Per celebrare l'uscita del decimo album in studio dei titani del rock, Brett Anderson ci racconta, brano per brano, le ispirazioni e le interpretazioni di ogni canzone.
16 settembre 2025
Con ‘Antidepressants’ — il seguito esistenziale del “disco punk”, come lo hanno definito, del 2022 ‘Autofiction’ — i Suede sono risoluti e acutamente consapevoli di sé, non hanno paura di esporre ed esplorare il lato più torbido della vita moderna scavando nelle nozioni di mortalità, disconnessione del XXI secolo e nevrosi collettive. Ora che il disco è fuori, abbiamo sondato il cervello del frontman Brett Anderson per aiutarci a scavare un po’ più a fondo nelle storie dietro ogni singolo brano di ‘Antidepressants’. Brett, a te la parola…
‘Disintegrate’
‘Disintegrate’ è una parola fantastica, e molte delle canzoni che mi piacciono condividono quel titolo, come l’album dei The Cure, o quella canzone dei The Flaming Lips (‘Feeling Yourself Disintegrate’). In questo disco ci sono molti temi legati alla paura della morte, e questa canzone è una celebrazione della propria mortalità. Invece di nascondersi davanti alla propria mortalità, si tratta di abbracciarla e celebrarla: “Vieni giù e disintegrati con me”. Piuttosto che essere qualcosa di triste, è una celebrazione oscura della propria fine.
‘Dancing With The Europeans’
C’è un senso di ottimismo in questa canzone. Ricordo in particolare che stavamo suonando in Spagna mentre scrivevamo questo album; stavo attraversando un periodo difficile e personalmente ero giù, ma abbiamo fatto un concerto brillante. C’era una grande connessione tra me e il pubblico, e ho pensato alla frase — “dancing with the Europeans”. C’è qualcosa in quella parola, ‘Europeans’, che mi piace molto. La frase riassumeva l’esperienza di cercare connessione in un mondo disconnesso: dove troviamo la nostra connessione? Dove troviamo quei legami con i nostri simili? Quel concerto in Spagna ha abbattuto quelle barriere.
‘Antidepressants’
Abbiamo iniziato a suonare ‘Antidepressants’ dal vivo l’anno scorso. Sembrava una canzone semplice da cogliere al primo ascolto — se la gente non conosce una canzone, a volte ha solo bisogno di sentire il ritmo. Non so ancora esattamente di cosa parli… Mi piace non sapere di cosa parlano le mie canzoni. Mi piace tenermi sulle spine e tenere gli altri sulle spine; rende le cose interessanti. Non si capisce davvero se la canzone sia una celebrazione degli antidepressivi, o una critica agli antidepressivi, ma è certamente una discussione su di essi. Potrebbe essere un commento più ampio su come, come società, sembriamo trasformare ogni condizione umana in una diagnosi. C’è la sensazione che l’umanità venga ridotta a una sorta di condizione medica, e questo include anche i nostri stati emotivi. Quando stiamo curando il nostro io emotivo con medicine, ciò che una volta era solo parte dell’essere umano ora è visto come qualcosa di medicalizzabile. È una cosa buona? È una cosa cattiva? Non lo so. È comunque una cosa. Di questo parla la canzone. Siamo circondati da questo; tante persone che conosco lo sono. La medicazione è diventata una condizione onnipresente nella vita del XXI secolo, e mi sembrava che dovessi cantare qualcosa a riguardo.
‘Sweet Kid’
‘Sweet Kid’ parla di mio figlio — la considero un pezzo compagno di ‘Life Is Golden’, da ‘The Blue Hour’, che parla anch’essa specificamente di mio figlio. L’ho scritta quando aveva circa quattro anni, quando era un bambino piccolo. Ora ha 12 anni, è in una fase completamente diversa della sua vita — sta per entrare nell’adolescenza; è quasi un giovane uomo. Questa frase, ‘Sweet Kid’, è come lo chiamo a volte, e la canzone parla del mio rapporto con lui. C’è un’ombra di mortalità lì. C’è quella sensazione che penso ogni genitore abbia, in cui la paura ultima è di non essere presenti per vedere i propri figli crescere (che è sempre una possibilità — nessuno sa davvero cosa ci riservi il futuro). Quando scrivo della mia famiglia, cerco di non renderlo troppo zuccheroso. È troppo facile scrivere canzoni sdolcinate sulla famiglia — cerco sempre di mettere un po’ di graniglia dentro.
