Dopo una pausa di quattro anni, raccogliendo palpabile attesa per il suo ritorno, Lorde perde la pelle abbronzata della sua era ‘Solar Power’ e abbraccia la sua rinascita dell'espressione musicale, alle prese con la sua identità personale nel suo quarto album ‘Virgin’.
Inizialmente "Virgin's" unsubtle, il titolo di una parola colpisce in un senso suggestivamente didattico simile all'album di Madonna del 1992 "Erotica", dimostrandosi altrettanto simile con la sua copertina blu e bianca. Ma mentre Madonna ha cercato di sovvertire i tabù arcaici degli anni ’90 che circondano il piacere femminile, "Virgin" di Lorde serve come una rinascita personale mentre le undici tracce dell'album la vedono impegnata a reclamare la sua identità in un rozzo e onesto disfacimento lirico del trauma generazionale; combattendo con la dismorfia del corpo, abbracciando l'esistenza al di fuori dei binari di genere e affrontando la disperazione di vivere con un romantico crepacuore, richiamando all'ingenuità adolescenziale nei suoi momenti più vulnerabili.
Le grida echeggianti di passione di Lorde caratterizzano pesantemente in "Virgin", vedendola non tirare pugni per arrivare al punto cruciale delle sue confessioni candide senza l'eccessiva complicazione di un tentativo di pretenziosità. Dopo due dei singoli pre-pubblicati dell'album, social-construct countering 'Hammer ‘e summer single’ What Was That‘,’ Shapeshifter' si distingue immediatamente e imposta il tono per il commento lirico penetrante e diretto a venire.
Vivace, garage-stile rullante drum imposta la scena per 'Shapeshifter' con sintetizzatori ronzio oscillante dentro e fuori il basso pesante che inizialmente immerge l'ascoltatore nella scena ipotetica di una festa in casa vivace; il tipo in cui la lampada oscilla e i pavimenti sono in fase di test, nonostante non essere in grado di sentire le insenature sopra l'atmosfera rombo, un ambiente alleviato dalla ariosità e la speranza synth ronzii del coro come Lorde bobine fuori le identità che ha incarnato direttamente contrastare i suoi personaggi passati.
Queste identità sono apparentemente sia un prodotto di percezioni pubbliche, e le proiezioni dell'ego sono ignorate nel tentativo di cercare il romanticismo come ‘Mutaforma’ vede Lorde iniziare ad abbracciare le sue “visioni di innocenza adolescenziale”. La pesantezza della traccia, creata dall'uso di corde interrotte da parte di Jim-e-stacks, si trasforma in violini puliti, a significare un recupero di chiarezza e una leggerezza alla traccia che si firma su Lorde che si armonizza con se stessa.
Il singolo pre-release "Man of the Year", molto simile al singolo promozionale "Hammer", rivela le esperienze di mascolinità di Lorde mentre assume la forma di una ballata industriale. Gli intervalli silenziosi disseminati per tutto il singolo si sentivano contrastanti all'ascolto iniziale smorzando l'atmosfera della canzone in alcuni punti, in particolare quando si accoppiava con il ritornello di "What Was That" che manca il segno di esplodere nello stesso modo in cui, il precedente singolo di piombo, "Green Light" accelerava oltre la propria atmosfera, o il modo in cui "Solar Power" si costruiva progressivamente fino a un'esplosione psichedelica di suoni che trascendeva ciò che la canzone si era prefissata di essere. Tuttavia, sentire che questi singoli esistono nel contesto del loro album dimostra che sarebbe sbagliato sottovalutare Jim-E-Stack. Di certo non è fuori dalla sua profondità qui.
'Favourite Daughter' calpesta gli intensi cambiamenti della sua traccia precedente, accogliendo in un tempo pop rimbalzante e giocoso abbinato a un sintetizzatore vibrante. Suona come ci si aspetterebbe da una chitarra elettrica pesantemente elaborata in una traccia poptimistica uscita dal 2007, impreziosita dal dramma e dall'esuberanza delle urla ovattate di Lorde. Con il testo di apertura che affermava "Ero un cantante, eri un fan / Quando a nessuno importava un dannato", è facile confondere "Favorite daughter" come una chiamata di Lorde ai suoi ascoltatori. Ma dalla seconda strofa diventa improvvisamente chiaro che questa canzone è indirizzata direttamente al sé più giovane di Lorde, una retrospettiva su un giovane e spinto overachiever.
"Continuo a ballare finché non mi ammalo, perché hai dovuto sognare così in grande? Perché nessuno ha ascoltato quando hai colpito le note dal tuo cuore?”. È una canzone d'amore dura, un'ode all'innocenza e alla complessità che deriva dall'abbracciare l'illuminazione dell'esperienza mentre desideri l'elemento di ingenuità che non tornerai mai indietro.
