zu den Ausdrucksformen, die bei Auftritten im Ausland verloren gehen. Ein spezielles Lied, „Slowly“ vom EP „Growth“ – über Margate, einen Schwarm und eine schicksalhafte Taxifahrt nach Hause – verwirrt ihr amerikanisches Publikum. „Es gibt eine Zeile, die sagt: ‚I could have opened up, cried and almost been myself. But I took the piss instead.‘ Ich habe Leute gehört, die das falsch zitiert haben und dachten, ich hätte gesagt: ‚I took a piss‘“, lacht sie.
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Was Dean nicht offenbart, ist, dass sie Zaungast bei den Proben für eine geheime Show auf der Strummerville-Bühne beim Glastonbury ist. Es ist ihr zweites aufeinanderfolgendes Jahr beim weltgrößten Festival, nach einem denkwürdigen Auftritt auf der Pyramid Stage im letzten Jahr („Das war der beste Moment meines Lebens!“). Diesmal, im Einklang mit dem erwachsenen, zeitgenössischen Gefühl ihres neuen Kapitels, singt Dean von einer Ecke des Worthy Farm und bietet eine unaufgeregte Alternative zum Trubel auf der Hauptbühne. Für manche Künstler ist die Bühnenperformance nur eine Nebensache. Nicht für Olivia Dean. Ihre Auftritte sind eine selbstgestaltete Utopie; ein seidenglänzendes Portal in die Welten dunkler Soul-Klänge, akzentuiert durch den Glanz moderner Popmusik. Hier verbinden sich Performance, Poesie und Vergnügen. Inspiriert von The Supremes’ Doo-Wop-Glanz, den Disco-Vertreterinnen der 70er und der Virtuosität von Stevie Nicks – unterstützt von einer magnetischen Band in vollkommener Symbiose mit ihrer Anführerin – fühlen sich Dean-Shows gleichzeitig gesegnet und euphorisch an.
„Ich liebe es, für Menschen zu singen, und ich glaube, ich bin mir immer bewusst gewesen, was ich möchte, dass mein Publikum fühlt“, sagt sie, „es geht sehr um die Musik und die Emotionen der Songs.“ Im Performance-Modus hält Dean alles fließend und frei, reduziert Songs auf ein Flüstern, bevor sie sie wieder aufbaut. „Das Setup ist einfach, aber wirkungsvoll. Wir haben einen Teil der Show, bei dem ich Songs am Klavier spiele, wo das Publikum vielleicht besser versteht, wie diese Lieder geschrieben wurden. Und dann gibt es Abschnitte, bei denen man die ganze Band sieht, die ich liebe. Das ist wirklich das wichtigste Element meiner Kunst.“
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Deans Social-Media-Profile sind voll mit Momentaufnahmen und Reels ihres Lebens unterwegs. Man sieht, wie ihre Zuhörer wachsen und eine kultähnliche Leidenschaft entwickeln, hört ihre begeisterten Rufe bei bekannten Songs wie „Dive“. Eine Anhängerschaft, die sich an eine Musikerin bindet, die etwas Latentes, Freudesprudelndes und Universelles in sich erkannt hat. Ein Lied, das dieses Gefühl der Verschmelzung von Künstler und Publikum entfacht, ist das soca-infusierte „Carmen“ – eine Hommage an ihre guyanische Großmutter und die Windrush-Generation.
„Ich bin das Produkt ihres Mutes“, sagte Dean in einer Podiumsdiskussion der British Library über 500 Jahre Schwarze britische Musik. Was ursprünglich als aufrichtige Ode an die Hoffnung auf ein besseres Leben gedacht war – verbunden mit Gefühlen der Anderenheit, Vertreibung, aber auch Erbe und Gemeinschaft – hat seit ihrer Veröffentlichung ein Eigenleben entwickelt. „„Carmen“ auf Tour zu spielen in den letzten Jahren … ist das Lied, das mich am meisten mit Menschen verbunden hat und die schönsten Gespräche über Identität und Herkunft eröffnet hat“, teilt Dean mit. „Bei einem meiner Auftritte in den vorderen Reihen war ein großer, gemischtrassiger Junge. Er hob sein Handy hoch, auf dem stand: ‚You make me feel comfortable to be mixed race.‘ Es fühlte sich wie ein privater Austausch an, sehr emotional.“
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Aufgewachsen in Nordlondon, im Bezirk Haringey, fand Dean Inspiration bei Lauryn Hill, Amy Winehouse, Carole King und den Motown-Klassikern. Mit ihrem frühen Einstieg ins folk-inspirierte RnB sah die junge Dean nur wenig Spiegelbild der Gitarrenkünstlerin, die sie anstrebte. „In der Gitarrensoul-Szene gab es nicht viele, die dieser Doppel-Identität entstammen“, erklärt sie. „Es gab Musikerinnen wie Corinne Bailey Rae, aber es war kein dichter Raum.“ Nun, im Laufe ihrer zwanziger, erkennt Dean, wie die Zugehörigkeit zu einer Mischrassequelle Kraft schöpfen kann. „Ich denke, ich habe viel von dieser Unruhe überwunden, und ich habe meine Einstellung geändert, von ‚Halb und Halb‘ zu ‚das Beste aus beidem‘. Ich fühle mich jetzt so schön, wie nie zuvor“, strahlt sie.
