Ein paar Dinge standen auf meiner Liste mit Muss-Fragen, als das Brooklyn-Duo Water From Your Eyes Zeit fand, mich in ihren vollen Presseplan einzuschieben. Auf einige davon komme ich zu sprechen, bevor sie das Gespräch entgleisen lassen, um interessantere Fragen zu beantworten, an die ich noch nicht gedacht hatte.
Das aus den ehemaligen Partnern Rachel Brown und Nate Amos bestehende Duo liefert eine manchmal schroffe, aber immer faszinierende Kollision von Klängen und Einflüssen, die sich anfühlt wie eine klügere, gehobenere Destillation des post-dance-hardcore-was-auch-immer-punk-Sounds, der sowohl in ihren lokalen Spielstätten als auch hier in London herumgeistert. Beide gesellen sich zu CLASH für ein Gespräch aus ihren Brooklyn-Verstecken; Rachel hält einen Eiskaffee und sitzt auf einem Sitzsack, während Nate im Zoom-Anruf mit einer Wand voller Verstärker direkt hinter sich erscheint.
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Ihre zweite Veröffentlichung beim renommierten Indie-Label Matador, „It’s A Beautiful Place“, ist eine kompakte, 10-Track-Reise, die bis zum Rand mit ihrer kollektiven klanglichen Vorstellungskraft gefüllt ist. Nach dem kritischen Erfolg von 2023s „Everyone’s Crushed“ waren sich Water From Your Eyes sehr bewusst, dass ihre nächsten Schritte stärker beobachtet würden. „Ich denke, das kam einfach aus dem Wunsch, etwas etwas weniger Düsteres herauszubringen“, sagt Brown, „aber das habe ich nicht einmal bemerkt, bis es jemand anderes zur Sprache brachte“, in Bezug auf den krassen Unterschied zwischen den Namen der beiden Alben.
Amos betont, die Band „sei definitiv viel zielgerichteter gewesen in dem, was wir mit diesem Album kommunizieren wollten“, und fügt dann scherzhaft hinzu: „Das war wirklich das erste Album, das wir aufgenommen haben, von dem wir wussten, dass es überhaupt in welcher Form auch immer erscheinen würde, also wollten wir damit etwas machen, hinter dem wir stehen können.“
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Wenn „Everyone’s Crushed“ der erste Durchbruch war, ist „It’s A Beautiful Place“ die Erklärung dafür, warum sie bleiben sollten. „Es war wichtig, etwas herauszubringen, das weniger darüber erzählt, wer ich bin, sondern wer ich sein will, und außerdem nicht all die schlimmsten Gedanken widerspiegeln soll, die wir über die Welt hatten“, argumentiert Brown, „aber wir saßen nicht herum und sagten ‚Wir müssen ein paar Hits machen!‘ nur weil wir wussten, dass dann mehr Leute zuhören würden.“ Amos stimmt dem zu und ergänzt, dass der Erfolg ihres letzten Albums nur die Idee bestärkt habe, dass sie einzigartig sie selbst und kompromisslos sein sollten. Das Duo ist im Einklang und einig, ihre Chemie wird im weiteren Gespräch deutlich.
Selbst mit einer weniger nihilistischen Sichtweise bleibt ihr neues Album kompromisslos sie selbst, verbindet Browns einzigartigen sardonischen Humor und Witz mit Amos’ Instinkt, sich musikalisch zu chamäleonisieren. Die kontrastierenden Tonwechsel zwischen ihren manchmal düsteren Texten mit Tanzsynths oder Gitarrenbreakdowns hin zu echter Ernsthaftigkeit machen einen Teil dessen aus, was sie so faszinierend macht. „Ich denke, ohne Kontrast würden die Extreme von Humor und Traurigkeit bedeuten, dass keines von beidem jemals statisch wäre. Es ist ein glücklicher Zufall, dass das auch interessantere Kunst hervorbringt“, erklärt Amos.
Brown bestätigt den Punkt. „Ich habe selten so sehr gelacht wie in dem Moment, wenn etwas eine Note trifft, die bis in die Tiefe meiner Seele geht, und eigentlich bin ich nur so weit gekommen, weil ich über die Traurigkeit von allem lache… Genau wie das Nahaufgenommensein des Lebens sehr schön sein kann; weißt du, ausgehen und mit Menschen abhängen, die du liebst, aber im großen Ganzen ist es zermürbend zu erkennen, dass alles, was jetzt existiert, enden wird.“
Diese scharfe Neugier darauf, wie wichtig Kontext sein kann, steht auch im Zentrum ihres neuen Albums, das stark auf die Idee fokussiert ist, wie das Nebeneinanderstellen von Dingen die Natur jedes Einzelnen verändert. Das spiegelt sich nicht nur in Browns Schreiben wider, sondern auch in Amos’ Gebrauch musikalischer Motive über das Album hinweg, insbesondere darin, wie das Album von zwei Tracks eingerahmt wird, die ähnliche ambientartige Synthesizer spielen. „Weißt du, es gibt viele verschiedene Rock- und Indie-Rock-Stile auf dem Album, und wenn man es mit einem Sound rahmt, der mehr ein Produkt der Physik ist, die normale Tonalität aus dem Bild nimmt, erkennt man, dass die im gesamten Album behandelten Sounds immer noch nur ein sehr kleiner Bruchteil dessen sind, was mit Klang erreicht werden kann“, sinniert Amos.
