Pretoria’s neues EP „If We’re Pretending“ markiert einen Neuanfang für die Band, die ihren Ursprung in Chicago hat, aber durch Grand Rapids geprägt wurde. Sie entfalten eine weitere Schicht ihrer Sensibilität, während sie das Leben, die Liebe und die Identität in einer neuen Stadt erkunden.
Stream: „If We’re Pretending“ – Pretoria
Vor Chicago gab es Grand Rapids – und vor der großen Stadt gab es das Treehouse.
Gegründet 2018, hat Pretoria sich durch unvergessliche Live-Shows, echten DIY-Geist und einen Klang etabliert, der ebenso exzentrisch wie emotional resonant ist. Nach ihrer Gründung im Jahr 2018 begann die fünfköpfige Indie-Band – bestehend aus Rob Gullett, Matt Burdick, Trevor Sharnas und Ben DeWitt – in ihrer lokalen Szene aufzutreten und betreibt schließlich ihre eigene Location namens The Treehouse. Musik zu machen war nie auf Ruhm ausgelegt, sondern Ausdruck ihrer selbst auf die beste Art: Durch echte, einprägsame und exzentrische Melodien, die garantiert im Kopf hängen bleiben. Pretoria’s Musik ist alles andere als oberflächlich – sie fordert die tiefsten Denker und fühlende Menschen gleichermaßen heraus.
Während Michigan den Anfang der Band begründete, ist ihre Reise erst im Gange. Während sie weiter wachsen, müssen sie weiterziehen – auch wenn das heißt, sich von den schwersten Abschieden zu verabschieden. Ihr neuestes EP, „If We’re Pretending“ (veröffentlicht am 13. Juni), durchquert die verschiedenen Übergänge im Leben mit Fokus auf den jüngsten Umzug der Gruppe nach Chicago. Weiterziehen ist beängstigend, ein formeller Gruß an die Vertrautheit der Welt. Stattdessen begrüßt man das Unbekannte, drückt die Daumen und hofft auf das Beste. Ohne Risikobereitschaft wird jeder Tag zu einem leblosen, vorhersehbaren Muster. Pretoria zeigen, dass sie widerstandsfähig sind im Angesicht des Wandels, auch wenn es schwer fällt, ihn zu bewältigen.
„If We’re Pretending“ EP – Pretoria
Als Antwort auf all den Herzschmerz, den Kampf und die Anpassung haben sie ihr bisher verletzlichstes Werk geschaffen und veröffentlicht. Ein vollständig repräsentatives EP, das emotionale Tiefe, Übergänge und Sexualität erforscht. Jeder Song ist ohne vorgegebene Geschlechterrollen geschrieben, als Ausdruck der pansexuellen Identität des Lead-Songwriters und Schlagzeugers Ben DeWitt.
„Mein Ziel ist es, zu einer Kultur beizutragen, in der geschlechtsneutrale Sprache natürlich und normalisiert ist – vor allem in Indie-Musik, wo noch viele Songs die typische Handlung Boy-meets-Girl wiedergeben. Dieses Narrativ spiegelt nicht immer meine eigenen Beziehungen wider, und ich möchte, dass unsere Songs Raum für eine breitere Vielfalt menschlicher Erfahrungen schaffen.“
Das EP beginnt mit einem Knall: „Boiler Water Notice“ ist eine originelle Wendung einer persönlichen Liebesgeschichte. Ein Eröffnungstrack, der den cleveren Charme und Witz der Gruppe zeigt. Die Absicht hinter diesem Projekt in Bezug auf durchdachtes Erzählen und Timeline ist kein Zufall, was im ersten Song deutlich wird.
