Seit ihrem Debüt im Jahr 2016 ist Indigo De Souza eine unerschütterliche Kraft in der modernen Musik. Während ihr Repertoire sich kontinuierlich mit einer stetigen Reihe jährlicher Veröffentlichungen weiterentwickelt, bleibt die rohe Emotion im Zentrum ihrer Musik unverändert. Gerade diese Verletzlichkeit macht sie zu einem festen Bestandteil von Playlists, da die Zuhörer in ihren ehrlichen Texten über Liebe, Verlust und Einsamkeit ihr Inneres wiedererkennen.
Ihr neuestes Album „Precipice“ markiert eine musikalische Neuausrichtung, bei der die Songwriterin eine glänzende Pop-Note in ihre Diskografie einbringt. Während synthetisierte Traurigkeit wie ein Widerspruch erscheinen mag, setzt Indigo diese mühelos um und zwingt uns, gleichzeitig zu tanzen und zu weinen, da ihre schmerzhaften Texte auf lebendige, elektrische Produktion treffen – eine Mischung, die ebenso eingängig wie kathartisch ist.
Clash sprach mit Indigo über ihr neues Album, die Ursprünge ihres neuen Sounds und die Inspiration, die sie in Wichtigem findet.
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Dein neues Album „Precipice“ ist fast eine Woche alt, und ich möchte dich zuerst fragen. Fühlt es sich an wie eine Erweiterung oder Weiterentwicklung deiner bisherigen Arbeiten, oder wie eine neue Ära?
Es fühlt sich nach beidem an. Ja, ich finde, dieser Sound ist unglaublich anders, weil er heller und klarer ist. Und glänzender, offener, auch glücklicher. Aber ich habe das Gefühl, dass ich im Kern beim Songschreiben nicht wirklich verändert habe. Ich schreibe all meine Lieder aus demselben Grundgefühl roher Emotionen, das ich immer habe, sodass sie in gewisser Weise wie eine Weiterentwicklung wirken. Aber gleichzeitig sind sie auch eine neue Erfahrung.
Auf dem Album gibt es einen interessanten Kontrast: Elektronischer Pop unter tief bewegenden Texten. Was hat dich dazu bewogen, diesen Stil zu wählen?
Nun, ich wollte schon eine Weile Popmusik machen, einfach weil ich Pop so sehr liebe. Und ich fühlte einfach die Energie, die damit einhergeht. Ich war in einer Phase, in der ich Songs machen wollte, die wirklich kraftvoll und klar klingen. Außerdem kam vieles auch durch die Werkzeuge, mit denen ich gearbeitet habe. Zum Beispiel, weil ich mit Elliot Kozel gearbeitet habe, einem relativ neuen Menschen, mit dem ich vorher noch nie zusammengearbeitet hatte. Er brachte all diese neuen Instrumente mit, die ich vorher noch nie berührt hatte, wie unterschiedliche Keyboards und Sounds. Das führte mich auf diesen Weg, weil ich die Werkzeuge genutzt habe, die er hatte.
Und wie unterscheidet sich das Machen von optimistisch trauriger Musik im Vergleich zum Schreiben eines klassischen traurigen Liedes in Bezug auf die Verarbeitung deiner emotionalen Erfahrungen?
Ja, das fühlt sich wirklich anders an. Wenn ich ein trauriges Lied allein auf der Gitarre schreibe, kann das viel schwerer sein, emotional sehr belastend, und ich verliere mich oft in der Traurigkeit, weine oder muss eine Pause machen und später wiederkommen. Das Schreiben eines traurigen Songs im Studio mit Pop-Elementen zusammen mit Elliot, während eine unterstützende Freundin dabei ist, war definitiv eine ganz andere Erfahrung. Es hat mich ermächtigt und mir das Gefühl gegeben, unterstützt und gesehen zu werden, während ich den Song schreibe. Dieses Gefühl treibt mich voran und gibt mir die Kraft, den Song wirklich fertigzustellen und ihn stärker auszudrücken.
Deine Arbeit ist geprägt von Verletzlichkeit. Mit wachsender Plattform: Ist es schwieriger geworden, so offen zu sein? Oder hat es dir mehr Selbstvertrauen gegeben, dich auszudrücken?
Es ist definitiv schwerer geworden. Ja, als ich angefangen habe, war es leichter, weil nicht so viele Leute zugehört haben, beziehungsweise, es hat mich kaum beeinflusst, weil nicht viel zurückkam. Aber als mehr Menschen zuhörten, hat mich das mehr getroffen, weil ich gespürt habe, dass manche Dinge mehr weh tun. Weil mehr Menschen zuhören, gibt es natürlich auch mehr Leute, die nicht mögen, was ich sage. Das ist eine Herausforderung.
Gleichzeitig gibt es den Moment, in dem ich meine Musik teile, und die Leute entscheiden, was sie davon halten. Und es gibt auch den Moment, wenn ich die Musik nur mit Elliot oder alleine schreibe. In diesen Momenten denke ich nicht darüber nach, wie die Leute reagieren werden. Ich konzentriere mich nur darauf, meine Emotionen so rauszulassen, wie es nötig ist. Ich bin froh, dass ich die Fähigkeit habe, mich darauf zu fokussieren, weil es sehr wichtig ist.
