C’erano alcune domande che dovevo assolutamente fare quando il duo di Brooklyn Water From Your Eyes ha trovato il tempo per inserirsi nel loro fitto calendario stampa. Riesco a farne qualcuna prima che devino la conversazione per rispondere a domande più interessanti a cui non avevo pensato.
Composto dagli ex partner romantici Rachel Brown e Nate Amos, il loro collisione di suoni e influenze, a volte abrasiva ma sempre affascinante, sembra una distillazione più intelligente e elevata del suono post-dance-hardcore e di altri tipi di punk che pervade sia i loro locali di quartiere sia qui a Londra. Entrambi si uniscono a CLASH per una conversazione dalle loro postazioni a Brooklyn; Rachel tiene in mano un iced latte seduta su un pouf, mentre Nate appare nella chiamata Zoom con una parete di amplificatori immediatamente dietro di lui.
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Il loro secondo lavoro per la venerata etichetta indie Matador, ‘It’s A Beautiful Place’, è un percorso essenziale di 10 tracce riempito fino all’orlo con la loro immaginazione sonora collettiva. Dopo il successo critico di ‘Everyone’s Crushed’ del 2023, Water From Your Eyes erano molto consapevoli che le loro mosse successive sarebbero state osservate più attentamente. “Penso che sia nato semplicemente dal desiderio di pubblicare qualcosa di un po’ meno cupo,” dice Brown, “ma non l’avevo nemmeno realizzato finché qualcun altro non l’ha fatto notare,” riferendosi alla netta differenza tra i titoli dei due album.
Amos sostiene che la band “è stata sicuramente molto più intenzionale su ciò che volevamo comunicare con questo album,” prima di aggiungere scherzando, “Questo è stato davvero il primo album che abbiamo registrato sapendo che sarebbe uscito in qualche modo, quindi con questo volevamo fare qualcosa che ci sentissimo a nostro agio a rappresentare.”
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Se ‘Everyone’s Crushed’ è stata la prima svolta, ‘It’s A Beautiful Place’ è la dichiarazione del perché meritano di restare. “Mi è sembrato importante pubblicare qualcosa che parlasse meno di chi sono e più di chi voglio essere, oltre a non riflettere tutti i pensieri peggiori che avevamo sul mondo,” sostiene Brown, “ma non stavamo lì a dirci ‘Dobbiamo fare dei successi!’ solo perché sapevamo che più persone ci avrebbero ascoltato.” Amos fa eco a questo, aggiungendo che il successo del loro ultimo disco ha solo rafforzato l’idea che dovessero restare unici e senza compromessi. Il duo è sincronizzato e d’accordo, la loro chimica evidente mentre la conversazione prosegue.
Anche con una visione meno nichilista, il loro nuovo disco rimane inesorabilmente se stesso, accoppiando l’umorismo sardonico e l’arguzia unici di Brown con l’istinto di Amos di camaleontizzare musicalmente. I contrasti tonali tra i testi a volte cupi e i synth da dance o gli sfoghi di chitarra fino alla genuina sincerità fanno parte di ciò che li rende affascinanti da ascoltare. “Penso che, senza contrasto, gli estremi tra umorismo e tristezza significherebbero che nessuno dei due sarebbe mai statico. È una felice coincidenza che questo produca anche arte più interessante,” spiega Amos.
Brown conferma il punto. “Non ho mai riso così tanto come quando qualcosa tocca una nota in fondo alla mia anima, e davvero l’unico modo in cui sono arrivata fin qui è ridere di quanto tutto sia triste… Proprio come la vita vista da vicino può essere molto bella; uscire e stare con le persone che ami, ma nel quadro generale è schiacciante rendersi conto che tutto ciò che esiste ora finirà.”
Quella curiosità acuta su quanto sia importante il contesto è centrale anche nel loro nuovo album, che è fortemente incentrato sull’idea di come mettere le cose fianco a fianco cambia la natura di ciascuna. Non solo questo si riflette nella scrittura di Brown, ma anche nell’uso di motivi musicali da parte di Amos lungo il disco, in particolare nel modo in cui l’album è incorniciato da due tracce che suonano synth ambient simili. “Sai, ci sono molti stili diversi di rock e indie rock coperti nell’album, e quando lo incornici con un suono che è più un prodotto della fisica, togliendo la tonalità normale dalla scena, ti rendi conto che i suoni coperti nell’interezza dell’album sono comunque solo una frazione piccolissima di ciò che si può ottenere con il suono,” riflette Amos.