Auf einem Lügner-Allee-Fußweg tief unter dem Himmel Chicagos
Hast du mein Gehirn in die Wasserversorgung geblasen
„Wir wollten das EP mit etwas Eindringlichem beginnen“, erklärt DeWitt. „Etwas, das dem Zuhörer zeigt, dass wir keine Angst haben, direkt auf die merkwürdigeren Dinge zu springen, aber auch, dass er auf eine Überraschung eingestellt sein sollte. Die Gitarrenparts im Intro sind eine Idee, die ich schon länger im Kopf hatte – eine Gitarre bleibt auf einem einzigen Ton, während eine andere, beginnend in Unison, langsam chromatisch schleichend abwärts wandert, schließlich jeden einzelnen Ton der chromatischen Skala mit dem ersten Gitarrenton harmonisiert. Es ist ein wildes Konzept, das kaum gut klingt, aber ich denke, es macht einen mutigen Einstieg. Besonders wenn man die Texte in diesem Abschnitt berücksichtigt. Dieser Song ist von meiner Freundin inspiriert und beschreibt, wie ich, als wir uns trafen, kaum erwartet hatte, mich in jemanden zu verlieben. Er verwendet den Tod als Metapher für Liebe und beschreibt Schwärmerei als Gift, das meine Wasserversorgung kontaminiert. Ich verspreche, dass ich nie wieder über Musiktheorie reden werde, das schwöre ich.“
„Emerson, Everywhere“ ist eine unvergessliche Single, was ironisch ist, da die gesamte Botschaft des Songs genau dieser Ideologie folgt. In gewisser Weise ist genau das das Besondere an diesem Track: Die funky Gitarren, gepaart mit der Sehnsucht, zusammen mit einer Referenz an den Künstler Emerson Woeleffer.
Rückblick auf Medizin
Jetzt lebe ich für den Gedanken an dich
Abstrakter Emerson
Bewegte Bilder treten in den Blick
„Während ich oft mit Texten oder Melodien anfange, begann dieser Song als Groove, der später das Instrumental des Refrains wurde“, erklärt DeWitt. „Der Text beschreibt eine Situation nach einer Trennung, bei der es so scheint, als würde überall, wo man hinschaut, etwas an sie erinnern. Ich war in einer Beziehung, als ich das schrieb, wusste aber, dass ich nach Chicago ziehen würde und die Beziehung eventuell dabei zu Ende gehen würde. Der Inhalt des Textes war eine Vorahnung auf den Schmerz, der in meiner Zukunft lag. Diese Texte, kombiniert mit lustigen, groovigen Hooks, ergeben einen schönen Kontrast. Dieser Track enthält mit Abstand die meisten Synthesizer/Tastaturen auf diesem ansonsten gitarrenlastigen Album.“
Ein persönlicher Favorit aus dem Projekt, „My New Room“, taucht in die Perspektiven eines vorherigen Umzugs ein. Seine groovigen Untertöne erinnern die Zuhörer daran, dass Umzüge bittersüß sein können, aber gleichzeitig auch aufregend.
Ich fühlte fast nichts, als ich meinen Schlüssel abgab
Verabschiede mich von einem leeren Raum
„Das ist einer der älteren Songs, vermutlich der älteste auf der Platte“, erzählt DeWitt. „Er handelt davon, als ich das College abgeschlossen habe und von meiner sehr schlechten Wohnung für 370 $/Monat in Kalamazoo, Michigan, in ein etwas schöneres Haus in Grand Rapids zog. Obwohl die Verbesserung bescheiden war, war ich sehr glücklich und optimistisch, weil ich mit Freunden zusammenzog. An einem der ersten Tage in der neuen Wohnung gab es einen großen Schneesturm, und wir waren den ganzen Tag drinnen gefangen. Ich nutzte diesen Tag, um den ersten Demo dieses Songs zu schreiben und aufzunehmen. Die Zeile im Refrain „Verabschiede dich von einem leeren Raum“ erinnert mich immer an meinen letzten Blick auf mein altes Zimmer, bevor ich meine letzten Sachen nach draußen trug. Der Sound ist fröhlich, sentimental und eher pop-orientiert. Die Gitarren darin haben ein bestimmtes Funkeln.“
Pretoria © Brady Olson
„Selfish“ ist der ultimative Rache-Song, geschrieben aus einer äußerst faszinierenden Perspektive. Oft klingen Liebeslieder wie eine realistische Darstellung der Beziehung eines durchschnittlichen Menschen. Je mehr man in die Musik hineinhört, desto weniger findet man solche Perspektiven – vor allem die Eifersucht aus der Sicht eines Künstlers wird in der Musik häufig unterschätzt. Jeder erlebt menschliche Emotionen, doch Songs wie diese werden nie so geschrieben, dass die Rolle des Musikers durchgehend im Vordergrund steht. Jeder kann sich mit diesem Lied identifizieren, auch wenn er nicht in einer Band ist – aber genau diese einzigartige Herangehensweise macht es so besonders.
