Para conmemorar el lanzamiento del décimo álbum de estudio de los titanes del rock, Brett Anderson nos ofrece la información esencial sobre las inspiraciones e interpretaciones de cada canción.
16 de septiembre de 2025
Con ‘Antidepressants’ —la continuación existencial del autodenominado “disco punk” de 2022, ‘Autofiction’— Suede muestran firmeza y una aguda autoconciencia, sin miedo a exponer y explorar el lado más turbio de la vida moderna, indagando nociones de mortalidad, la (des)conexión del siglo XXI y neurosis colectivas. Ahora que el disco está en el mundo, hemos sondeado al vocalista Brett Anderson para que nos ayude a profundizar un poco más en las historias detrás de cada una de las canciones de ‘Antidepressants’. Brett, adelante…
Disintegrate
“Disintegrate” es una palabra genial, y muchas canciones que me gustan comparten el título, como el álbum de The Cure, o esa canción de The Flaming Lips (‘Feeling Yourself Disintegrate’). Hay muchos temas sobre el miedo a la muerte en este disco, y esta canción es una celebración de tu propia mortalidad. En lugar de esconderse de tu mortalidad, se trata de abrazarla y celebrarla: “Ven y desintégrate conmigo”. En vez de ser algo triste, es una oscura celebración de tu propia desaparición.
Dancing With The Europeans
Hay una sensación de optimismo en esta canción. Recuerdo concretamente que estábamos haciendo un concierto en España durante el tiempo en que estábamos escribiendo este álbum; yo atravesaba un mal momento y estaba abajo, personalmente, pero dimos un concierto brillante. Hubo una gran conexión entre el público y yo, y pensé en la frase —“dancing with the Europeans”. Hay algo de esa palabra, ‘Europeans’, que me gusta mucho. La frase resumía la experiencia de buscar conexión en un mundo desconectado: ¿dónde encontramos nuestra conexión? ¿Dónde hallamos esos lazos con nuestros semejantes? Ese concierto en España rompió esas barreras.
Antidepressants
Empezamos a tocar ‘Antidepressants’ en directo el año pasado. Parecía una canción sencilla para que la gente la pillara a la primera —si la gente no conoce una canción, a veces necesita simplemente sentir el ritmo. Todavía no sé muy bien de qué trata… Me gusta no saber de qué tratan mis canciones. Me gusta mantenerme a mí mismo con la intriga, y mantener a los demás también; lo mantiene interesante. No se puede decir del todo si la canción es una celebración de los antidepresivos, o si es una crítica a los antidepresivos, pero sin duda es una discusión sobre ellos. Podría ser un comentario más amplio sobre cómo, como sociedad, parece que estamos convirtiendo cualquier condición humana en un diagnóstico. Hay una sensación de que la humanidad se reduce a una especie de condición médica, e incluye también nuestros estados emocionales. Cuando medicamos nuestro yo emocional, lo que antes era simplemente parte de ser humano ahora se ve como algo que puede ser médico. ¿Es eso algo bueno? ¿Es algo malo? No lo sé. Pero es algo. De eso habla esta canción. Estamos rodeados por ello; muchísima gente que conozco lo está. La medicación se ha convertido en una condición omnipresente en la vida del siglo XXI, y sentí que tenía que cantar algo al respecto.
Sweet Kid
‘Sweet Kid’ trata de mi hijo —lo considero una pieza complementaria de ‘Life Is Golden’, de ‘The Blue Hour’, que también trata específicamente de mi hijo. Escribí esa cuando tenía unos cuatro años, cuando era un niño pequeño. Ahora tiene 12, en una fase completamente distinta de su vida: está a punto de entrar en la adolescencia; es casi un joven. Esa expresión, ‘Sweet Kid’, es como a veces le llamo, y la canción trata de mi relación con él. Hay una sombra de mortalidad ahí. Está esa sensación que creo que tiene todo padre, donde el temor último es no estar ahí para ver crecer a sus hijos (lo cual siempre es una posibilidad —nadie sabe realmente qué habrá a la vuelta de la esquina). Cuando escribo sobre mi familia, intento no endulzarlo demasiado. Es demasiado fácil escribir canciones empalagosas sobre la familia —siempre intento poner un poco de aspereza.
