James Pearson-Howes ist ein in London lebender Fotograf und Regisseur, der in den Bereichen Dokumentar-, Mode- und Porträtfotografie arbeitet. In den vergangenen zwei Jahrzehnten hat er sein Handwerk verfeinert und für Namen wie Adidas, Nike, BMW, Universal Music und Dr. Martens gearbeitet, ebenso redaktionell für British Vogue und GQ Magazine. 2012 veröffentlichte er sein erstes Buch, British Folk, eine Erkundung der Welt volkstümlicher Praktiken in Großbritannien.
James’ neues Fotobuch, WHEN iM ERE, richtet den Blick auf die Wegbereiter des Grime – ein Musikgenre, das die britische Mainstream-Kultur nachhaltig verändert hat. Als retrospektive Dokumentation des Aufstiegs von Grime, die eine entscheidende Periode zwischen 2003 und 2012 abdeckt, fotografierte James über 30 frühe Akteure der Szene, MCs und Crews, von denen viele in Magazinen wie i-D, Dazed, Crack, The Guardian, RWD und Vice veröffentlicht wurden.
In einem Auszug aus dem Buch beschreibt James einen günstigen Moment: er fotografierte einen jungen Dizzee Rascal kurz nach der Veröffentlichung seines bahnbrechenden Albums „Boy in da Corner“.
„Es war 2003 und ich arbeitete als festangestellter Fotograf beim Vice-Magazin. Der Chefredakteur bat mich, einen jungen Musiker namens Dylan zu fotografieren, der unter dem Namen Dizzee Rascal bekannt war.
Ich erschien in seinem Studio in South London. Nach fünf Minuten peinlicher Vorstellungen begannen wir zu fotografieren und er fand schnell rein. Wir verbrachten ein paar Stunden damit, auf dem Dach herumzuspringen und draußen auf der Straße herumzulaufen – seine Energie war ansteckend. An dem Tag habe ich nur zwei Filmrollen belichtet, aber mehr als 20 Jahre später liebe ich fast jedes Bild.
Ich erinnere mich, wie ich ‚Boy in da Corner‘ im Vice-Büro abspielte. Es verwirrte mich. Ich war mit UK Garage und Happy Hardcore aufgewachsen – das hier klang vertraut, aber gleichzeitig völlig fremd. Nach etwa einer Woche Dauerschleife klickte es. Ich war überzeugt. Grime war es.“
Im Gespräch zeichnet James Pearson-Howes seine eigene Begegnung mit den musikalischen Szenen innerhalb der städtischen Landschaft Londons im Laufe der Zeit nach, die Entstehung seines neuen Buches, das den unverstellten, rohen Ausdruck des Grime in seinem Kern einfängt, und warum es als zeitgemäße Hommage an die Arbeiterklasse und die Einwanderergemeinschaften, die ihn hervorgebracht haben, dienen musste.
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Dein Einstieg in Grime kam durch einen Auftrag, Dizzee Rascal zu fotografieren. Er war damals so jung — was hat dich an Dizzee als Künstler fasziniert?
Es hat mich umgehauen, dass dieses Kind Musik produzieren und schreiben konnte, die so einzigartig war. Es war so eindeutig britisch, seine Betonung und sein Flow waren so roh und stachen aus so viel Musik jener Zeit heraus.
Du bist mit UKG und Happy Hardcore aufgewachsen. Was sind einige deiner Erinnerungen daran? Welche Künstler und DJs mochtest du?
Mein Vater spielte, als ich klein war, im Auto viel Hard Trance (!), und ich fühlte mich immer zu Tracks mit interessanten Vocals oder einem markanten MC hingezogen. Ich ging in den 90ern auf eine ziemlich beschissene Gesamtschule, also war Happy Hardcore die Musik der Wahl.
Meine erste richtige Club-Erfahrung hatte ich mit etwa 18. Wir sind zu Raves in einen Ort namens The Manor kurz außerhalb von Bournemouth gefahren, für eine Nacht namens Destiny. Slipmatt, Force & Styles, Ratpack. Vielleicht noch kurz im D&B-Raum vorbeischauen, um Nicky Blackmarket zu sehen. Vodka Red Bulls, Leuchtstäbe, Oberkörper frei, nonstop tanzen bis 6 Uhr morgens. Absurde BPM, noch höher gepitchte Vocals und oft ein MC.