‘The Sound And The Summer’
Uno dei titoli alternativi che avevo pensato per l’album era ‘Suppression’. Istintivamente mi piaceva la parola, ma temevo che dovessi inquadrarla in un contesto politico, cosa che non volevo fare. La soppressione di cui parlo è la claustrofobia della vita del XXI secolo. ‘The Sound And The Summer’ è come una sorta di autofiction; è una liberazione da quella claustrofobia, correre sull’autostrada e fare un po’ i danni. È quella fuga un po’ irriverente in stile Thelma & Louise, con un po’ di J.G. Ballard infilato dentro.
‘Somewhere Between An Atom And A Star’
Questa canzone è qualcosa che inizialmente abbiamo creato per l’album per il balletto. Era una frase in un capitolo di un libro che avevo letto, e che mi era sembrata bellissima. Si riferisce alla massa di un essere umano — “somewhere between an atom and a star” — e ha risuonato con l’idea della mortalità: che la vita è solo un momento, le parole sono solo un trucco. Parla della sensazione di essere in questo momento, ma che non durerà per sempre. C’è una bellezza cosmica in questo.
‘Broken Music For Broken People’
I pezzi rotti si solleveranno e erediteranno la terra. Non saranno le persone al comando a vincere. Se c’è speranza, essa risiede nei proletari. È come 1984 (ma in modo leggermente ironico).
‘Criminal Ways’
‘Criminal Ways’ non è una canzone profonda. È un’ondata di energia avvolta nella metafora della criminalità per parlare di relazioni tossiche.
‘Trance State’
La linea chiave in questa canzone è: “Penso che ora mi conosci molto meglio, dalla mia crisi emotiva”. Quando crolli, c’è un’onestà e una verità in tutto questo. Stai rivelando il tuo vero io. Ti presenti al mondo completamente senza verniciature. Non sei più in grado di presentare una facciata al mondo. Sei semplicemente tu.
‘June Rain’
‘June Rain’ è una delle mie canzoni preferite del disco. Ha potere e bellezza. C’è un grande salto di ottava nel secondo ritornello, che all’inizio non c’era, ma è quello che dà alla canzone la sua improvvisa intensità. È stata una delle brillanti idee di Ed Buller — davvero fa la canzone. Mi piace anche il parlare al suo interno; mi sto davvero divertendo a esplorare come parlare nei nostri dischi. Ho cominciato a farlo con ‘Autofiction’ e lo porto avanti in ‘Antidepressants’. Quando lo fai bene c’è una vera connessione con l’ascoltatore, perché suona come un essere umano. Cantare può essere bello, ma non è naturale. Se sei seduto con qualcuno, non gli canteresti una conversazione. Se gli chiedi come si è sentito, non te lo risponderebbe cantando. Ti parlerebbe. Quindi sembra esserci un’onestà in questo, che mi è piaciuta. C’è una fragilità in questo. È un pezzo di autofiction, un frammento di una persona danneggiata.
‘Life Is Endless, Life Is A Moment’
Volevo chiudere il disco con qualcosa di grande, e ‘Life Is Endless’ mi è sembrata un modo davvero adatto per farlo. Non sembra che ci siano molti precedenti nel mondo dei Suede per qualcosa come ‘Life Is Endless’, e questo mi piace: sembra un nuovo tipo di territorio sonoro per i Suede. C’è qualcosa di un po’ psichedelico in questo, a modo suo, senza scadere nella parodia. Non ci sono molte parole: “life is endless, life is a moment”. Lo amo. Con l’età sembra che la vita si estenda così indietro, ma allo stesso tempo sembra che tu sia ancora esattamente la stessa persona che eri a 12 anni. Cercavo di catturare quella strana dualità della vita, il modo in cui puoi sentirti allo stesso tempo vecchio e incredibilmente giovane.
‘Antidepressants’ è fuori ora via BMG.
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