Wenige Künstler verkörpern das emotionale Spektrum der zeitgenössischen Clubkultur so sehr wie salute. Der in Wien geborene, in Manchester lebende Produzent wird seit Langem für einen Sound gefeiert, der Euphorie und Melancholie verbindet. Auf Tour rund um die Welt spielt salute Musik, die auf der vollen Tanzfläche genauso vital wirkt wie in den stillen Momenten danach. Mit jeder Veröffentlichung hat er einen Raum geschaffen, in dem Freude, Verletzlichkeit und Gemeinschaft in ständiger Bewegung koexistieren.
Nach der Anerkennung für sein 2024er-Album TRUE MAGIC, einem strahlenden, kollaborativen Werk, das das Wesen von Verbindung durch Klang destillierte, wirkt salutes nächster Schritt sowohl unvermeidlich als auch inspiriert. Nun schlägt salute ein neues Kapitel auf mit der Veröffentlichung seiner eigenen „fabric presents“-Compilation, ein Meilenstein, der seine Entwicklung vom Durchbruchsproduzenten zu einer prägenden Stimme der zeitgenössischen Clubmusik markiert. Das Projekt zeigt salute in einem Moment voller kreativer Klarheit und kanalisiert Jahre von späten Nächten, geteilten Tanzflächen und emotionaler Verbundenheit zu einer kohärenten Aussage. Selbstbewusst, verbunden und im ständigen Dialog mit der Kultur, die ihn geprägt hat, richtet der neue Mix den Fokus auf die Musik, die sein Aufwachsen beeinflusst hat, mit vielen versteckten Perlen, die perfekt für den Club sind, sowie einigen zeitlosen, genreübergreifenden Hits.
Im Gespräch mit CLASH reflektiert salute über die spirituelle Schwerkraft des Clubs, die Verantwortung, eine Szene im Wandel zu repräsentieren, und die Herausforderung, diese flüchtige, kollektive Magie in einen einzelnen, zeitlosen Mix für fabric zu bannen.
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Wie bist du überhaupt zur Musik gekommen?
Ich glaube, alles fing mit meiner Familie an; wir gingen alle regelmäßig in die Kirche. Ich habe dreizehn Jahre lang jeden Sonntag eine westafrikanische Pfingstkirche besucht, sodass ich ständig von Musik umgeben war. Meine Eltern haben zu Hause eine Vielzahl von Musikrichtungen gespielt – Reggae, Gospel, R&B, Soul und Funk. Mein älterer Bruder, der deutlich älter ist als ich (er war in den 90ern Teenager), hörte viel Hip-Hop und R&B, und ich saß auf seinem Bett und sog das auf. Er hat mir wohl meinen Musikgeschmack geschenkt. Als ich zehn war, entdeckte ich elektronische Musik für mich selbst über Videospiele; Street, SSX on Tour und so weiter. Bis ich 13 war, war ich besessen von elektronischer Musikproduktion, ich habe mir eine geknackte Version von FL Studio besorgt und bin von dort aus weitergegangen.
Wie war deine Erfahrung, in Brighton zu leben, und wie hat das deine Musik beeinflusst?
Brighton war der erste Ort außerhalb Österreichs, an dem ich je gelebt habe, und es ist auch der Ort, an dem ich viele Leute traf, mit denen ich heute noch befreundet bin. Allein loszuziehen und all diese neue Musik zu entdecken. Zum ersten Mal entdeckte ich dort die Clubkultur für mich selbst; ich ging ins Concorde2 und Patterns (das früher Audio hieß) und ins The Arch. Ich erlebte The Great Escape. Das machte mich sehr bewusst für die Vielfalt der Musik, die es gab. Ich erinnere mich, dass ich 2014 zu meiner ersten Grime-Nacht im Concorde mit Elijah & Skilliam, Novelist und ein paar anderen ging. Es war so ein schöner Ort, Teil einer Clubszene zu sein, bevor alle ständig ihre Handys rausholen. Dort habe ich auch meinen jetzigen Manager Luke kennengelernt. Es gab eine Menge großartiger Leute in Brighton, und es hat definitiv zu meiner Prägung in der Clubkultur beigetragen.
Wie fühlt es sich an, zu Veranstaltungsorten in Brighton zurückzukehren, zu Orten und Treffpunkten, die du als Clubgänger besucht hast?
