Eine meiner frühesten Erinnerungen ist, Boy George im Fernsehen „Karma Chameleon“ performen zu sehen und das Gefühl zu haben, er sei eine Tante, er wirkte einfach sehr vertraut. Mit fünf Jahren lehnt ich jegliche mädchenhafte Züge ab, griff stattdessen zu meinem BMX, schnitt mir die Jungsfrisur und trug einen Walkman, fest an mich geschnallt, mit Tapes von Wham!, Michael Jackson, Neneh Cherry, Queen und Madonna, die im Loop liefen.
Ich bin in den 80ern aufgewachsen: Margaret Thatchers drohende Stimme hallte aus dem Fernseher, die AIDS-Krise forderte Leben und dämonisierte Schwule, Acid House brodelte underground und wurde durch „Top Of The Pops“ ausgestrahlt. Gleichzeitig war ich versessen auf meine VHS-Kopien von „Hairspray“ und „The Rocky Horror Picture Show“. Irgendwie fühlt sich das wie ein Portal zu meinem Erwachsenenleben an. Schon unter zehn Jahren suchte ich das Queere, angezogen von den Klängen des Raves und dem heiligen Gral von John Waters.
Südlondon in den frühen 90ern war ein Schmelztiegel, fest verwurzelt in Piratensender-Radio, das mit einer Gruppe von Junglists laut sendete. Obwohl die Gegend ein rauer, feindseliger Ort für offen Queere sein konnte, war ihr Geist DIY, Außenseiter und scheiß auf das System. Die Energie war völlig elektrisierend und inspirierte eine ganze Generation.
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Zu dieser Zeit begann der Soundtrack meiner Teenagerjahre aufzubauen. Nirvana, Hole, Pulp, Babes in Toyland liefen auf meinem Radio. Ich fing an, Bass in der Band meines besten schwulen Freundes zu spielen. Wir fanden Clubs wie „Popstarz“ – ein wirklich queerer Raum, in dem Geschlechter vollkommen vermischt waren. Im Gegensatz zu den schwulen, männlich dominierten Clubs, die ich zuvor erlebt hatte, war es jung, wild und einladend. Queerness war in der Musik, beim Tanzen, in der Kleidung. Plötzlich fühlte es sich wie ein Zuhause an. Jede Woche waren wir in anderen Locations: Leisure Lounge, The Complex, The Scala. RIP Simon Hobart, eine bedeutende Figur Londons, der „Popstarz“ und viele andere wichtige, legendäre Nächte und Veranstaltungsorte geschaffen hat.
Anfang der 2000er. Peaches, Fischerspooner, Felix Da Housecat, Miss Kittin hoben die Clubs auf ein neues Level. Dann kam Electroclash. Dies war wirklich die letzte Underground-Szene vor den Smartphones. Für das erste Jahr oder so wurde sie nur von Clubgängern bevölkert, die vom Sound und den Moden angezogen wurden, angeführt von Szene-Pionieren wie Princess Julia, Jonny Slut, Lesley Lush, Damian Lazarus und neueren Mitgliedern wie Jojo De Freq und Erol Alkan. Die Musik war eine Mischung aus Punk und Electro, inspiriert von Detroit, Berlin und New York. Jede Nacht gab es etwas zu erleben: Trash am Montag, Nag Nag Nag im „The Ghetto“ in Soho mittwochs, „The Cock“ am Freitag und „Body Rockers“ im „Cynthia’s Robot Bar“ – alles wirklich grundlegende Orte. Dort traf ich lebenslange Freunde und Kollaborateure. Dort fand ich die Inspiration, mit DJing anzufangen. Ich rannte hin und her zwischen Recordshops in Soho, um die Musik zu finden, die ich von Labels wie City Rockers und International Deejay Gigolo Records gehört hatte.
Aber seien wir ehrlich, es war nicht immer sicher. Ich bin in einer Zeit aufgewachsen, in der Schwule routinemäßig auf der Straße angesprochen wurden, „batty boy“ hallte aus Van-Fenstern. Hand in Hand mit einem Partner zu gehen, fühlte sich gefährlich an, und Lesbisch sein war für heterosexuelle Männer ein Witz. Das ist eine Angst, die die meisten LGBT-Personen mit sich tragen, und deshalb waren queere Räume immer so wichtig. Vom „Retro Bar“ bis zum „Dalston Superstore“, „The Divine“, „The Ghetto“, „George & Dragon“ – das waren echte sichere Orte, an denen Menschen sie selbst sein konnten und eine großartige Zeit hatten, ohne Angst zu haben. Diese Venues förderten ein tiefes Gemeinschafts- und Freiheitsgefühl für mich und viele andere.
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House-Musik entstand in den 80ern innerhalb der schwulen afroamerikanischen und latino Gemeinschaften Chicagos, durch Pioniere wie Frankie Knuckles und Ron Hardy, die neue Revolutionen in ekstatischer Musik anstießen. Die ersten Bleeps von Acid und Drum Machines werden für immer ein Einfluss bleiben. In unserer Ecke Ost-London um 2006 gründeten wir eine Nacht und dann das Plattenlabel „Batty Bass“. Es war eine Mischung aus allem Obigen, wo eine wirklich gemischte Londoner Crowd in den Klangtopf eintauchte.
Queer-Kunst in verschiedenen Formen war immer eine Inspiration. Ob das nun der Punk-Ballett von Michael Clark, die Clubkunst von Leigh Bowery und Jeffrey Hinton, die Ballrom-Kultur in „Paris Is Burning“, Bücher wie „Stone Butch Blues“ von Leslie Feinberg, „The Faggots & Their Friends Between Revolutions“ von Larry Mitchell, bis hin zu zeitgenössischen Arbeiten wie „Rainbow Milk“ von Mendez und „Love Me Tender“ von Constance Debre ist. Einige der queeren Regisseure, die mich beim Erstellen meines Kurzfilms „Last Exit On Bethnal“ inspirierten, waren Kenneth Anger, Bruce LaBruce, Derek Jarman und die Wachowski-Schwestern. Der Film entstand mit Regisseurin Lydia Garnett und begleitet mein neuestes Album. Es ist eine Hommage an Londons Dykes und an Clubräume als Orte der Gemeinschaft und Sexualität. Die Musik untermalt die visuellen Bilder und Fantasien.
Mit dem Fortschreiten der Evolution ist es erstaunlich zu sehen, wie mutig und hell die Szene heute ist. In den letzten Jahren gab es eine Trans-Revolution, und die Graswurzelbewegungen wie Trans Pride, Black Pride und Dyke March sind so wichtig, um Stärke durch Gemeinschaft und Widerstand gegen die aktuelle Angstrhetorik zu zeigen. In der Stadt steht man wegen der Mieten für Veranstaltungsorte oft vor der Krise, und es ist immer noch gefährlich, auf der Straße auszusehen wie ein großes Queer. Doch was Aktivismus, Gemeinschaft, Kreativität und Kraft betrifft, war noch nie zuvor so viel Power spürbar.
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„Last Exit On Bethnal“ ist jetzt erhältlich.
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