Deine Musik findet bei vielen Menschen Resonanz. Wie fühlt es sich an, zu sehen, wie deine Musik fast ein Eigenleben entwickelt, während die Leute sie auf ihre eigenen Erfahrungen übertragen?
Das macht mich sehr glücklich, weil es zeigt, dass sich die Menschen damit verbinden und ihre eigenen Geschichten darin finden. Das stört mich nie. Damit liebe ich den Teil sehr, und ich denke, das ist das Magische daran.
Wie ist es für dich, live aufzutreten?
Es ist okay. Anfangs habe ich das sehr geliebt, doch auf Tour sind einige traumatische Erfahrungen passiert, die dazu geführt haben, dass ich eine Art Trauma-Reaktion auf Live-Auftritte entwickle. Das merke ich jetzt, wie ich da wieder rauskomme. Die letzten Touren waren ziemlich schwierig, aber ich beginne, eine neue Ära zu entdecken und lerne, wieder ohne große Angst aufzutreten. Vor allem, weil wir neue Songs spielen, ein neuer Raum entsteht. Das ist sehr wichtig für mich, weil ich das Gefühl habe, alte Schichten ablegen und etwas Neues verkörpern zu können.
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Du bist seit 2021 konstant aktiv mit neuen EPs und Alben. Was hält dich motiviert, so kontinuierlich Projekte zu veröffentlichen?
Es ist einfach das, was ich am besten kann. Ich liebe es, Musik zu schreiben, und ich liebe es, sie zu teilen. Seit meiner Kindheit war das Teil von mir.
Was ist dein liebster Teil des kreativen Prozesses?
Auf jeden Fall, wenn ich mitten im Songschreiben bin und merke, dass ich etwas habe. Wenn ich den Schritt mache, bei dem ich weiß, wohin der Weg führt und auf das Ergebnis vertraue. Das ist wahrscheinlich mein Lieblingsmoment.
Gibt es Musiker oder Alben, die deinen Sound inspiriert haben?
Da bin ich sicher, ja. Weil ich Musik gehört habe, und das hat mir überhaupt erst gezeigt, was Musik ist. Aber ich kann keine bestimmten Alben nennen, weil ich ehrlich gesagt nicht weiß, welche mich direkt beeinflusst haben.
In deinem Abschlusslied hast du gesagt, dass du „auf einen Abgrund zusteuerst“. Was bedeutet das für dich?
Das bedeutet vieles. Es bedeutet vor allem, dass ich am Rande der Veränderung stehe. Mein Leben ist sehr unstetig, was mich in verschiedene Richtungen geführt hat, die ich kaum vorhersehen konnte. Das ist in gewisser Weise schön, um das auszudrücken.
Und zum Schluss: Wie ist es entstanden, das Album?
Ich lebte in North Carolina, kam aber nach LA, um an blind Sessions teilzunehmen. Falls du das nicht kennst: Das ist, wenn man mit einem Produzenten arbeitet, den man noch nie getroffen hat, mit dem man noch nie zusammengearbeitet hat und über den man kaum etwas weiß außer seinen bisherigen Projekten. Ich bin reingegangen, habe Musik gemacht und geschaut, wie es läuft. Das hat mich ziemlich erschreckt, aber auch beflügelt.
Ich wollte meinen Horizont erweitern und eine neue Perspektive auf Musik gewinnen, weil ich immer so eng mit den gleichen Leuten gearbeitet habe. Also bin ich nach LA gegangen. Mein erster Termin war mit Elliot Kozel. Es war einer der magischsten Momente meines Lebens, weil ich sehr dankbar für die Zusammenarbeit und die Freundschaft mit ihm bin. Ich bin reingegangen, wir haben sofort angefangen zu reden und innerhalb der ersten Stunde eine Song geschrieben. Manche Lieder kommen bei mir sehr schnell, als ob nur ein Gedanke ausgesprochen wird. Das war bei „Not Afraid“ so, einem der Songs auf dem Album. Ich habe es sehr schnell geschrieben.
Obwohl ich in North Carolina lebte, bin ich immer wieder nach LA geflogen, um mit ihm zu arbeiten, weil ich es so sehr liebte. Manchmal bin ich für eine oder zwei Wochen zurückgekommen, dann wieder geflogen, das ging etwa ein Jahr so. Und dann haben wir das Album fertiggestellt – eigentlich wussten wir nicht, dass wir ein Album machen, wir haben einfach weiter zusammengearbeitet. Am Ende entstand daraus ein Album.
Man könnte sagen: Es hat sich einfach ergeben.
Genau. Es fühlte sich natürlich an, als würde es alles sehr organisch passieren. Wir hatten kein festes Ziel, eine bestimmte Anzahl an Songs zu machen oder auf ein Ziel hinzuarbeiten. Gegen Ende wurde uns klar, dass wir auf ein Ziel zusteuerten, aber wir haben nicht bewusst darauf hingearbeitet.
Von außen hört es sich auch ziemlich durchdacht an, es wirkt sehr strukturiert.
Ja, absolut.
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