Wir rauchten auf dem Bürgersteig
Nach der Show
Wir bekamen 150 Dollar
Diese teilten wir durch vier
Ich will einen Job haben
Denn ich hasse es, arm zu sein
Und ich bin froh, dass du gekommen bist, um mich zu sehen
Aber wo bist du hin?
„Das ist eines der Demos, die ich meiner Mutter nie vorspielen würde“, gesteht DeWitt. „Ich war mit jemandem zusammen, der, so wie viele denken, außerhalb meiner Reichweite war (zurück zum Zusammenhang, die gleiche Person wie bei „Emerson, Everywhere“). Der Text beschreibt eine typische Szene, bei der sie zu einem meiner Auftritte kam und von einem anderen Typen angesprochen wurde. Das hat mich nie gestört, und ich hatte eine gewisse egoistische Befriedigung dabei zu wissen, dass ich, egal wer sich an sie heranwagt, am Ende des Abends mit ihr nach Hause gehe. Die Lyrics zeichnen eine Art Bad-Ausbeutungsszene (Entschuldigung). Der Refrain ist der emotionale Höhepunkt, eine Befreiung aller Frustrationen, die sich in den Versen aufbauen, die Details zum mieseren Seitenleben in einer Band beschreiben. Das Lied baut sich anfangs langsam auf, konzentriert sich darauf, den Zuhörer in die Geschichte hineinzuziehen und Schläge-gitarrengleiche Schichten einzubauen. Dann explodiert es in einen stadiongroßen Refrain.“
Neuanfänge bedeuten, von vorne anzufangen und die Abläufe erneut durchzuleben. Dieser ermüdende Prozess wird in „I’ve Got No Wanting“ beschrieben, was zu desinteressiertem Verhalten in Beziehungen führt.
Ja, lass uns nicht und so tun, als hätten wir’s getan
Ich habe kein Verlangen danach
„Dieses Lied beschreibt meine Gefühle kurz nach meinem Umzug nach Chicago und dem Ende meiner vorherigen Beziehung“, bietet DeWitt an. „Ich war abgestumpft. Die Idee, wieder zu daten, schien anstrengend. Ich fühlte, selbst wenn ich die Liebe meines Lebens treffen würde, könnte ich es kaum ertragen, die Abläufe beim ersten Date, ersten Kuss, Eltern treffen usw. durchzustehen. Das einfache, barock-pop-ähnliche Instrumental lässt viel Raum für die wortreichen vocals. Der Refrain hat ein interessantes, gespaltenes Gesangskonzept, mit dem ich experimentiert habe, motiviert durch einen geteilten Gitarrensolo-Abschnitt in der Mitte des Stücks. Das Lied soll den Zuhörer auf eine Reise durch diese idealistische, hypothetische Beziehung mitnehmen, die zum Scheitern verurteilt ist.“
Pretoria brachten ihre dunkleren Wurzeln mit, was sich in „Laundry II“ zeigt. Dieses Lied beweist, dass sie ihren Weg treu bleiben. Egal, wohin sie führt, sie tragen ihre Vergangenheit immer wie einen glänzenden Pokal bei sich.
Und du kannst alles haben
Mein Imperium aus schmutziger Wäsche
Bin ich alle Teile, die du nimmst, oder
Nur das Gefäß, das bleibt?
„Dieses Lied schöpft aus unseren Emo-/Pop-Punk-Wurzeln und geht einen stärkeren Stil, als unser typischer Sound (es sei denn, das wird im Studio noch geändert). Lyrisch wendet es das bekannte ‚Ship of Theseus‘-Paradoxon auf das Scheitern einer romantischen Beziehung an. Wenn du dich ganz auf einen Partner einlässt, was passiert mit deiner Identität, wenn die Beziehung endet? Bist du das wahre Ich, das du bei ihnen hinterlassen hast, oder nur das leere Gefäß, das deinen Namen trägt? In Anlehnung an dieses Thema heißt das Lied ‚Laundry‘, benannt nach unserer EP von 2019, obwohl es außer dem Titel keine Gemeinsamkeiten gibt (ich habe den Titel auch gewählt wegen der Nine-Inch-Nails-Referenz in Vers 2 – meine Lieblingszeile).“
Das EP endet mit „Home“, einer melancholischen Melodie, die sich durch den Track zieht.
