Ein ruheloser Liederschreiber bis ins Knochenmark, Matthew Koma von Winnetka Bowling League ist bereits wieder im Sattel – auf der Suche nach neuen Refrains und dem Code, den er erneut knackt. Ein Jahr nach der Veröffentlichung von Sha La La und wenige Tage vor dem großen Lollapalooza-Debüt der Band, öffnet er sich über den Schaffensprozess, die Perspektive und warum das Einzige, was besser ist als ein Songabschluss, das Schreiben des nächsten ist.
„This is Life“ – Winnetka Bowling League, Medium Build, Dawes
„Ich glaube, ich nehme schon zu viel Prozac, um wirklich Scheiß drauf zu geben, was jemand im Internet sagt“, scherzt Matthew Koma mitten in unserem Gespräch –
– ein Spruch, der mit der artlosen Weisheit ankommt, die man nur durch Zeit, Erfahrung und vielleicht eine zu große Anzahl an YouTube-Kommentaren erwirbt.
Für jemanden, der fast zwei Jahrzehnte in der Musikbranche verbracht hat – als Pop-Hitmaker und jetzt als Frontmann des in Los Angeles ansässigen Trios Winnetka Bowling League – hat Koma gelernt, sowohl den Chaos zu umarmen als auch emotional Abstand zu nehmen von dem, was man Herzblut in Songs steckt und dabei zusehen muss, wie Fremde ihnen Bedeutung zuschreiben. „Sie sind Schnappschüsse“, sagt er über das Debütalbum der Band. „Und sie sind nicht für mich.“
Sha La La – Winnetka Bowling League
Gerade ist es ein bisschen über ein Jahr her, seit Sha La La veröffentlicht wurde, und was einmal wie eine lange ersehnte Ankunft schien – das erste LP von Winnetka Bowling League nach fünf Jahren geliebter Singles und EPs – fühlt sich jetzt mehr wie ein Neuanfang an – und für Koma ist es alte Neuigkeit.
Das soll nichts an der Musik schmälern: Getragen von einer Mischung aus power-pop Euphorie und existenzieller Zärtlichkeit, ist Sha La La eine emotionale Zeitkapsel von vorne bis hinten, prall gefüllt mit großen Harmonien, scharfen Geschichten und Zeilen, die direkt ins Mark schneiden („It’s gonna take your heart and your money / It’s America in your 20s“). Über zehn Tracks reflektiert Koma – zusammen mit Bandkollegen Kris Mazzarisi und Sam Beresford – mit Humor, Herz und einer gesunden Portion Enttäuschung über Nostalgie, Wachstumsschmerzen, Misskommunikation und moderne Liebe. Mit verträumtem Indie-Pop-Flair ist es ein Album, das darin eintaucht, was es bedeutet, etwas zu wollen – Verbindung, Klarheit, Trost – und nicht zu wissen, wie man daran festhält.
Matthew Koma spricht über Astrologie, Kontext und das Debütalbum der Winnetka Bowling League, „Sha La La“:: INTERVIEW ::
Es geht wirklich nur um den Prozess. Das ist es, was ich liebe: Songs schreiben, aufnehmen, Codes knacken, das Gefühl: „Oh Scheiße, wir haben das Rätsel gelöst.“ Und danach gehört es nicht mehr wirklich dir.
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Doch auch jetzt ist Koma schon weitergezogen. „Wenn ein Album rauskommt, bist du, wenn du es richtig machst, schon längst dran vorbei“, sagt er. „Du denkst schon an das nächste.“
Und das Nächste ist groß: An diesem Wochenende feiert Winnetka Bowling League ihr Debüt auf Lollapalooza, spielen zwei Sätze in Chicago, bevor sie direkt ins Studio zurückkehren, um das zweite Album aufzunehmen – das, laut Koma, bereits geschrieben ist. Es ist ein Wendepunkt für eine Band, die, so gesteht Koma, die ersten Jahre damit verbrachte, „Marktforschung“ zu betreiben – was sich gut anfühlt, was nicht. Jetzt sind sie angekommen – selbstbewusster, verbunden und klarer denn je.