Lavorando come parti abbastanza distinte, i testi di Brown riflettono ugualmente il contesto. “Sono cresciuta cattolica, non che ci sia una profonda fede, ma penso che ci sia qualcosa oltre di noi,” spiegano. “Possiamo sperimentare solo punti in maniera lineare, ma c’è anche una certa quantità di destino e data che penso possa dare molto conforto.”
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Nel corso del disco, i loro testi danzano attorno a ciò che si può conoscere e a ciò che non si può, specialmente nei tempi di incertezza. Avendo sfogliato Ursula Le Guin’s The Dispossessed, Brown contempla anche forme alternative di società, capitaliste o meno. “Spesso sono in conflitto perché amo i miei piccoli beni materiali, ma nel romanzo c’è una società di abbondanza ma diseguale, e un’altra dove è l’opposto,” dicono. “Non pretendo di essere una lettrice modello, ma i temi in The Dispossessed e There Is No Happy Revolution erano sicuramente nell’aria mentre scrivevo questo album,” spiega Brown.
Con il duo che ora suona più stabilmente con il chitarrista Al Nardo e il batterista Bailey Wollowitz dei Fantasy of a Broken Heart, la musica è l’album più incentrato sulla chitarra che hanno scritto finora, e in quanto tifosi dichiarati dei Red Hot Chili Peppers, le sfumature di John Frusciante emergono chiaramente. “In questo, sai, c’è molto shredding e molti assoli. Lo shredding è praticamente la parte più divertente della musica pop,” dice Amos. “Per me, un quartetto d’archi è il suono creato dall’uomo più emotivamente potente che esista, ma non posso farlo quindi faccio la versione da dilettante con una chitarra, anche se è solo divertente scherzare.” Con la faccia più seria, Amos produce la frase più memorabile di tutta la nostra conversazione: “Amo la chitarra, e mi piace suonare la chitarra.”
La fusione entusiasta delle loro influenze disparate si vede non solo nella loro musica, ma sui loro volti quando divaghiamo. “La gente è solo gelosa,” dice Amos con un sorriso, “ma davvero è perché un album come ‘Californication’ non aveva motivo di essere così popolare come è stato.” Brown continua: “Ci sono pochissime band rock che sono sopravvissute come loro, e in realtà qualsiasi band rock famosa è un po’ buffa, ma penso che i musicisti si frustrino perché non sono una band massimamente tecnica, e Anthony Kiedis è un buffone e non il miglior cantante, eppure sono ancora enormi.”
Anche se ammettono che non vorrebbero davvero trovarsi da soli in una stanza con lui, Brown dice: “molte volte l’arte parla della condizione umana e dell’essere fottuti come parte della condizione umana, e c’è questa cosa strana in cui a un certo punto abbiamo deciso che i musicisti rock dovessero anche essere modelli di ruolo, il che è un’idea terrificante.” Forse una citazione ancora più memorabile di Brown stavolta (con cui posso anche non essere d’accordo) è che “‘Ignition (Remix)’ è ancora una delle canzoni più incredibili di sempre, ma ovviamente R. Kelly è una persona terribile e anche un criminale.”
Da quando abbiamo iniziato questa conversazione si è parlato di molte cose: il loro nuovo album, perché l’immortalità sarebbe una cosa orribile, ‘Stuck In The Closet’ di R. Kelly, tra altre digressioni. Il caffè freddo di Brown è solo ghiaccio, e nonostante una discussione vivace sui Foo Fighters, il duo ha molti, molti altri impegni con la stampa quel giorno. È facile incasellarli come un gruppo di Brooklyn dalla voce arsa, eccessivamente sarcastico e nichilista, ma se si passa del tempo a parlare con loro certamente non è così, o almeno non più.
“Stiamo cercando di capire come trasmettere qualcosa di significativo quando cose come il capitalismo o il fascismo si stanno sviluppando e si rivelano insostenibili perché nel loro nucleo sono anti-umane,” afferma Brown. “‘Everyone’s Crushed’ è stato scritto nel 2020, e da allora sembra che le cose siano peggiorate ancora di più, ma se non hai speranza non hai cambiamento.”
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‘It’s A Beautiful Place’ è disponibile ora.
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Testo: Yu An Su
Fotografia: Adam Powell
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