Als ziemlich eigenständige Teile funktionierend, spiegeln Browns Texte gleichermaßen den Kontext wider. „Ich wurde katholisch erzogen, nicht dass da ein tiefer Glaube ist, aber ich denke, es gibt etwas jenseits von uns“, erklärt sie. „Wir können nur Punkte in linearer Weise erfahren, aber es gibt auch eine gewisse Menge an Datum und Schicksal, aus der man meiner Meinung nach viel Trost ziehen kann.“
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Im ganzen Album tanzen ihre Texte um das, was bekannt sein kann und was nicht, besonders in Zeiten der Unsicherheit. Nachdem sie Ursula Le Guins The Dispossessed überflogen hat, denkt Brown auch über alternative Gesellschaftsformen nach, kapitalistisch oder anders. „Oft bin ich hin- und hergerissen, weil ich meine kleinen materiellen Besitztümer liebe, aber im Roman gibt es eine Gesellschaft des Überflusses, aber ungleich, und eine andere, wo es das Gegenteil ist“, sagt sie. „Ich werde nicht behaupten, dass ich eine sehr gute Leserin bin, aber die Themen in The Dispossessed und There Is No Happy Revolution schwebten definitiv herum, als ich dieses Album schrieb“, erklärt Brown.
Mit dem Duo, das nun dauerhaft mit dem Gitarristen Al Nardo und dem Schlagzeuger Bailey Wollowitz von Fantasy of a Broken Heart spielt, ist die Musik das gitarrenorientierteste Album, das sie bisher geschrieben haben, und als eingefleischte Fans der Red Hot Chili Peppers zeigen sich die Spuren von John Frusciante deutlich. „Auf diesem Album, weißt du, gibt es viel Shredding und viele Soli. Shredding ist im Grunde der spaßigste Teil der Popmusik“, sagt Amos. „Für mich ist ein Streichquartett der emotional stärkste menschengemachte Klang, der existiert, aber das kann ich nicht, also mache ich die billige Version mit einer Gitarre, selbst wenn es nur Spaß macht, herumzuspielen.“ Mit unverrückter Miene liefert Amos das denkwürdigste Zitat unseres gesamten Gesprächs: „Ich liebe Gitarre, und ich spiele gerne Gitarre.“
Das begeisterte Verschmelzen ihrer unterschiedlichen Einflüsse zeigt sich nicht nur in ihrer Musik, sondern auch in ihren Gesichtern, wenn wir abschweifen. „Die Leute sind einfach neidisch“, sagt Amos mit einem Schmollmund, „aber wirklich ist es so, dass ein Album wie ‚Californication‘ gar keinen Grund hat, so populär zu sein, wie es war.“ Brown fährt fort: „Es gibt sehr wenige Rockbands, die so überlebt haben wie sie, und eigentlich ist jede berühmte Rockband irgendwie albern, aber ich denke, Musiker sind einfach frustriert, weil sie keine extrem technisch versierte Band sind, und Anthony Kiedis ist ein Spaßvogel und nicht der beste Sänger, und trotzdem sind sie riesig.“
Auch wenn sie zugeben, dass sie nicht wirklich allein mit ihm im Raum sein wollen, sagt Brown: „Oft geht es in der Kunst um den menschlichen Zustand und darum, kaputt zu sein als Teil dieses Zustands, und es gibt dieses komische Ding, bei dem wir irgendwann beschlossen haben, Rockmusiker sollten auch Vorbilder sein, was eine schreckliche fucking Idee ist.“ Vielleicht ein denkwürdigeres Zitat von Brown diesmal (dem ich zustimmen mag oder auch nicht) ist: „‚Ignition (Remix)‘ ist immer noch eines der unglaublichsten Lieder überhaupt, aber natürlich ist R. Kelly eine schreckliche Person und außerdem ein Krimineller.“
Seit Beginn dieses Gesprächs wurde viel besprochen: ihr neues Album, warum Unsterblichkeit scheiße wäre, R. Kellys ‚Stuck In The Closet‘, neben anderen Abschweifungen. Browns Eiskaffee ist nur Eis, und trotz einer lebhaften Diskussion über die Foo Fighters haben die beiden an diesem Tag viele, viele weitere Presseverpflichtungen. Es ist einfach, das Duo als stimmmäßig angeschlagene, übermäßig sarkastische, nihilistische Brooklyn-Band in eine Schublade zu stecken, aber spricht man eine Weile mit ihnen, ist dem sicher nicht so — oder zumindest nicht mehr.
„Wir versuchen herauszufinden, wie wir etwas Sinnvolles vermitteln können, wenn Dinge wie Kapitalismus oder Faschismus sich entfalten und sich als nicht nachhaltig erweisen, weil sie im Kern anti-menschlich sind“, behauptet Brown. „’Everyone’s Crushed‘ wurde 2020 geschrieben, und seitdem hat es sich so angefühlt, als hätte es noch mehr Scheiße gegeben, aber wenn du keine Hoffnung hast, hast du keine Veränderung.“
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„It’s A Beautiful Place“ ist jetzt erschienen.
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Text: Yu An Su Fotografie: Adam Powell
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