Dennoch liegt Freude im Rückblick – besonders wenn die Songs im Live-Spiel immer noch so einschlagen wie beim ersten Hören. „Ich liebe es, ‚America in Your 20’s’ zu spielen. Ich liebe ‚Sha La La‘ zu spielen“, sagt Koma. „Und ich denke, je älter ein Album wird, desto mehr Zeit haben Fans, mit ihm zu leben – und desto mehr beeinflussen sie dein Erlebnis damit. Es wird zu einem Feedback-Kreis, der es für dich neu anfühlt.“ Mit anderen Worten: Das Publikum wird Teil des Prozesses – eine lebenswichtige Erinnerung daran, warum diese Songs überhaupt geschrieben wurden.
Und dann ist da noch „This Is Life“, die Einzelne-Single vom letzten Jahr mit Dawes’ Taylor Goldsmith und Medium Build’s Nick Carpenter – ein Moment Freundschaft und Harmonie, den Koma als kreative Funkenexplosion und Vorschau auf den Weg der Band beschreibt. „Es fühlte sich einfach an, als ob, ‚Oh ja, genau dahin soll das Boot steuern‘“, sagt er. Es ist einfach strukturiert, aber emotional enorm – ein Beweis dafür, dass manchmal drei Stimmen im Raum mehr sagen können als jeder Hook oder Trick in der Produktion.
Das „This is Life“-Team (von links): Medium Build’s Nick Carpenter, Dawes’ Taylor Goldsmith und Winnetka Bowling League’s Matthew Koma © Paige Sara
Der gleiche Geist – roh, kollaborativ, ironisch und gleichzeitig ganz ernst – pulsiert durch die aktuelle Momentaufnahme der Band.
Zwischen Komas langjähriger Series „Songs You Didn’t Know I Wrote“ und ihren sarkastischen Live-Visuals („Schau einfach nur die Visuals“, grinst er, wenn gefragt wird, was neue Fans auf Lolla erwarten können), balancieren Winnetka Bowling League weiterhin Reflexion und Erneuerung. „Ich habe das Gefühl, ich lebe immer in einem permanenten Zustand von ‚Ich muss es beweisen, ich muss es beweisen, ich muss es beweisen‘“, sagt Koma. „Ich weiß nicht, was ich beweisen soll oder wem, aber es hält mich hungrig.“
Und jetzt, am Rande ihrer bisher größten Bühne und schon auf der Suche nach dem Gefühl, den nächsten „geknackten Code“ im Studio zu finden, feiern Winnetka Bowling League nicht nur einen Meilenstein – sie bauen Schwung auf. Wie Koma sagt: „Wart’s nur ab, bis du meinen nächsten Trick siehst.“
Lesen Sie weiter bei Atwood Magazine’s Gespräch mit Matthew Koma von Winnetka Bowling League, in dem er über ein Jahr Sha La La, seine persönliche (manchmal problematische) Beziehung zum Songwriting und die nächsten Schritte der Band reflektiert, wenn sie auf ihre bisher größte Bühne treten!
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EIN GESPRÄCH MIT MATTHEW KOMA
Atwood Magazine: Wir sind jetzt über ein volles Jahr nach der Veröffentlichung von Sha La La. Dieses Album fühlt sich an wie der bislang typischste Soundtrack von Winnetka Bowling League – sowohl inhaltlich als auch im Soundbild, das ihr über diese zehnplus Tracks kultiviert habt. Wie ist dein Verhältnis zum Album jetzt, ein Jahr später?
Matthew Koma: Das ist wirklich nett. Ich hasse meistens alles oder werde unsicher, wenn ich etwas höre, das älter als zwei Stunden ist. Und ich glaube, wenn du Songs live spielst, wirken sie anders – also kommt es, dass die Versionen auf Platte einen anderen Eindruck hinterlassen als beim ersten Mal, als du sie gemacht hast.
