In diesem ehrlichen Cover-Gespräch reflektiert Loyle Carner über die zyklische Natur der Vaterschaft, das Headlining beim Glastonbury, die Kraft und Wirkkraft der Zusammenarbeit und die Optimismus im Kern seines neuen Albums.
—
Es ist die erste Woche im Juni, und Loyle Carner zeigt sich auf dem Set für das CLASH-Covershoot sonnig und entspannt, während er sein inneres Kind Stück für Stück wiederentdeckt. Es ist eine Erweiterung der Welt, die er auf seinem vierten Album „hopefully !“ erschafft. „Ich bin ein bisschen schüchtern vor der Kamera“, gesteht der Rapper aus South Croydon zu Beginn unseres Interviews ein paar Tage später. An diesem Punkt in seinem Leben läuft alles auf Hochtouren für Loyle: Er jongliert zwischen Studiozeit, Proben und einwöchigen Drehs. Loyle ist im Einklang mit seinem kreativen Prozess, und er lässt seine Erfahrungen den Erfolg seiner Arbeit bestimmen. „Ich versuche, mich selbst etwas weniger ernst zu nehmen und den Moment mehr zu genießen, anstatt nur auf das Ergebnis zu achten“, teilt er mit.
—
Viel hat sich für Loyle in den letzten zehn Jahren seiner Karriere verändert. Mit seinem Debüt-EP „A Little Late“ aus dem Jahr 2014 präsentierte sich der damals neunzehnjährige Loyle mit einem klar britischen Ansatz im Rap, durchzogen von Indie-Akustik-Elementen, die seine Kindheit zum Soundtrack hatten. Auch Einflüsse aus der Soulquarian-Szene prägten sein frühes Material, wobei seine ehrlichen Flows über lässige Boom-Bap-Beats gelegt wurden. Im Mittelpunkt dieses selbst veröffentlichten Projekts stand Verlust, vor allem der seines Stiefvaters Nik. Was damals bereits deutlich wurde, war sein Talent zum Geschichtenerzählen, beeinflusst von seinen musikalischen Helden: Mos Def, Jehst und Common.
—
„Ich habe mich nie wirklich als reinen Rapper gesehen“, erzählt er CLASH und beschreibt seine Arbeit als eine fließendere Ausdrucksweise. Für die Allgemeinheit fühlten sich seine Verse vertraut an, trotz ihrer persönlichen Natur. Rap war für ihn eine Gelegenheit, die Herausforderungen des Lebens zu ehren, ein Ventil und eine Möglichkeit, unterdrückte Emotionen auszudrücken. „Ich war in meiner Kindheit nicht viel um Männer herum, daher war die Kommunikation von Gefühlen bei mir selbstverständlich“, erklärt er, als er nach seiner angeborenen Fähigkeit gefragt wird, Gefühle jenseits der Oberfläche auszudrücken. „Ich habe viel erlebt mit meiner Mutter, meiner Großmutter und deren Freunden, die im Haus waren. Ich habe gelernt, wie man funktioniert, indem ich in ihrer Nähe war.“ Während er die Tugenden seiner Erziehung anerkennt, warnt er vor einer allzu vereinfachten Sichtweise. „Das ist nicht so schwarz-weiß“, erinnert er sich.
Im Gespräch spricht Loyle die Welt um ihn herum mit Nuance, Fürsorge und derselben geschickten Leichtigkeit an, die seine Diskografie prägen. Im Laufe der Zeit hat sich seine Vorliebe für das Albumformat durchgesetzt, ein puzzleartiger Prozess, der jeden Abschnitt in seiner Karriere markiert. Für Loyle fängt „hopefully !“ eine erkenntnisreiche Phase seines Weges in die Vaterschaft ein, die ihm eine neue Perspektive eröffnet, um seine Wahrheiten zu kommunizieren. „Dies ist das erste Mal, dass ich wirklich ich selbst sein konnte“, gesteht er.