Mit 18 zog ich von zu Hause aus und verbrachte ein Jahr am College in Bournemouth, in dem ich Garage entdeckte. In Clubs UKG hören: Pay As U Go, MJ Cole, Wookie. Das Shirt kam wieder an, man tat so, als hätte man Geld, ein paar nette Markennamen, French Crop, Two-Step, Smirnoff Ice. Gute Zeiten.
Was war es am Grime, das dich gepackt hat? Für Außenstehende wirkte es sehr fremd und anarchisch. Was hat dich angezogen?
Ich zog 2000 nach London. Ich wollte in einer Stadt sein, die Kultur hat, Musik hat und die Chance, eine Karriere in der Fotografie aufzubauen. London schien damals der beste Ort im Vereinigten Königreich (wenn nicht der Welt) dafür zu sein. Als ich Grime hörte, war der Sound vertraut, aber zugleich vollkommen neu. Es hat mich umgehauen. Es erinnerte mich ein bisschen an Punk mit seiner rohen Energie und Intensität.
Mit welchen Künstlern hast du in dieser Anfangszeit gearbeitet?
Also, Dizzee habe ich für VICE fotografiert. Ich war eine Zeit lang Staff-Fotograf dort. Danach arbeitete ich für das RWD-Mag, das damals das beste Magazin im UK für Grime war. Ich habe so gut wie jeden fotografiert, der im Kommen war: Wiley, Jano, Jammer, Roll Deep, Chip, Ghetts, Wretch, Ruff Sqwad, Flirta D und einige Crews aus dem Norden wie Raw T. Jede Menge Leute. Ich liebte es. Ich bekam so gut wie kein Geld, glaube fünfzig Pfund pro Shooting, aber ich fotografierte Leute, die ich bewunderte.
Es gab eine enge Bindung zwischen den Grime-Künstlern der ersten Welle und ihren Fans. Hast du das miterlebt? Wie war die Atmosphäre auf diesen frühen Grime-Raves?
Ich bin ziemlich oft zum Stratford Rex gegangen. Verrückte Energie. Aber zu den großen Events wie Sidewinder oder Eskimo Dance bin ich nicht gegangen. Ich habe die Raves nicht wirklich fotografiert, da diese bereits von Ewen und Jamie James dokumentiert worden waren. Ich wollte Porträtfotograf sein und die Szene-Künstler auf diese Weise dokumentieren.
Die visuelle Ikonographie – von Mode über Musikvideos bis hin zum Design von Mixtape-Covern – war in dieser Grime-Ära sehr stark. Hat dich das als Fotograf inspiriert? Welche Figuren, Künstler oder andere Personen fielen dir auf?
Man muss verstehen, dass es damals in der Szene nicht viel Geld gab. Alles war sehr DIY. Die Leute machten vieles selbst mit kleinen Budgets und cleveren Ideen. Leute produzierten Videos und Cover-Art, die sehr pur und spaßig waren. Ich denke, Risky Roads war sehr produktiv in seiner Dokumentation der Szene und schuf einige der ikonischsten Aufnahmen jener Zeit. Aber es fühlte sich an, als würden damals alle aus Liebe zur Sache arbeiten.
Die Fotografie im Buch ist sehr roh, aber es gibt auch eine Intimität. Wie hast du diese Beziehungen aufgebaut? Hattest du das Gefühl, dass Künstler ihre Schutzmechanismen fallen ließen?
Ich denke, wenn man Künstler am Anfang ihrer Karriere fotografiert, gibt es eine Rohheit und Ehrlichkeit bei ihnen. Oft erschienen sie ohne Management, allein, hatten noch nie zuvor Fotoshootings gehabt. Es war einfach nur ich und sie, wir hingen rund um die Wohnsiedlungen in der Nähe des RWD-Büros herum oder trafen uns in ihren Vierteln. Das führte dazu, dass die Bilder diese rohe Intimität haben.
Wann hast du beschlossen, diese Bilder in Buchform zusammenzuführen? War das ein langer Prozess? Welche Erinnerungen und Emotionen rief das Wiedersehen mit dieser Zeit hervor?
Es ist ein seltsames Projekt, weil es nie wirklich als eines gedacht war. Es entstand aus einer Zeit, in der ich gerade mein Handwerk erlernte. Aber ungefähr nach dem Lockdown hatte ich im Labor Techniken entwickelt und sah eine Möglichkeit, alle Bilder zusammenzubringen, indem ich eine Art Photogramm verwendete, bei dem man fast mit Licht malt.