Olivia Dean macht Musik, die nicht nach Aufmerksamkeit schreit. Sie schleicht sich leise an, unaufdringlich, intuitiv, eindrucksvoll. Es ist ein sepiafarbenes Porträt von Sommerromantik und verletzlicher nächtlicher Sehnsucht. Dean überbrückt kurze Momentaufnahmen in Gesprächen mit Reflexionen über ihre mit Silber zertifizierte Debüt-LP „Messy“ – eine eher poporientierte, manchmal gereinigte Sammlung von Songs, die sie für den Mercury Prize nominiert und im Jahr 2023 zur BBC Music Introducing Artist of the Year gewählt wurde. Dabei übt sie einen sanften kritischen Blick auf das Werk, erkennt aber die Grundlagen an, die es gelegt hat. „Ich denke an die Person, die dieses Album gemacht hat, und in vielerlei Hinsicht ist es wie zwei verschiedene Menschen“, bemerkt sie weise. „Ich fühle mich jetzt ganz anders. Das passiert durch Wachstum, wenn man durchs Leben geht. Trotzdem bin ich sehr stolz auf ‚Messy‘, weil es mir geholfen hat, die Dinge in meinem Leben zu verarbeiten.“
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„Heute bin ich viel selbstbewusster und selbstsicherer, und das zeigt sich in diesem Album, das ich gemacht habe.“ Obwohl ein Großteil ihrer Arbeit davon handelt, die Stolpersteine und mühsamen Übergänge in ihren Zwanzigern zu bewältigen, spricht Dean frei darüber, dass diese Kapitel sie mit neuer Energie erfüllen. Während ihr Debüt noch rau und ziellos wirkte, geboren aus unordentlichen, aufgeladenen Sessions, gab ihr „The Art Of Loving“ die Gelegenheit, ihr Setup zu modifizieren und ihren Sound präziser zu definieren. Für zwei Monate zog Dean in ein provisorisches Studio in einem temporären Zuhause in East London um, um die Samen zu säen. „Ich hatte noch nie mein eigenes Studio, in dem ich arbeiten konnte. Ich bin immer in fremden Studios gewesen und habe mich produktiv gemacht, weil Studiozeit Geld kostet. Ich habe jeden Tag Musik gemacht und war ziemlich diszipliniert in meinem Ansatz. Es war eine Herausforderung, aber ich bin froh, dass ich es gemacht habe“, erklärt sie.
Dean war vom ersten Tag an klar, dass zwischen ihren Werken Kontinuität bestehen sollte – dass sie in einem sicheren Raum mit Kollaborateuren arbeitet, die sie gut kennen. „Wie in jeder Beziehung ist Vertrauen entscheidend. Diese Kollaborateure haben eine echte emotionale Motivation in meinem Universum; mein Schreiben, meinen Geschmack und meinen Prozess. Warum nicht auf diesem Muskel aufbauen?“ Sie holte Matt Hales und Zach Nahome dazu, und gemeinsam schrieben und produzierten sie die Vorab-Single „Nice To Each Other“ – ein Stück, das zwischen leicht verzerrten Indie-Pinselstrichen und Girl-Group-Harmonien, die wie Rauchschwaden auf- und absteigen, wohlklingend wechselt.
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„Es fühlte sich an wie eine gute Einführung in die Welt“, sagt Dean über ein sehnsüchtiges Lied, das den berauschenden Zuckerschub und die Leichtsinnigkeit moderner Dating-Kultur einfängt. „Dating ist eine gute Vorbereitung darauf, über Liebe zu sprechen. Aus eigener Erfahrung habe ich miterlebt, wie sorglos Menschen miteinander umgehen. Nur weil etwas nicht super ernst ist, bedeutet das nicht, dass es nicht schön oder bedeutungsvoll ist. Meine Mission war, das auf eine leichte, flirtende Weise auszudrücken.“
„The Art Of Loving“ verbindet anschaulich und überzeugend Deans Liebe zu klassischen Klängen mit modernen Noten von Verlangen, Intimität, romantischer Desillusion und Unzufriedenheit. Sie schwebt auf Klageliedern, die Selbstachtung und Selbstzweifel gegenüberstellen. Eine „hoffnungslose Romantikerin“, die Sängerin kämpfte mit Zeiten, in denen sie ihre Träume von einem Partner projizierte, der letztlich scheiterte. „Manchmal sehen wir das Potenzial oder die Idee von jemandem, und wenn man jemandem näher kommt, erkennt man, dass es nicht mehr so ist wie vorher. Es geht darum, die Enttäuschung davon zu explorieren, aber auch zu akzeptieren. Es ist bittersüß, aber ein wichtiger Teil der Geschichte, die ich erzähle“, sagt sie.