—
Jetzt ist er Vater von zwei Kindern und erzieht eine junge Familie in East London, wobei er die Parallelen und Unterschiede zu seiner eigenen Erziehung und den wechselnden Prioritäten der Elternschaft erkennt. „Es geht von dir als Hauptfigur in deinem Film zu dir im Ensemble. Ich denke, das hilft dir, dir selbst aus dem Weg zu gehen. Zum ersten Mal hatte ich eine Perspektive darauf, was ich tue. Es war einfacher, ehrlich zu sein“, erklärt er. Das Album „hopefully !“ findet seine Stärke durch die Stabilität, die Loyle in seinem eigenen Leben geschaffen hat. Diese spiegelt sich im minimalistischen Sound des Albums wider, das die bedrohliche, orchestrale Atmosphäre seines Vorgängers – dem Mercury-Preis-nominierten „hugo“ – in eine sanfte Welle von Saiten, Zupf- und Weichklängen verwandelt.
„hugo“ bewegte sich im Spannungsfeld von Angst und Wut, als gritty Abstecher in die Beziehung zu seinem entfremdeten Vater. Disonanzen in Gesellschaft und Rasse durchzogen das Werk, beeinflusst durch Loyles Erfahrung als Mann mit gemischter Herkunft. „Es war so schwer, das zu machen, und ich habe wirklich unterschätzt, wie weit das reisen würde“, sagt er rückblickend. Letztlich fühlte sich „hugo“ wie eine notwendige Wendung in Loyles Karriere an, ein Statement-Album, das die Scharniere seiner früheren Arbeit sprengte und eine tiefergehende, komplexere Dialogebene offenbarte.
—
Loyle hebt hervor, dass er sich selbst nicht als technischen Sänger sieht, sondern vielmehr als einen, der zugänglich singt. „Alle meine Lieblingssänger können nicht echt singen“, lächelt der tartan-gepunktete Künstler. „Sie lassen mich menschlich fühlen, weil sie auf eine realistische Weise singen.“ Das Singen erwies sich für Loy leiternd, da er nach einer abstrakteren Ausdrucksform suchte. „Zu versuchen, 16 Bars zu sagen, wie sehr ich meinen Sohn liebe, erschien redundant, weil ich es mit zwei Worten, keinem oder nur einem Summen sagen kann. Ich lernte, mit weniger mehr auszudrücken“, fährt er fort.
Der Track „about time“ bietet eine lockere, intime Momentaufnahme des Familienlebens, das im Echo der Vergangenheit steht, mit zarten Austausch zwischen Vater und Sohn. Insgesamt pulsiert „hopefully !“ vor Geschichten über Jugend und steckt voller Abenteuer aus Loyles Kindheit. „Mein Sohn ist eine Sammlung all meiner guten und schlechten Seiten“, sagt er zärtlich. „Ich schulde ihm so viel. Alles, was ich in den letzten Jahren an mir gearbeitet habe, ist durch ihn inspiriert. Er kommt in dieselben Probleme, mit denen ich zu kämpfen hatte. Es ist ziemlich verrückt, wie sich Dinge recurrence, aber ich kann ihm helfen, sie zu bewältigen.“
—
Diese Funken von Selbstreflexion sind das Herzstück des Albums, vor allem auf „horcrux“. Mit einem Hauch von märchenhaftem Zauber genießt Loyle die Rückkehr zu seinen nachdenklichen Rap-Flows, jonglierend mit schnellen, stürzenden Trommeln. Lyrisch ist es sein bislang bewegendstes Werk, das den Zwiespalt zwischen Elternschaft und dem Aufbau einer langlebigen Karriere beschreibt. „Ich bin kein J. K. Rowling-Fan, aber ein Harry-Potter-Fan“, präzisiert er, bevor er den Titel des Tracks erklärt. „Ich liebe die Idee des Horcrux; ein Stück deiner Seele an einem anderen Ort verwahren. Ich denke, bei beiden meiner Kinder mache ich das.“ Zwischen geschmeidigen Versen und chorälen Unterstützung findenden Hooks erschafft der Dreißigjährige ein folkloristisches Bild eines Wolfes, der in den Mond heult, was er als Trostquelle während langer Arbeitssitzungen bezeichnet. „Mein Onkel pflegte zu sagen: ‚Wir schauen auf denselben Mond‘. Ich fand das super kitschig, aber jetzt, wenn ich von meinen Kindern weg bin, nutze ich es, um mich am selben Ort verwurzelt zu fühlen. Ich weiß, dass dasselbe Licht durch ihr Schlafzimmerfenster scheint, und das tröstet mich, wenn ich nicht bei ihnen bin.“