Aber ja, ich bin stolz auf das Album. Ich bin an einem Punkt, an dem ich sehr damit im Reinen bin, dass das alles Schnappschüsse sind – und sie sind nicht für mich. Der Schaffensprozess ist definitiv für mich. Ich liebe es, Alben zu machen. Aber ich muss mich distanzieren, sobald sie draußen sind, weil ich sonst die Erfahrung anderer damit ruinieren könnte.
Ich bin sehr dankbar, dass es gefällt, und es fühlte sich an, als ob es uns als Band einen großen Schritt nach vorn bringt. Wir haben vorher nie ein vollständiges Album gemacht – nur EPs. Nach COVID fühlte es sich an, als müssten wir den Neustart wagen. Wir starteden 2018 oder 2019, und dann kam alles zum Stillstand, gerade als wir in Fahrt kamen. Es fühlte sich an wie ein komplett neuer Anfang – aber mit ein bisschen Erfahrung, um zu wissen: Was wollen wir sonisch und songtechnisch erreichen? Ich denke, die ersten Jahre waren Marktforschung: Was funktioniert? Was gefällt uns nicht? Was wirkt unecht? Was fühlt sich gut an? Es ist so, als würde man ein T-Shirt entwerfen, das man tragen muss, und dann schaut man drei Jahre später ein Bild und fragt sich: „Warum zum Teufel hab ich das gekauft?“
Ich empfinde das bei Alben generell so. Ich weiß nicht, wie ich das jetzt fühle, weil mein Fokus ganz auf dem Nächsten liegt – neuen Songs, dem nächsten Ding. Wenn ein Album erscheint, ist man – wenn man es richtig macht – schon längst beim nächsten. Es geht nur um den Prozess. Für mich ist das, was ich liebe, das Schreiben, Aufnehmen, Codes knacken und das Gefühl: „Oh Scheiße, wir haben das Rätsel gelöst.“ Und danach gehört es nicht mehr wirklich dir. Besonders in der heutigen Internetkultur, wo ein falsches Algorithmus-Placement 20 Kommentare auslöst, die dich komplett missverstehen lassen, als hätte jeder deiner Absichten etwas Falsches dran gehabt. Deshalb kann ich diesem Teil kaum noch Bedeutung beimessen. Ich kann kaum noch darüber nachdenken. Ich bin froh, dass wir es gemacht haben. Ich freue mich, weiterzumachen und Neues zu schaffen.
Das Ganze habe ich zum Beispiel bei ‚America in Your 20’s‘ gespürt, das zu sehr interpretiert wurde.
Matthew Koma: Nein, nein – da steckt auch Spaß drin. Es ist wie Expositionstherapie oder so. Beim ersten Mal, wenn sowas passiert, denkt man: „Oh mein Gott, total peinlich“, oder was auch immer die natürliche Reaktion ist, wenn man eine Reihe Reaktionen sieht, die das Gegenteil von der eigenen Absicht sind.
Aber dann wird es tröstlich, weil man merkt, wie egal das alles eigentlich ist – für das Gute und das Schlechte. Entweder entdeckst du unsere Band und findest, was wir machen, toll – oder du kackst auf die Toilette und denkst: „Du bist scheiße“, oder sowas – und denkst nie wieder an uns.
Wir sind für Menschen, die uns nicht wichtig sind, völlig irrelevant, und darin liegt auch ein bisschen Frieden. Man erkennt: Niemand kümmert sich wirklich um das, was wir tun – außer den Leuten, die es wirklich interessiert, und die verstehen es.
Also war das in gewisser Weise eine gute Lektion und Erfahrung. Und natürlich, durch die Vielzahl der Aufrufe eines Songs – auch wenn er die falschen Zielgruppen trifft – gewinnt man trotzdem viele Menschen, die zufällig darauf stoßen und es verstehen. Es ist ein Netto-Gewinn. Es ist nur emotionaler Verlust, wenn es einem egal ist. Und ich glaube, ich nehme zu viel Prozac, um Scheiße zu geben, was jemand im Internet sagt.
Bleib bei mir noch kurz bei Sha La La – weil ob du willst oder nicht, du wirst diese Songs vor einer Menge Publikum spielen, besonders bei Lollapalooza! Welche Songs begeistern dich am meisten, wenn du sie live vorträgst? Welche machen dich noch immer besonders munter?