The Sound And The Summer
Uno de mis títulos alternativos para el álbum era ‘Suppression’. Instintivamente me gustaba la palabra, pero me preocupaba tener que encuadrarla políticamente, lo cual no quería hacer. La supresión de la que hablo es la claustrofobia de la vida del siglo XXI. ‘The Sound And The Summer’ es una especie de autoficción; es una liberación de esa claustrofobia, corriendo por la autopista y portándose mal un poco. Es esa escapada ligeramente irreverente al estilo Thelma y Louise, con un poco de J.G. Ballard metido ahí.
Somewhere Between An Atom And A Star
Esta canción es algo que inicialmente creamos para el álbum de ballet. Era una frase en un capítulo de un libro que leí y que me pareció preciosa. Se relaciona con la masa de un ser humano —“somewhere between an atom and a star”— y resonó con la idea de la mortalidad: que la vida es solo un momento, las palabras son solo un truco. Habla de la sensación de que estás en este momento, pero no va a durar para siempre. Tiene una belleza cósmica.
Broken Music For Broken People
Los seres rotos se alzarán y heredarán la tierra. No son los que están en control los que van a ganar. Si hay esperanza, reside en la prole. Es como 1984 (pero con un punto de ironía).
Criminal Ways
No es una canción profunda, ‘Criminal Ways’. Es una descarga de energía envuelta en la metáfora de la criminalidad para hablar de relaciones tóxicas.
Trance State
La línea clave de esta canción es: “Creo que ahora me conoces mucho mejor, desde mi colapso emocional”. Cuando te desmoronas, hay tal honestidad y verdad en eso. Estás revelando tu yo real. Te presentas al mundo completamente sin barniz. Ya no puedes presentar una fachada al mundo. Simplemente eres tú.
June Rain
‘June Rain’ es una de mis canciones favoritas del disco. Tiene poder y belleza. Hay un gran salto de octava en el segundo estribillo, que originalmente no estaba, pero eso es lo que da a la canción su intensidad repentina. Fue una de las ideas brillantes de Ed Buller: realmente hace la canción. También me gusta la parte hablada; estoy disfrutando mucho explorar cómo hablar en nuestros discos. Empecé a hacerlo en ‘Autofiction’ y lo traigo en ‘Antidepressants’. Cuando lo haces bien hay una conexión real con el oyente, porque suena como un ser humano. Cantar puede ser bello, pero no es natural. Si estás sentado con alguien, no le cantarías una conversación. Si le preguntas cómo se sintió, no te lo cantaría de vuelta. Te lo diría. Así que parece que hay una honestidad en eso, que me gustó. Hay una rotura en ello. Es una pieza de autoficción, una viñeta de una persona dañada.
Life Is Endless, Life Is A Moment
Quería terminar el disco con algo grande, y ‘Life Is Endless’ me pareció una forma realmente adecuada de hacerlo. No parece que haya mucha precedencia en el mundo de Suede para ‘Life Is Endless’, y eso me gusta: se siente como un nuevo tipo de territorio sonoro para Suede. Hay algo un poco psicodélico en ella, a su manera, sin caer en la parodia. No tiene muchas palabras: “la vida es interminable, la vida es un momento”. Me encanta eso. A medida que envejeces, parece que la vida se extiende tanto hacia atrás, pero al mismo tiempo sientes que sigues siendo exactamente la misma persona que cuando tenías 12. Intentaba capturar esa extraña dualidad sobre la vida, la manera en que puedes sentirte viejo y, a la vez, increíblemente joven.
‘Antidepressants’ ya está disponible vía BMG.
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