Loyle wirkt auf einer leuchtenden Sammlung von Tracks selbstbewusst und entspannt, im Einklang mit seiner unaufgeregten Persona. „Es war kein überlegter Schritt, was für mich eher selten ist“, sagt er zum Titel des Albums, der seinen Ursprung in den Studios Premises und Urchin hat, wo er das Album aufgenommen hat. „Der Beginn eines Tages ist ziemlich awkward, weil alle viel Energie haben, etwas schaffen zu wollen, aber niemand weiß genau, was und wie es klingen soll.“ Er erinnert sich an die frühen Phasen des Albums: „Wir regeln das meistens, indem wir fragen: ‚Was ist das Gefühl, das wir suchen?‘ Meistens sagt jemand: ‚Ich möchte, dass dieses Lied hoffnungsvoll klingt.‘“
—
„hopefully !“ findet seinen Trost in neuen Dynamiken, in einem Ensemble von Musikern, die als Stern im Nordhimmel des Albums agieren. Zusammengebracht während seiner letzten ausverkauften Tour bilden Aviram Barath, Richard Spaven, Finn Carter, Mark Mollison, Yves Fernandez und Marla Kether das Fundament von Loyles bisher kooperativstem Werk. „Ich habe immer das Gefühl gehabt, dass es ein sehr einsamer Beruf ist, Musiker allein zu sein“, erklärt er. „Ich bevorzuge es, in einer Gruppe aufzugehen, anstatt das Gesicht davon zu sein. Es ist eine Art Anonymität, auf eine Weise.“ Für „hopefully !“ musste Loyle seinen vorherigen Prozess verlernen und an die Geschichte denken, die er erzählen wollte, sowie an die klangliche Welt, in der sie sich befindet. „Manchmal schreibe ich meine Lyrics ziemlich schnell auf und gehe dann mit den anderen ins nächste Studio, um darüber nachzudenken, wie es musikalisch beendet werden soll“, erklärt er. „Ich musste lernen, wieder Musik zu machen – zum allerersten Mal. Es war ziemlich tiefgreifend.“
Loyles Worte sind in eine großzügige Produktion eingebettet, sein Ziel zeigt sich in einer Art Rezitation. Das Intro des Albums, die Single „in my mind“, ist eine entspannt dahingetragene, poetische Reflexion, die eine beruhigende Qualität hat. Zunächst ein Platzhalter für seine Mitspieler, stellte sich bald heraus, dass die engen Hooks des Albums seine eigenen sein würden. „Es spricht für die Beiträge der Band und das richtige Umfeld, Leute, die genau das gesagt haben: ‚Das klingt total nach dir‘“, sagt er. Für Loyle ist die Zusammenarbeit zweitrangig im Vergleich zu Vertrauen und Rapport. „Ich reise viel für Auftritte, aber ich bin nicht wirklich viel unterwegs. Ich treffe nicht viele andere Musiker und besuche keine Events, daher treffe ich auch kaum Leute aus anderen Kreisen“, erklärt er. „Ich möchte, dass es organisch wächst, und ich kannte bisher nicht so viele Leute, damit das so sein kann.“
—
Loyle hat ein Netzwerk handverlesener Musiker aufgebaut, die sein Herangehen widerspiegeln. Er hat ein Ohr für Musiker; Madlib, Olivia Dean, John Agard und Sampha sind Teil seines Umfelds. Darunter ist auch der verstorbene Benjamin Zephaniah. Im Titelstück befasst sich ein gewichteter Ausschnitt mit einer zerbrochenen Gesellschaft Großbritanniens. Der Dub-Poet lässt sich von den Beobachtungen der Brixton-Unruhen unter schrille Polizeisirenen und Saxophon-Parts inspirieren – eine konfrontierende Darbietung, die auf die Vergangenheit hinweist, aber tief im Hier und Jetzt verankert ist. „Ich denke, er hat mir eine anhaltende Würze fürs Leben mitgegeben“, sagt Loyle und blickt auf die gemeinsame Zeit mit Zephaniah zurück, einem Kindheits-Idol, das zum Mentor wurde. „Seine Augen waren so offen. Er konnte seine Meinung ändern, wenn er dachte, er lag falsch, und war gleichzeitig bereit, an seiner Meinung festzuhalten, wenn er glaubte, dass sie richtig war. Ich finde, das erfordert viel Demut, aber auch Mut. Die meisten Menschen schaffen eines von beidem, aber nicht beides.“
Wattewoche nach unserem Gespräch kehrt Loyle auf die Other Stage in Glastonbury zurück. Der Auftritt gilt als ein prägendes Ereignis in den Nachberichten und Zusammenfassungen nach dem Festival – ein wärmerer, intimerer Gegenpol zu The 1975 auf der Pyramid Stage. Sichtbar emotional nimmt Loyle die Resonanz des Publikums auf, „das größte, das wir je gespielt haben“, sagt er ehrfürchtig.