Matthew Koma: Live ist ein ganz anderes Erlebnis. Irgendwann fühlt es sich fast so an, als wärst du nur eine Coverband – du spielst diese Lieder so lange. Ich liebe es, „America in Your 20’s“ zu spielen, ich liebe „Sha La La“. Das sind wahrscheinlich meine zwei Favoriten vom Album. Ich mag auch „No One’s Ever Kissed You“. Das macht Spaß, das abzuspielen.
Und ich denke, je älter ein Song wird, desto mehr Zeit haben Fans, mit ihm zu leben – und desto mehr beeinflusst es deine Erfahrung. Was auch immer ihre Favoriten werden, oder die Songs, zu denen sie hinziehen, das schafft einen Kreislauf, der ihn für dich wieder neu energetisiert. Ich stelle mir vor, wenn einer unserer 20 Jahre alten Songs schließlich ein Hit wird, werden wir sagen: „Das ist wieder so aufregend!“
Es hängt sehr davon ab, wie das Publikum darauf reagiert. Aber ich habe viel Spaß beim Live-Spielen dieses Albums. Und jedes Mal, wenn wir auf die Bühne gehen, beeinflusst es auf eigentümliche Weise den Schreibprozess. Songwriting ist oft sehr insular – ich denke dabei wenig an die Live-Performance. Es ist hilfreich, Konzerte zu spielen. Man lernt Dinge wie: „Ach ja, ich verstehe, warum dieser Song funktioniert“, und das bringt es auf eine coole Weise mit ins Studio zurück. Deshalb liebe ich es, diese Songs zu spielen.
Du hast zwei der energiegeladensten Lieder vom Album erwähnt, und das erste, was mir einfiel, war wie sehr dieses Live-Erlebnis damit zu tun hat, dass das Publikum mit euch mitfiebert – im Gegensatz zu den Texten, Akkorden und Harmonien. Was ist für dich das Befriedigendste beim Bühnenauftritt, wenn du mit dem Publikum interagierst?
Matthew Koma: Es kommt sehr auf das Publikum an. Bei einem Festival, bei dem viele Leute sind, die deine Band nicht kennen, ist es ein bisschen wie altbekannt: Spiel die eingängigen, energiegeladenen Lieder. Ich stehe total auf Balladen und Texte – das ist mein Highlight als Zuhörer. Ich schätze diese Momente, wenn wir Headliner sind, und es gibt einen stillen, ruhigen Moment bei einem Song, wo ich die Geschichte wirklich wichtig finde. Das ist für mich entscheidend. Das ist die Erfahrung, die ich beim Konzertbesuch wertschätze. Ich weiß aber auch, dass das eine selbstsüchtige Bedürfnis ist – weil das meine bevorzugte Erfahrung ist. Ich würde eine große Menge Fremder nicht eine halbe Stunde lang so in den Bann ziehen.
Es kommt also auf das Publikum und den Zweck an. Besonders bei weniger bekannten Bands wie uns, die für größere Menschenmengen spielen, die uns gerade erst kennenlernen. Wir befinden uns noch in der Phase, wo wir sozusagen „unsere Visitenkarte“ präsentieren. Das Highlight-Video sozusagen.
„This Is Life“, das Lied, das du mit Medium Build und Dawes’ Taylor Goldsmith aufgenommen hast, ist kürzlich auch ein Jahr alt geworden – und ich muss dir sagen, ich liebe dieses Lied absolut! Können wir noch ein bisschen mehr darüber sprechen? Es scheint dir ein Lächeln ins Gesicht zu zaubern.
Matthew Koma: Ich liebe dieses Lied. Wirklich. Dawes ist meine Lieblingsband der Welt, und Taylor ist mein Lieblingssongwriter. Ich halte ihn für den besten Songwriter unserer Generation – ohne Vergleich. Vielleicht sogar über mehrere Generationen hinweg, wenn ich ehrlich bin. Wer es kennt, weiß, was ich meine. Es ist schön zu sehen, wie viele jüngere Songwriter und Künstler es zum ersten Mal entdecken – Leute, die nicht dabei waren, als die ersten Platten erschienen.
