Unas cuantas cosas estaban en mi lista de preguntas imprescindibles cuando el dúo de Brooklyn Water From Your Eyes encontró tiempo para incluirme en su apretada agenda de prensa. Llego a algunas antes de que descarrilen la conversación para responder a preguntas más interesantes que yo no había pensado.
Formado por las ex parejas Rachel Brown y Nate Amos, su a veces abrasivo pero siempre fascinante choque de sonidos e influencias se siente como una destilación más inteligente y elevada del sonido post-dance-hardcore-lo-que-sea-punk que flota tanto por sus locales de la ciudad como aquí en Londres. Ambos se unen a CLASH para una conversación desde sus rincones de Brooklyn; Rachel sujetando un latte con hielo sentada en un puf, mientras Nate aparece en la llamada de Zoom con una pared de amplificadores inmediatamente detrás de él.
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Su segundo lanzamiento para el venerado sello indie Matador, ‘It’s A Beautiful Place’, es un viaje compacto de 10 pistas lleno hasta el borde con su imaginación sonora colectiva. Tras el éxito crítico de ‘Everyone’s Crushed’ de 2023, Water From Your Eyes eran hiperconscientes de que sus siguientes movimientos serían observados más de cerca. “Creo que simplemente vino de querer sacar algo un poco menos sombrío”, dice Brown, “pero ni siquiera me di cuenta hasta que alguien más lo señaló”, refiriéndose a la marcada diferencia entre los nombres de los dos álbumes.
Amos afirma que la banda “definitivamente fue mucho más intencional con lo que queríamos comunicar con este álbum”, antes de añadir en broma, “Este fue realmente el primer álbum que grabamos y del que sabíamos que saldría de alguna manera en absoluto, así que con eso quisimos hacer algo con lo que estuviéramos cómodos representando”.
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Si ‘Everyone’s Crushed’ fue el primer gran salto, ‘It’s A Beautiful Place’ es la declaración de por qué merecen quedarse. “Me pareció importante sacar algo que hablara menos de quién soy y más de quién quiero ser, además de no reflejar todos los peores pensamientos que teníamos sobre el mundo”, sostiene Brown, “pero no estábamos sentados diciendo ‘¡Tenemos que hacer unos hits!’ solo porque sabíamos que más gente nos escucharía”. Amos hace eco de esto y añade que el éxito de su último disco solo reforzó la idea de que deberían ser ellos mismos sin concesiones. El dúo está sincronizado y de acuerdo, su química queda clara a medida que la conversación continúa.
Incluso con una visión menos nihilista, su nuevo disco sigue siendo intransigentemente ellos, combinando el humor sardónico y el ingenio únicos de Brown con el instinto de Amos de camaleonizarse musicalmente. Los contrastes tonales entre sus letras a veces sombrías con sintetizadores de baile o rupturas de guitarra y la sinceridad genuina forman parte de lo que los hace fascinantes de escuchar. “Creo que, sin contraste, los extremos del humor y la tristeza implican que ninguno será nunca estático. Es una feliz coincidencia que eso también genere un arte más interesante”, explica Amos.
Brown confirma el punto. “Nunca me he reído tanto como cuando algo toca una nota en lo más profundo de mi alma, y realmente la única manera en que he llegado hasta aquí es riéndome de lo triste que es todo… Igual que la vida, vista de cerca, puede ser muy hermosa; salir y pasar el rato con la gente que amas, pero en el gran esquema de las cosas es aplastante darse cuenta de que todo lo que existe ahora terminará.”
Esa aguda curiosidad por cuánto puede importar el contexto también es central en su nuevo álbum, que se centra fuertemente en la idea de cómo poner las cosas lado a lado cambia la naturaleza de cada una. Eso no solo se refleja en la escritura de Brown, sino también en el uso de motivos musicales por parte de Amos a lo largo del disco, notablemente en cómo el álbum está emparedado por dos pistas que reproducen sintetizadores ambientales similares. “Sabes que hay muchos estilos diferentes de rock e indie rock cubiertos en el álbum, y cuando lo enmarcas con un sonido que es más producto de la física, quitas la tonalidad normal de la imagen, te das cuenta de que los sonidos cubiertos en la totalidad del álbum siguen siendo solo una fracción muy pequeña de lo que se puede lograr con el sonido”, reflexiona Amos.