„Es war eine Darbietung, die mit einer einzigen Sache im Sinn gestaltet wurde: Ehrlichkeit. Es ist so leicht, bei einer Show wie dieser viel Geld falsch zu investieren. Ich will die Band feiern, und ich möchte, dass die Leute die Musik sehen, die wir spielen. Das passiert direkt vor ihren Augen. Für mich ist das die Magie dahinter.“
—
In einer kreativ fruchtbaren Phase seiner Karriere werden die kommenden Monate Lo
yle dazu bringen, sein Schauspieldebüt in der von Charlotte Regan gedrehten „MINT“ zu geben, einer schwarzen Komödie, die die inneren Abläufe einer kriminellen Familie verfolgt. Jetzt in seinen Dreißigern ist Loyle im Frieden mit seinem Werk, das auf eigenen Bedingungen besteht, was ihm einen neuen Blickwinkel auf andere kreative Wege ermöglicht. Dabei bringt Loyle Carner das Gespräch wieder auf seine Familie zurück und reflektiert den Einfluss, den er als Künstler und Elternteil hinterlassen möchte. „Ich denke, es war an der Zeit, dass ich mich als ich selbst zeige“, pausiert er… „Hoffentlich bedeutet das, dass mein Sohn, wenn er alt genug ist, um sich selbst zu verwirklichen, weiß, dass er alles sein kann.“
—
Erscheint in CLASH Ausgabe 131. Bestellen Sie hier Ihr Exemplar.
—
Worte: Ana Lamond
Fotografie: Oliver Webb
Mode: Luke Smith
Modeassistentin: Sophie Yoon
Grooming: Marina Belfon-Rose
Set-Design: Murdo Hepburn
Kreativleitung: Rob Meyers
Dieses Wochenende beendete Beyoncé ihre Rekord brechende COWBOY CARTER TOUR mit einem Abschluss in Las Vegas im Allegiant Stadium, benannt nach ihrem achten.
Venna und Leon Thomas vereinen sich in der neuen Single „Twisting“. Der britische Künstler wird am 5. September sein neues Album „Malik“ veröffentlichen, eine musikalische Autobiografie.
Tame Impala kehrt mit der neuen Single „End Of Summer“ zurück. Jetzt erhältlich, folgt es kryptischen Beiträgen auf dem Instagram-Feed des Projekts von Kevin Parker, die das Studio zeigen.
Pot-pot wird am 19. September sein Debütalbum 'Warsaw 480km' veröffentlichen. Die Band stammt alle aus Cork City und dessen Umgebung, aber die Musiker fanden ihre
Ortigia Music kehrt diesen Sommer mit einer erneuerten Identität und zukunftsweisender Vision zurück und findet vom 31. Juli bis zum 3. August in Syrakus, Sizilien, statt.
Atwoods Team teilt die Musik, die sie gehört haben: Diese Woche umfasst die Zusammenstellung Hard Life, Jay Som, Flyana Boss, John Muirhead, Lydia Luce, Hana Eid, Joanna Sternberg, James Keegan, Caswell, Little Dog Star, llevan, Madison Margot, BRNDA, Lauren Alex Hooper, DAMNAGE, Cactus Moon, The Avenues, Haytor, Gina Zo, SexyTadhg, Flores Blue, Bon Boy, Benny Morrell und Sally Shapiro!
In diesem offenen Cover-Gespräch reflektiert Loyle Carner über die zyklische Natur der Vaterschaft, den Headlining-Glastonbury, die Kraft und Wirkkraft von