"Current Affairs" si rivela una traccia degna del suo nome-drop sul singolo principale "What Was That". Utilizzando i tasti del pianoforte edificanti e elaborati – che suonano come se stessero sgranocchiando dopo essere stati premuti-si nutre della sensazione distorta e house-party di "Virgin". "Current Affairs" tira fuori le emozioni contrastanti di una relazione turbolenta, vivendo fino alla sua narrazione con tuffi di stomaco in chitarra elettrica mentre Lorde si sente piangere nel tentativo di evocare il coro e sputare il titolo della traccia. I cori maschili, probabilmente appartenenti a Dev Hynes (Blood Orange), riecheggiano i testi di Lorde, aggiungendo un altro livello di profondità a una canzone prodotta con dettagli e complessità.
'Clearblue' è la seconda traccia apparentemente sostenuta dal canto di Dev Hynes, la sua voce fa da sfondo a quelle di Lorde. La canzone è quasi completamente una cappella ad eccezione del botto di un tamburo, che punteggia testi che approfondiscono la molteplicità di emozioni che inghiottono l'esperienza di fare un test di gravidanza. È una traccia resa ancora più vulnerabile dalla sua dipendenza dalla voce, permettendo alle confessioni di Lorde di risuonare chiaramente.
'GRWM', un acronimo reso popolare da una serie di video di trucco e cura della pelle guidati da influencer dal titolo 'Get Ready With Me', è invece definito da qualcosa di meno incentrato sulla vanità. È una traccia a chiave sfocata che crepita volutamente di feedback, e la batteria industriale stuzzica un bordo iper-pop. Come 'Clearblue', punteggia caratteristiche uniche dell'aspetto di Lorde – caratteristiche fisiche che possono essere considerate come segni di femminilità. Celebra fianchi larghi, schegge di denti e cicatrici della pelle nella speranza di affrontare la generazione, mentre abbraccia l'importanza di “guardare avanti” con dichiarazioni ironiche come “forse finalmente so chi vuoi essere, una donna adulta in una maglietta per bambini."Energici rullanti che ricordano uno dei più recenti collaboratori di Lorde, Charli xcx, colour 'Virgin'. Mentre l'ottimista 'Apple' quasi nasconde i suoi contenuti pesanti narrando una battaglia contro i vincoli del trauma generazionale,’ Broken Glass ' usa la stessa veste ottimistica per ammorbidire il colpo dei suoi testi, sottolineando le difficoltà di combattere contro un disturbo alimentare e di essere in guerra con il proprio corpo. La canzone vede Lorde reclamare i suoi diritti sul suo corpo, dopo aver trascorso un'estate "perdersi in matematica", resistendo alle difficili tentazioni mentali di scivolare di nuovo in abitudini distruttive.
"If She Could See Me Now" con il suo appello feroce e conflittuale non andrebbe male nella colonna sonora di un esilarante ring-walk, il tipo in cui la scelta della canzone del combattente significa che hanno vinto il combattimento prima che l'arbitro abbia la possibilità di suonare il campanello. Chitarre incisive e elaborate riempiono la traccia rock elettronica, rimbalzando così tanto che è difficile per l'ascoltatore resistere a lasciarsi trasportare da un'improvvisa primavera nel loro passo. Lorde si riempie di lei più giovane su quanto lontano è arrivata attraverso battute d'arresto di crepacuore, lotte con l'immagine del corpo, la siccità creativa e la paura del palcoscenico del suo sé sedicenne. La hit R & B "Suga Suga “di Baby Bash e Frankie J finds è interpolata nella prima strofa mentre Lorde allaccia l'iconica lirica" you got me lifted feeling so gifted.”
'David' con i suoi flauti cinematografici prende la forma di un inno commemorativo, un richiamo immediato all'album di debutto ‘Pure Heroine’; una riflessione referenziale e una rivendicazione della narrazione. I flauti squillanti evocano il movimento delle nuvole che si schiariscono per far entrare la luce. Rompendo e scoppiettando come un telefono fisso in mancanza, il coro è perforato da taglienti difetti, trascinando l'ascoltatore attraverso un tunnel sonoro, dando l'impressione che stiano emergendo dall'altra parte mentre la distorsione si interrompe bruscamente prima di lasciare spazio a flauti sereni per completare questa canzone di dolce resa.
E 'raro che un artista picchi due volte nella loro carriera, ma’ Virgin ‘accelera a climax uguali che è stato ampiamente, e erroneamente, assunto solo l'album preferito dai fan’ Melodrama' potrebbe raggiungere. Tra la sua reinvenzione sonora di successo, che vede Lorde tornare al suo caratteristico suono synth-pop con il songwriting che districa una molteplicità di traumi, "Virgin" si cementa come esistente oltre ad essere l'ultimo disco di bonifica, ma la colonna sonora della rinascita di Lorde.
9/10
Parole: Lauren Hague
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