Trabajando como partes bastante distintas, las letras de Brown son igualmente reflexivas respecto al contexto. “Me criaron católica, no es que haya una fe profunda ahí, pero creo que hay algo más allá de nosotros”, explican. “Solo podemos experimentar puntos de forma lineal, pero también hay cierta dosis de azar y destino de la que creo que se puede sacar mucho consuelo.”
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A lo largo del disco, sus letras bailan alrededor de lo que se puede saber y lo que no, especialmente en tiempos de incertidumbre. Habiendo hojeado The Dispossessed de Ursula Le Guin, Brown también contempla formas alternativas de sociedad, capitalista u otras. “A menudo estoy en conflicto porque me encantan mis pequeñas posesiones materiales, pero en la novela hay una sociedad de abundancia pero desigual, y otra donde es lo contrario”, dicen. “No voy a fingir que soy una gran lectora, pero los temas de The Dispossessed y There Is No Happy Revolution definitivamente flotaban por ahí cuando escribía este álbum”, explica Brown.
Con el dúo ahora tocando de forma más permanente con el guitarrista Al Nardo y el batería Bailey Wollowitz de Fantasy of a Broken Heart, la música es el álbum más orientado a la guitarra que han escrito hasta ahora, y como fans declarados de los Red Hot Chili Peppers, los matices de John Frusciante se notan claramente. “En este hay, ya sabes, mucho shredding y muchos solos. El shredding es prácticamente la parte más divertida de la música pop”, dice Amos. “Para mí, un cuarteto de cuerdas es el sonido artificial más emocionalmente potente que existe, pero no puedo hacer eso, así que hago la versión chapucera con una guitarra, aunque sea solo por divertirme.” Con la cara más seria, Amos produce la cita más memorable de toda nuestra conversación: “Amo la guitarra, y me gusta tocar la guitarra.”
La entusiasta fusión de sus disparates influencias no solo se muestra en su música, sino en sus caras cuando nos desviamos. “La gente solo tiene celos”, dice Amos con una sonrisa ladeada, “pero en realidad es porque un álbum como ‘Californication’ no tenía razón para ser tan popular como fue.” Brown continúa: “Hay muy pocas bandas de rock que hayan sobrevivido como ellos, y realmente cualquier banda de rock famosa es un poco ridícula, pero creo que los músicos se frustran porque no son una banda masivamente técnica, y Anthony Kiedis es un payaso y no el mejor cantante, y aun así son enormes.”
Aunque admiten que realmente no les gustaría estar a solas en una sala con él, Brown dice, “muchas veces el arte trata sobre la condición humana y estar jodido como parte de la condición humana, y hay esta cosa rara donde en algún momento decidimos que los músicos de rock también deberían ser modelos a seguir, lo cual es una idea jodidamente horrible.” Quizá una cita más memorable de Brown esta vez (con la que puedo o no estar de acuerdo) es que “‘Ignition (Remix)’ sigue siendo una de las canciones más increíbles de la historia, pero obviamente R. Kelly es una persona terrible y además un criminal.”
Se ha cubierto mucho terreno desde el inicio de esta conversación: su nuevo álbum, por qué la inmortalidad sería horrible, ‘Stuck In The Closet’ de R. Kelly, entre otras digresiones. El café con hielo de Brown es solo hielo, y a pesar de una discusión animada sobre los Foo Fighters, el dúo tiene muchos, muchos otros compromisos de prensa ese día. Es fácil encasillar al dúo como un grupo de Brooklyn con la voz destrozada, excesivamente sarcástico y nihilista, pero pasa tiempo hablando con ellos y ciertamente no es el caso, o al menos ya no.
“Estamos tratando de averiguar cómo transmitir algo significativo cuando cosas como el capitalismo o el fascismo se están desplegando y demostrando ser insostenibles porque en el fondo son anti-humanos”, afirma Brown. “‘Everyone’s Crushed’ fue escrito en 2020, y desde entonces ha parecido que la mierda ha pegado aún más, pero si no tienes esperanza no tienes cambio.”
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‘It’s A Beautiful Place’ ya está disponible.
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Palabras: Yu An Su Fotografía: Adam Powell
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