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Das Konzept und der Titel für das Album stammen von einer Ausstellung, die Dean in Los Angeles besuchte: „All About Love“ von Mickalene Thomas, deren lebendige Porträts versuchen, Vorstellungen von Schönheit, Sexualität und Weiblichkeit neu zu gestalten. Thomas’ Ausstellung würdigte die feministische Schriftstellerin bell hooks, deren gleichnamiges Buch das Konzept der Liebe über romantische Beziehungen hinaus vertiefte und Familie, Freundschaft und Gemeinschaft einschließt. Dean verfolgt ihre eigene nicht-lineare Reise durch romantische Begegnungen und Beziehungen, während Selbstliebe die Grundlage bildet. „Wo es endet, ist darin, sich selbst zu lieben und die Welt auf liebevolle Weise zu sehen“, erklärt sie. „Es geht nicht unbedingt um eine perfekte Beziehung. Es geht auch um Freundschaft, platonische und gemeinschaftliche Liebe.“
In den Bildern, die diese Ära begleiten und im Einklang mit Zeitlosigkeit, Selbstliebe, langsamer Ekstase und Sinnlichkeit stehen, ließ sich Olivia Dean von den 60er-Jahre-Tropicalia-Ikonen Gal Costa und Nina Simone inspirieren. Vom farbenprächtigen Stil ihres Albums „Messy“ bis hin zu Schwarz-Weiß-Aufnahmen wählte Dean den Unschärfeeffekt, um die Unsicherheit einer Frau im Wandel zu visualisieren. „Es ist eine Metapher dafür, dass ich möchte, dass mein Gesicht und dieses Werk eine Reflexion von mir sind, aber es nicht ausschließlich um mich geht“, erklärt sie. „Durch die Verwendung von Unschärfe hoffe ich, dass die Zuhörer sich in diese Lieder hineinversetzen können.“
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Der nächste Single-Release, „Lady Lady“, spiegelt dieses Gefühl der Selbstfindung wider – in Ästhetik, Botschaft und Klang. Aufgenommen zwischen London und New York mit Leon Michels, Zach [Nahome] und Matt [Hales], bedient sich Dean eines Sade-ähnlichen ruhigen Sturms, aufgebaut aus Schichten von Wurlitzer-Noten, Harmonien und Bläsern. Zwischen Memoire und Mirage fängt Dean die Klarheit ein, die mit der Zeit kommt. „Es ist einer meiner liebsten Songs, die ich je gemacht habe. Ich höre Musik wie diese,“ teilt Dean. „Es spricht über Mutter Natur und das Universum, und die Pläne, die sie für dich als Kind, Teenager und Erwachsener hat. Es geht darum, darauf zu vertrauen, dass die Pläne für dich gemacht sind, auch wenn du sie vielleicht nicht verstehst. Wir entwickeln uns weiter und verändern uns auf Weisen, die wir in dem Moment kaum erfassen können.“
Auf „The Art Of Loving“ ist Deans Stimmkraft unverändert. Sie nähert sich den Merkmalen von Neo-Soul und Bossa, während sie sich in jazzige, stimmungsvolle Szenen verwagt, die ihre samtige Stimme von Natur aus anstrebt. Zum ersten Mal singt sie in einem C-12-Mikrofon – dem Inbegriff klassischen, hochauflösenden Sounds – und nutzt dabei eine rauere, vollere Intonation. „Gesang ist ein Handwerk“, sagt sie. „Ich habe an meine Mikrofone gedacht und daran, Konsistenz über das Album hinweg zu bewahren. Ich liebe es, Harmonien zu schichten; dieses Gefühl, eins von mir zu haben, dann fünf und eine ganze Chorklang! Ich fühle, dass ich auf diesem Album mein bestes Singen abgebe. Manchmal kann man Songs schreiben, bei denen die Reichweite im Gesang eingeschränkt ist. Meine Stimme ist jetzt viel tiefer: Ich sitze in einem anderen Raum.“
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