Die Drucke für das Buch herzustellen dauerte über ein Jahr (jedes Foto braucht im Dunkelraum wegen der verwendeten Techniken zwei Stunden oder mehr), und dann etwa zwei Jahre mit mir, Alfie Allen und Max Marshall, in denen wir das Konzept entwickelten, Druckereien suchten und schließlich sicherstellten, dass ich den Launch richtig hinbekam.
Eine große Sache für mich war, dass Grime überwiegend aus einer Arbeiterklasse- und schwarzen Community in East London kam, deshalb war es wichtig, dass ich das Buch angemessen veröffentliche. Das war mir bewusst. Ich wollte einen von Schwarzen geführten Raum in East London finden und etwas zurückgeben.
So fand ich den großartigen Beau Beaus Space in E1 und arbeitete mit Arts Emergency (wo ich seit über sechs Jahren Mentor bin), einer Wohltätigkeitsorganisation, die Menschen aus benachteiligten Verhältnissen hilft, in die Künste zu kommen. Mit Unterstützung von Wingstop leitete ich einen kostenlosen zweitägigen Workshop zur Musikfotografie. Die jungen Fotografen aus dem Workshop werden ihre Bilder später diesen Monat in einem Wingstop ausstellen.
Ich wollte etwas mit einem großen Werk tun, das ich hatte, über eine Zeit, die ich liebte. Ich wollte einer Stadt, die ich seit 25 Jahren mein Zuhause nenne, Tribut zollen. In den letzten Jahren habe ich mit London und seinen Veränderungen gerungen; die Stadt wird immer mehr zu einem Ort für Reiche und Privilegierte. Aber dieses Buch herauszubringen, großartige junge Fotografen zu betreuen, eine Ausstellung mit Künstlern wie Travs Presents zu organisieren und die Liebe und Leidenschaft einer jüngeren Generation zu sehen, ließ mich mich wieder in London verlieben.
Dein vorheriges Buch British Folk war eine Erforschung volkstümlicher Praktiken in Großbritannien. Grime entstand in Einwanderergemeinschaften, fühlt sich aber zutiefst britisch an — was ist deiner Meinung nach diese britische Qualität? Qualifiziert sich Grime 20 Jahre später selbst als britische Volkskunst?
Ich denke, Grime hat ein folkloristisches Gefühl. Wie viele Volkstraditionen schien es anfangs für die Menschen gemacht zu sein. Es war eine eigene Szene, die praktisch aus eigener Kraft entstand, begann in Jugendzentren und wuchs über Piratenradios. Es wurde nicht von Geld oder dem Mainstream gestützt. Die Musik wurde nicht von privilegierten, musikalisch ausgebildeten Jugendlichen gemacht, sondern von Kids in Wohnsiedlungen mit rohem Talent und viel Antrieb.
Was wir haben und was wir immer verstehen sollten — so kaputt ein Ort wie Großbritannien auch erscheinen mag — ist, dass wir einen Schatz an kreativer Kultur haben, größtenteils von Einwanderern, größtenteils von Arbeiterklasse-Menschen, und das ist etwas, das wir unbedingt unterstützen sollten. Wir brauchen mehr Jugendzentren, mehr Unterstützung für die weniger Privilegierten und mehr Liebe und Verständnis für jeden, der hier sein Zuhause nennt.
Und abschließend: Was hast du für den Rest des Jahres 2025 geplant?
Es ist ein Jahr, um Projekte abzuschließen! Ich habe ein weiteres großes persönliches Projekt, das erscheinen wird: einen Kurzfilm und ein Buch mit Arbeiten, die ich in den USA aufgenommen habe, mit dem Titel Taller the Hat, Closer to Heaven. Außerdem hoffentlich eine Live-Veranstaltung nach dem Buch-Launch im Norden für WHEN iM ERE, also stehen wirklich aufregende Dinge bevor.
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Das Fotobuch kann hier erworben werden: https://studio-jph.myshopify.com
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Boko Yout, Big Special, Florence Road und weitere glänzen bei der deutschen Showcase-Extravaganz.
Witch Post haben bei Partisan Records unterschrieben. Das Duo – Alaska Reid und Dylan Fraser – gehörte zu den meistdiskutierten Newcomer-Acts beim The Great Escape.
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James Pearson-Howes ist ein in London ansässiger Fotograf und Regisseur, der in den Bereichen Dokumentar-, Mode- und Porträtfotografie arbeitet. In den letzten zwei Jahrzehnten