Ich habe eine Weile nicht in Brighton gespielt, aber wenn ich dort auftrete, ist es immer interessant zu sehen, wie sich die Stadt im Lauf der Zeit verändert. Brighton ist eine große Studentenstadt, deshalb ist es faszinierend, die Entwicklung junger Leute und ihres Geschmacks zu beobachten. Es fühlt sich an wie die Rückkehr in ein altes Zuhause, durch The Lanes zu gehen und an meine Studententage zu denken.
Wo hast du dich zum ersten Mal frei gefühlt, dich völlig auszudrücken?
Im Vereinigten Königreich, besonders in Manchester, habe ich mich frei gefühlt, ich selbst zu sein. Aus Österreich kommend, das eher konservativ ist, hat mir die kulturelle Vielfalt des UK ermöglicht, meine Identität zu entwickeln und die Person zu werden, die ich sein wollte. Es gibt nicht viele Länder in Europa, die diese Vielfalt bieten. Manchester war dabei super wichtig. Ich lebe jetzt seit einem Jahrzehnt hier, fast mein ganzes Erwachsenenleben. Ich sehe die Stadt als den Ort, der mich zu dem gemacht hat, der ich bin.
Wie fühlst du dich dabei, einen Fabric-Mix zu veröffentlichen? Das festigt deinen Platz in der Clubmusik…
Ehrlich gesagt bin ich einfach aufgeregt und bereit, mich von dem, was ich zuvor gemacht habe – dem letzten Album – zu verabschieden und weiterzugehen. Ich habe es geliebt, TRUE MAGIC zu machen. Ich liebe es, es zu spielen, aber im Kern bin ich immer noch die Person, die Tanz- und Clubmusik liebt. Ich möchte, dass die Leute die ganze Bandbreite der Musik sehen, die mich produktionstechnisch und als DJ beeinflusst hat, also bin ich wirklich gespannt. Jetzt, wo die Club-Saison wieder mit längeren Sets beginnt, ist es spannend, auch neues Talent zu präsentieren – genau das mache ich auf dieser Compilation.
Wie bist du an die Zusammenstellung des Fabric-Mixes herangegangen?
Für mich war es die Frage: „Wie bekomme ich viel Tanzmusik, die ich mag, in eine Stunde?“ Ich liebe Deep House, French House und Chicago House. Ich liebe Hard Groove. Ich wollte viele meiner Tanzmusikinteressen in eine Stunde packen und das Tempo langsam wie ein DJ-Set aufbauen. Ich wollte, dass sich dieser Mix wie etwas anfühlt, das man tatsächlich in einem Club hören würde. Viele Tracks sind so gelegt, dass zwei Stücke gleichzeitig geschichtet werden. Es gab einige Tracks, die ich unbedingt reinbringen musste, das Kerri-Chandler-Stück und Sedat The Turkish Avenger’s „Feel Inside“, das mir so viel bedeutet, weil es eine der ikonischsten French-House-Veröffentlichungen ist. Viel davon sind ältere Sachen, die ich schon lange mag, einige meiner Lieblings-House-Titel. Ich wollte den Leuten einige der weniger bekannten Dinge von vor zwanzig Jahren zeigen, die ihnen vielleicht nicht vertraut sind, gemischt mit neuerem Material.
Hat sich dein Sound im Laufe der Jahre bewusst weiterentwickelt?
Nichts davon war wirklich so geplant. Ich hatte keine Ahnung, dass das Album so klingen würde, wie es klingt, und ich habe auch nicht das Gefühl, dass irgendwelche Schritte, die ich in den letzten fünf oder sechs Jahren gemacht habe, absichtlich waren. Ich denke, sie waren ein Spiegel dessen, wo ich im Leben war. Es war eine ziemlich wilde Reise.
Nach TRUE MAGIC und der Deluxe-Version ein bisschen später wollte ich das Gegenteil machen. Ich habe eine Menge Clubnummern ohne Gesang produziert, speziell für den Club gebaut. Ich bin die Art Mensch, die immer denkt „das Gras ist auf der anderen Seite grüner“. Wenn ich ein Album mache, das voller Pop-Features ist, wünscht sich ein Teil von mir wirklich, an einer richtig dunklen, clubbigen EP zu arbeiten, aber ich habe ADHS und will einfach ein bisschen von allem machen. Ich denke, so ist die Entwicklung passiert.
Welcher Track, den du produziert hast, ist dein Lieblingsstück, und welcher ist dein Lieblingsstück auf dem Fabric-Mix?
Ich war schon immer der Typ, der denkt, das zuletzt Gemachte sei das Beste, was ich gemacht habe, also ist es momentan „Double Luxury“, weil es soulfulle und clubbige Elemente gut ausbalanciert. Es war das erste Mal, dass ich diesen Sound für mich wirklich getroffen habe, also bin ich sehr stolz darauf.