Er würde es nie zugeben, aber ich glaube, Taylor merkt nicht, wie wichtig er für das Spektrum der echten Songwriter ist. Mit ihm kreativ zusammenzuarbeiten ist eine Reise, ein Blick hinter die Kulissen dessen, was ich seit zehn Jahren aus der Ferne beobachte.
In diesem Fall war alles sehr organisch. Ich hatte eine Strophe und einen Refrain, und ich hatte gerade Nick – Medium Build – kennengelernt. Er kam in mein Studio, wir schrieben eine Weile, und er sah das Dawes-Poster an meiner Wand. Er sagte: „Dawes ist meine Lieblingsband.“ Ich erwiderte: „Nein, Dawes ist meine Lieblingsband.“ Am nächsten Abend spielte ich mit den Dawes-Leuten bei einem Weihnachtskonzert, und ich sagte zu ihm: „Du solltest rauskommen, sie treffen.“ Er war total begeistert, weil er – wie ich – Taylor’s Schreiben, Griff’s Spiel und ihre Platten liebt. Er kam zum Konzert, sie trafen sich, und es war so ein netter, verbindender Moment zwischen zwei großartigen Songwritern.
Als ich die Strophe und den Refrain fertig hatte, war ich auf einem Text-Thread mit ihnen und schrieb: „Das könnte eine lustige Gelegenheit sein, mal gemeinsam was zu machen – ganz ohne Druck.“ Ich hasse es, Leute um Dinge zu bitten, also war immer die Prämisse: „Nur wenn es Spaß macht und du eine freie Stunde hast – kein Druck.“ Sie schrieben beide unabhängig voneinander Verse für den Song, und es wurde einfach eine Gelegenheit, alle zusammenzuhängen. Die Erinnerung daran – in verschiedene Städte zu fliegen, es in den Sets der anderen zu spielen, Fotos zu machen, was auch immer – hat das zu einer richtig coolen Erfahrung gemacht. Und ich verbinde dieses Lied sehr mit dem Glück, zwei meiner Lieblings-Songwriter in Aktion zu sehen.
Ja, da steckt viel Freundschaft drin – und es fühlt sich stark von diesem Geist inspiriert an.
Matthew Koma: Absolut, ja. Es ist schön, nach dem ersten Refrain zurückzublicken, deine Freunde – die so großartige Songwriter und Sänger sind – bei ihrer Arbeit zu beobachten und zu denken: „Holy Shit.“
Und ich denke… zumindest in meiner jetzigen Phase, beim Schreiben des neuen Albums, hat dieses Lied die Brücke geschlagen zu dem, wohin wir wollen. Das war auch spannend. Es fühlte sich an wie: „Oh ja, genau dahin soll das Boot steuern“, was man so früh nach Abschluss des Albums, das man gerade unterstützt, kaum erwartet hätte.
Das ist großartig. Gibt’s eine Chance, dass wir eine Version davon live sehen?
Matthew Koma: Ja, total – wir spielen das immer.
Machst du eigene Texte dazu, oder übernimmt du nur die Verse von Taylor und Nick und singst alle drei?
Matthew Koma: Ich würde ihre Worte niemals umschreiben – sie sind die besten Verse. Also singe ich nur ihre. Und wenn sie können, singen sie mit.
Wenn du mich als Songwriter fragen willst, finde ich das Songwriting an sich faszinierend – weil es so einfach ist. Keine Extras, keine verschachtelten Abschnitte. Es ist wirklich nur Vers, Refrain, Vers, Refrain, Vers, Refrain. Aber jedes Mal, wenn du den Refrain erreichst, wird es etwas energetischer, ein bisschen mehr Harmonien, und genau das macht den finalen dritten Refrain, diesen großen Schlussschlag, so ausdrucksstark und bedeutungsvoll. Ich habe versucht, es allein auf meiner Gitarre zu spielen, und es trifft nicht dasselbe. Es gibt etwas an der Anwesenheit anderer Stimmen, anderer Menschen im Raum. Dieses Lied funktioniert am besten, wenn man nicht allein ist.