Habe das ganze Geld, das ich geliehen habe, genommen
Bin nach Chicago gezogen
Und fühle mich jetzt so einsam
DeWitt bezeichnet es als „Heimweh-Hymne“. „Dieses Lied ist ein etwas trauriges Ende des Projekts“, fügt er hinzu. „Es beschreibt schlechte Bewältigungsmechanismen, Versagen und scheinbar verlorene Musikkarrieren. Das Instrumental ist langsam und schwermütig, als hätten alle Musiker die Hoffnungslosigkeit erschöpft.“
Pretoria legen auf „If We’re Pretending“ alles offen – sie entwirren Zweifel, Träume, Enttäuschungen und zarte Triumphe, die die frühe Erwachsenenzeit und das künstlerische Wachstum bestimmen. Es ist ein Album emotionaler Ehrlichkeit und musikalischer Ambition, verwurzelt in Verletzlichkeit und geschärft durch Selbstbewusstsein. Wir haben die Band getroffen, um noch tiefer in die Geschichten hinter den Songs, den Umzug nach Chicago und den Willen, weiterzumachen, einzutauchen.
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Stream: „Home“ – Pretoria
Pretoria © Brady Olson
EIN GESPRÄCH MIT PRETORIA
Atwood Magazine: „Boiler Water Notice“ zeigt die unkonventionellen Seiten eurer Kreativität. Wie gelingt es euch, euch in eurer Musik authentisch darzustellen?
„Unsere Persönlichkeit und unser Stil entstehen daraus, Dinge natürlich fließen zu lassen. Wir versuchen, unsere Lieder mit dem einzigen Ziel anzugehen, etwas Cooles und Bedeutungsvolles zu machen. Solange wir diesem Ziel treu bleiben, tragen uns unsere Eigenheiten und Vorlieben zu einem natürlichen, einzigartigen Ergebnis.“
Als Band, die in Michigan begann, könnt ihr mehr über euren Übergang nach Chicago erzählen? Wie war es, aus dem Bundesstaat zu ziehen, in dem ihr eure Karriere aufgebaut habt?
„Manchmal war der Übergang beängstigend und frustrierend. In unserer Heimatstadt Grand Rapids, MI, hatten wir eine gute Sache, und unser Wachstum verlangsamte sich nach unserem Umzug. Teile von mir fühlten, dass wir die Jahre harter Arbeit wegwarfen, nur um von vorne anzufangen. Neben allem Musikbezogenen hatten wir alle noch nie in einer so großen Stadt gelebt. Ich bin persönlich mit Feldern und frischer Luft aufgewachsen. Obwohl ich relativ flexibel bin, muss ich mich noch an viele Dinge in Chicago gewöhnen. Die Luft hier ist nicht so schön. Ich kann nicht auf die Terrasse gehen und einen Apfelkern in das hohe Gras werfen wie bei meinem Elternhaus.“
Am Anfang deines Songs „Selfish“ wird die Schwierigkeit beschrieben, Vollzeit-Musiker zu sein. Hat sich deine Sichtweise deinem Wachstum entsprechend verändert? Wie schaffst du es, trotz Rückschlägen durchzuhalten?
„Leider ist der Kampf trotz unseres Wachstums immer noch sehr real. Versteht mich nicht falsch, wir sind wirklich so dankbar, wo wir sind, und ich würde es niemals für selbstverständlich halten. Aber Musik, vor allem in einer Originalband, bringt kein Geld ein. Wir müssen alle andere Haupteinnahmequellen haben. Unser Ziel ist es, von der Band zu leben, aber manchmal scheint das fast unmöglich. Besonders wenn ich manche meiner Lieblingsmusiker in der aktuellen Szene sehe, wahre Meister ihres Fachs, die ich bewundere, und merke, dass auch sie vom Musizieren nicht leben können. Das ist deprimierend. Ich habe nicht viele externe Motivationen. Was mich antreibt, ist, dass Musik einfach Teil meines Daseins ist. Zu sein, wer ich bin, bedeutet, Musik zu machen. Ich denke, viele andere Musiker fühlen ähnlich. Sie haben Kunst in sich, die raus muss. Hoffentlich wird sich in der Musikindustrie etwas verändern, sodass Künstler aus der Mittelschicht überleben können, aber bis dahin machen wir weiter die gleichen Erfahrungen wie in der ersten Zeile von ‚Selfish‘.“
Umzüge sind eine verletzliche Erfahrung, es ist nur natürlich, dass man sich verloren fühlt. Das Schwierige, sich zu verabschieden, ist im letzten Song des EP, „Home“, eingefangen. Während man sich in eine neue Stadt einlebt, wo hast du das Gefühl von zuhause gefunden?
