Las Vegas ist die letzte große amerikanische Illusion, eine Fata Morgana in der Wüste, die auf geborgter Zeit und schlechten Entscheidungen aufgebaut ist. Die Traumsucher kommen immer noch, Zigaretten nach Süden geneigt, Augen glasig, weißknöchelnde Handflächen voller loser Plastikchips. Das Geld wird zu Chips, und einfach so ist es kein echtes Geld mehr. Die Casino-Luft ist ein hergestellter Winter, der gegen die Haut strahlt, die noch feucht von der drückenden Hitze draußen ist. Die Teppiche sind dick, schwammig und sollen Sie verlangsamen. Sie halten an Dingen fest: veraschte Zigaretten, verschüttete Cocktails, verbrauchte Verzweiflung. Ein Mann in einem zerknitterten Leinenanzug schnippt fünfzehnhundert über den Tisch, als wäre es nichts, und vielleicht ist es das auch. Der Händler blinzelt nicht. Die Chips sind weg. Die Karten werden zurückgesetzt. Noch eine Hand. Noch eine Wette. Ein weiterer Versuch, alles zurückzugewinnen. Vegas löst die Konsequenz aus der Aktion. Und der Mann ist immer noch hier und wartet auf die nächste Hand, den nächsten Versuch, die nächste geliehene Sekunde im Traum.
Sehen Sie, Vegas wurde nicht für Tageslicht gebaut. Nachts schließt sich die Fantasie an. Das Neon und die LEDs mildern die Kanten und lassen das Ganze weniger verzweifelt wirken und es ist einfacher, die Tatsache zu genießen, dass alles nur eine Fassade, eine Maske, ein Traum ist. Restaurants, die wie Karussells verkleidet sind, ein venezianischer Kanal, in dem sich das Wasser nie bewegt, und gefälschte Vogelstimmen, die durch versteckte Lautsprecher in den Bäumen eingespeist werden. Und wie sind die Bäume so grün, so vielfältig, mitten in einer Wüste? Wer entscheidet, dass die Skyline von Las Vegas ein Smiley-Gesicht von der Größe eines Wolkenkratzers braucht? Und nein, es ist keine Fata Morgana. Das ist eigentlich der Grund, warum wir hier sind.
“Dies ist das größte Kino der Welt ... Dies ist der richtige Ort, um eine Geschichte zu erzählen." So sieht Solomun, die bosnisch-deutsche Techno-Gottheit (und Ibiza-Don), die Kugel, einen 2,3 Milliarden Dollar teuren, 18 Hektar großen Monolithen, der vor der Skyline von Vegas blinkt. Wir sind hier, um zu sehen, wie Solomun für Anyma an dem Veranstaltungsort öffnet, an dem U2, Phish und Dead & Company Residenzen hatten, und eine speziell kuratierte Show präsentiert, die seine Vision von der "göttlichen" Erfahrung von Musik zeigt.
Er ging über die Decks hinaus und entwarf jedes Element der Show von Anfang bis Ende, von der Musik bis zur Grafik und darüber hinaus. "Für mich ist es immer zuerst Musik, zuerst Tanzen und dann der Rest", erzählt er CLASH, als wir uns am Abend vor seiner Show in einem Hotelzimmer 30 Stockwerke über dem glitzernden Vegas Strip treffen und die Emoji-Hülle der Kugel uns durch das Fenster grinst. “Auch an diesem Ort wollte ich mich nur auf Musik und Tanz konzentrieren.”
Solomuns Musik handelt von großen, geschwungenen Pinselstrichen, die immer an einer Kreuzung standen; sein Deep House als etwas Filmischeres und Geduldigeres, immer mehr über Hypnose als über ein vorübergehendes Hoch. Er versucht die Arbeit, Sinneswelten im Club Dominion aufzubauen, sie in Echtzeit zu konstruieren und zu dekonstruieren, um so etwas Faszinierendes wie Aufregendes zu schaffen. “Ich liebe es zu spielen. Ich habe so viel Spaß zu spielen. Und das geht nicht überall ", sagt er ernst. “An manchen Orten lässt man sich Zeit, erzählt eine Geschichte, bringt Menschen mit.”
Hier in der Sphäre, wo alles überdimensioniert und theatralisch ist, findet seine Musik ihre Heimat. "Die Kugel ist verrückt", sagt Solomun. “Die Renderzeit, die Daten, die Farmen, die Sie verwenden müssen. Es ist wahrscheinlich der komplexeste Raum aller Zeiten. Ich habe vier Wochen lang überlegt, was ich tun könnte, und ich war super gestresst. Ich wollte etwas Cooles schaffen. Etwas, das Sinn ergab.”