Matthew Koma: Absolut. Wir sind wie das Key Food der Traveling Wilburys. Und ich denke, für dieses Lied passt diese Stimmung gut zu uns. Es ist eine riesige Cheat-Code, wenn man großartige Stimmen hat, die einsteigen und ihr Ding machen – die kleinen Nuancen, Variationen in Melodien, alles. Danke, dass du mich jetzt verunsichert hast, es allein zu singen!
Matthew Koma: Ich denke kaum, weil das ist genau das, was es spannend macht. Besonders bei der elektronischen Musik, an der ich beteiligt war, war ich oft eine andere Person. Ich bin mir kaum sicher, dass ich es damals wirklich genossen habe. Mit etwas Abstand fühlt es sich wie eine andere Zeit an – das macht Spaß.
Es gibt auch diese Ernsthaftigkeit, die Menschen manchmal in ihrer Songwriting-Karriere an den Tag legen, und das ist für mich immer ein bisschen komisch. Natürlich entwickelt man Fähigkeiten, aber… man hat nichts mit den Songs zu tun, wie sie entstehen. Wenn ein guter kommt, und wenn ein schlechter kommt – es geht nur darum, jeden Tag an den Arbeitsplatz zu erscheinen. Deshalb ist es auch nur eine spöttische Betrachtung all der „Hinter-den-Kulissen“-Videos, wo Leute sagen: „So habe ich das geschrieben – ich war im Wald…“ Es ist so selbstgefällig, ich kann dem kaum noch etwas abgewinnen.
Zurück zu deiner Frage: Jeder sucht nach einer Erklärung – „Wo kommt diese Band her?“ Und klar, wenn wir wollen, dass die neue Musik gehört wird, ist es nicht schlimm, sie mit bekannten Songs oder Künstler*innen zu verbinden. Aber ich denke, ein Großteil ist auch, Leute ein bisschen zu veräppeln, die das alles zu ernst nehmen – die zwei Stunden Podcasts machen, wie klug und brillant ihre Musik ist. Das ist für mich eher eine leichte Aufgabe: Man braucht nur 30 Sekunden, um einen Snack vor der Kamera zu essen und ein bisschen über den Song zu sprechen. Es macht Spaß, einen kurzen Text zu schreiben, worum es bei mir war, was ich gemacht habe und wie der Song oder die Session entstanden ist.
Darf ich ehrlich sein? Ich mache seit über zehn Jahren Atwood, schreibe viel über Musik, aber noch nie habe ich es erlebt, einen ganzen Podcast über die Entstehung eines Songs durchzublicken.
Matthew Koma: Wen interessiert das? Für mich ist das eine total komische Sache.
Ich liebe die Geschichten. Zum Beispiel die Legende, wie Bon Ivers Justin Vernon in sein Winterrefugium ging und mit dem ersten Album herauskam. Ich bin richtig darin eingetaucht.
Matthew Koma: Ich liebe Kontext. Ich mag es, wenn mir gesagt wird, wo ich bin und wie ich etwas aufnehme. Ich denke, ich spreche hier eine spezielle Marke an, die im Pop-Songwriting eher so ist: Man schreibt Pop-Lieder, die großartig und cool sind, manche Hits, manche nicht. Aber Ego hasse ich. Ich glaube, ich hasse einfach jeden, wenn ich ehrlich bin.
Winnetka Bowling League © Paige Sara
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Ein rastloser Songwriter bis ins Mark, Winnetka Bowling League’s Matthew Koma ist bereits wieder im Sattel – er sucht nach neuen Refrains und knackt den Code erneut. Ein Jahr nach der Veröffentlichung von Sha La La und wenige Tage vor dem großen Lollapalooza-Debüt der Band spricht er über den Prozess, die Perspektive und warum das Einzige, was besser ist als ein Song fertigzustellen, das Schreiben des nächsten ist.