„Nach meinem Umzug nach Chicago gab es definitiv eine Phase, in der wir alle das Gefühl hatten, kleine Fische in einem großen Teich zu sein. Ich denke, wir haben uns wirklich aufeinander verlassen, um in einer so neuen Umgebung Trost zu finden, viel Zeit miteinander verbracht, neue Songs geschrieben und die Musikszene in Chicago erkundet. Unser Gefühl von ‚Zuhause‘ stammt aus diesem Gefühl der Verbundenheit, das entstand, als wir unsere Wurzeln losließen und unser Leben gemeinsam veränderten.“
Pretoria © Brady Olson
„My New Room“ handelt von einem anderen Umzug in deinem Leben. Siehst du in diesem Lied Bezug zu deinem jüngsten Umzug?
„Ich denke, das Wesentliche bei ‚My New Room‘ ist das Gefühl der Hoffnung. Auch wenn wir unsicher sind, was das Ergebnis sein wird, wissen wir, dass wir versuchen, ein besseres Leben für uns selbst zu schaffen.“
„Laundry II“ entfernt sich von eurem bekannten Stil und orientiert sich mehr an euren Emo/Pop-Punk-Wurzeln. Siehst du in Zukunft eine Rückkehr zu dieser dunkleren Seite?
„Viele unserer Mitglieder wuchsen mit Emo- und Punkbands auf, und wir hatten viel Spaß daran, in diesem Track unsere schwerere, lautere Seite zu zeigen. Es ist nicht unbedingt ein Stil, den wir aktiv in unserem Sound verankern, aber diese Genres haben definitiv ihren Platz im Band-DNA. Wir sind immer offen, Elemente von emo-ähnlicher Musik zu erkunden, wenn uns die Inspiration packt und es dem Song dient. Das Label ‚Emo‘ wird heutzutage oft verwendet, um jede offene emotionale Verletzlichkeit in der Musik zu beschreiben – und wir würden uns sicherlich davor nicht scheuen.“
Das EP folgt einem Themenkomplex von Mehrdeutigkeit und verwischt die Grenzen zwischen Geschlechterrollen in jedem Song. Da ihr einen neuen Ansatz gewählt habt, der den Zuhörern eine neue Perspektive eröffnet, sah das Schreibverfahren für euch anders aus?
„Dieses EP war etwas kooperativer als frühere Projekte. Der Großteil der Lieder wurde weiterhin von einzelnen geschrieben, doch viele Arrangements und Produzentenänderungen wurden im Team gemacht. Ich würde nicht sagen, dass der kooperative Prozess direkt mit der Ablehnung von Geschlechterrollen zusammenhängt.“
Wie kam es zu dem Titel „If We’re Pretending“? Wie spiegelt dieser Titel das Projekt insgesamt wider?
„Der Titel bezieht sich auf das Impostor-Syndrom, das wir als Künstler oft erleben. Manchmal kann man nicht umhin, sich lächerlich zu fühlen, wenn man diesen Traum von Musik verfolgt, obwohl alle Umstände gegen einen zu sprechen scheinen. Der Titel stammt aus der Zeile ‚If we’re pretending, might as well get what we want‘ aus dem Song ‚I’ve Got No Wanting‘. Ich denke, das fasst das ganze Konzept der EP gut zusammen. Selbst wenn wir totale Narren sind, die keine Chance auf Erfolg haben, werden wir es trotzdem auf unsere Art und Weise machen, ganz nach unseren Bedingungen.“
Pretoria © Brady Olson
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Pretorias neues EP „If We’re Pretending“ markiert einen Neuanfang für die Band aus Chicago, ursprünglich aus Grand Rapids, und enthüllt eine weitere Ebene ihrer Sensibilität, während sie das Leben, die Liebe und die Identität in einer neuen Stadt erkunden.