Das Set war solide - tief, pulsierend, perfekt im Tempo - die Art von Set, die sich manchmal transzendent anfühlt. Solomun versteht es, einen Moment zu dehnen, einen Raum als einen zu bewegen. Aber die Kugel ist etwas ganz anderes. Es ist eine Kunstform in den Kinderschuhen, als würde man den Zug der Brüder Lumière beim Einfahren in den Bahnhof beobachten, bei dem alle nach Luft schnappen und noch nicht fragen, was es sein kann. Die Show beginnt in einem Wald, der sich in sich selbst auflöst oder sich selbst erschafft – es ist mehrdeutig. Der Text auf dem Bildschirm lautet: Was macht jeder natürlich, wenn er alleine in einen dunklen Wald geht? Sie fangen an zu pfeifen oder zu singen – und man fühlt sich sofort weniger allein, weniger ängstlich. Solange die Musik spielt, brauchst du keine Angst zu haben.
Es ist eine Idee, die sich für Solomun sehr persönlich anfühlt, einen Mann, der in Bosnien aufgewachsen ist, bevor er nach Deutschland gezogen ist, aufgewachsen von katholischen Eltern aus der Arbeiterklasse, die ihm die Bedeutung von Ritualen, von Glauben und von etwas beigebracht haben, das über ihn selbst hinausgeht. Er hat schon einmal über die fast religiöse Rolle gesprochen, die Musik in seinem Leben spielt, nicht auf die großartige, egogesteuerte Art eines Superstar-DJs, sondern als etwas Älteres, Elementareres.
"Dies ist am Ende der heiligste Ort: die Tanzfläche", teilt Solomun mit. Hinter den Decks, hinterleuchtet von einer sich ständig verändernden Kathedrale aus Licht, leitet er eine Show, die auf Bewegung, Rhythmus und Hingabe basiert. Die Visuals, choreografiert von der legendären Blanca Li, sind eine Erweiterung davon. Körper gleiten und verändern sich, Tänzer drehen sich durch den Raum, ihre Formen sind sowohl hyperreal als auch mythisch – ein ausgesprochen europäisches Gefühl des Rave, verpflanzt in die aggressivste synthetische Stadt Amerikas.
Aber dann gibt es einen Moment: das Stadtbild. Eine statische Aufnahme einer namenlosen Metropole, die Musik verlangsamt sich, dehnt sich, gepaart mit dem Bild so lebendig, dass es sich anfühlt, als könnte man hineintreten. Es ist die wirklich schönste Sequenz der Nacht, eindringlich auf eine Weise, die sich natürlich anfühlt, nicht auferlegt. Dieser Moment bleibt bestehen, ein Beweis dafür, dass es beim Eintauchen nicht nur um Maßstab geht, sondern auch um Absicht.
Solomuns Welt ist chaotischer, wärmer, menschlicher. Man hört es in seinen Sets, in der Art, wie er einen Track atmen, dehnen, zerfallen lässt. Er will dich nicht überwältigen: Er will, dass du in Bewegung bleibst. Anymas Show greift nach diesen körperlichen Momenten. Das Konzept klingt überzeugend: Musik trifft auf hyperrealistisches visuelles Wunderland, eine Reise durch eine vage transzendente digitale Zukunft. Manchmal durchläuft das Set alte Archetypen für Schock und Ehrfurcht: ein geschlossener Stimulationskreislauf, poliert, teuer und steril. Die Kugel ist ein Wunder, sicher, aber keine Offenbarung.
Andererseits spielt das vielleicht keine Rolle. Das Publikum liebte es. Kiefer lagen auf dem Boden. Die Menschen standen gebannt da, so wie sie es vor Michelangelos David tun – beeindruckt von der schieren Größe, von der Illusion, dass Geschichte in Echtzeit passiert. 60.000 Menschen pro Woche, die wie Motten auf den teuersten LED-Bildschirm der Welt gezogen werden. Und vielleicht ist das alles, was es sein muss. James Dolan, der Mann, der dieses ganze Unterfangen finanziert hat, sagte, die Inspiration stamme aus der Steppe, einer Ray Bradbury-Geschichte über Kinder, die von einem High-Tech-Spielzimmer hypnotisiert werden, das schließlich ihre Eltern verschlingt. Die Inspiration könnte nicht klarer sein. Die Kugel ist kein Veranstaltungsort: Sie ist eine Maschine, die dich ganz verschlingen soll.
“Stile ändern sich. Das Leben verändert sich. Technologie ändert sich. Es liegt immer an der nächsten Generation zu entscheiden, in welche Richtung sie gehen wollen ", schließt Solomun. "Einige Leute sind super inspiriert von dem, was Matteo mit" Afterlife "macht. Manche Leute lieben einfach schmutzige Underground-Clubs. Es ist immer Platz für alle. Aber für mich ist das Wichtigste Tanzen.”
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Text: Bryson Edward Howe
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