Mein Lieblingstrack auf dem Fabric-Mix ist „Infatuation“ von Olav Basoski, der ursprünglich 1999 auf einer EP der „Samplitude“-Serie erschien. Im Grunde sampelt er dort einfach eine Menge Platten. Wenn man diesen Track hört, versteht man, warum meine Musik so klingt, wie sie klingt. Er hat diesen super frischen, spaßigen Sound.
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Wie haben sich deine Karriere und deine Musik von 2019 bis heute verändert?
Nun, 2019 hatte ich Glück, wenn ich vielleicht vier Gigs im Monat gespielt habe – das wäre ein richtig guter Monat für mich gewesen. Das war vor dem Lockdown. Die meisten Leute, die später auf mich aufmerksam wurden, haben mich nach dem Lockdown kennengelernt. Ich habe damals nicht wirklich straight-up House gemacht; es war eher leftfield, und ich hatte mich noch nicht wirklich etabliert. Ich denke, „Condition“ war die Brücke zwischen dem älteren Zeug, das ich gemacht habe, und dem, was jetzt ist. Während des Lockdowns wurde mir klar, dass ich mich auf das, was ich mache, konzentrieren muss.
Nach dem Lockdown wurde ich viel öfter gebucht und habe meinen Geschmack als DJ verfeinert, und „True Magic“ wurde das Spiegelbild dessen, wer ich als Produzent und DJ war. Voraus zur Fabric-Compilation jetzt – ich spiele mehr Shows als je zuvor. Das hätte ich vor sechs Jahren nicht machen können. Mein Geschmack hat sich so sehr verändert.
Was begeistert dich an der aktuellen Clubszene? Gibt es Communities oder Künstler, die Sachen vorantreiben und dich inspirieren? Fühlst du dich auch in der Verantwortung, andere zu inspirieren?
Ich denke, es ist ein bisschen von beidem. Meine Existenz als DJ inspiriert, wen auch immer sie inspiriert, aber es ist so inspirierend, jüngere Produzenten zu sehen, die Sachen machen. Jüngere Produzenten haben den Vorteil, dass sie in ihrer Kreativität unverdorben sind. Sobald man öfter gebucht wird, wird die eigene Musik oft etwas langweiliger, weil man in eine Form gepresst wird, die das Clubpublikum zufriedenstellt. Ich habe das so oft gesehen, und es ist mir auch passiert. Ein neuer Produzent, der Tanzmusik nur von YouTube, Spotify, TikTok usw. kennt, wird sie anders angehen als ein Veteran. Das ist es, was einige der interessantesten Musikstücke hervorbringt; Ideen, die so spannend sind und vielleicht nicht einmal für den Club geeignet sind.
Wenn man nach Amerika, Japan und Teile Asiens geht, sieht die Dance-Music-Industrie ganz anders aus als hier. Die Standards des DJings in Japan zu sehen – Sachen auf die absurdesten Arten gespielt zu hören – ist wirklich inspirierend. Die Dance-Szene in Japan ist überhaupt nicht groß, aber sie sind sehr stolz auf sich. Jeder, der auf Tour in Asien war, wird dasselbe sagen; sie kommen zurück und denken: „Wir müssen hier besser werden.“ Es ist einfach so interessant, an Orte zu kommen, wo die Szene noch nicht so ausgeprägt ist, und all die frischen Ansätze zu sehen.
Was ist die Idee hinter deinen Infinite Passion-Clubnächten und dem Handyverbot?
Ich denke nicht, dass Handys der Tanzfläche etwas hinzufügen. Meistens ist es: „Mein Lieblings-DJ spielt meinen Lieblingssong… ich muss das filmen.“ Das musst du wirklich nicht. Es wäre besser, das Handy wegzupacken, diesen Moment mit deinen besten Freunden oder sogar mit einem Fremden zu erleben. Gib dich diesem Moment hin. Es gibt keinen einzigen Moment, der dadurch besser wird, dass man den DJ vor sich durch das Handy einer anderen Person beobachtet.
Ich habe so viele Gespräche mit Leuten aus Techno, Garage, Tech-House geführt; alle erleben dasselbe, und es nimmt den Spaß weg. Je mehr Leute ihre Handys dabei haben, desto weniger tanzen die Leute. Ich bin wirklich gesegnet mit meinen Crowds und hatte nie ein riesiges Problem mit Handys, aber ich denke, es macht einen Unterschied, wenn man den Leuten sagt, sie sollen sie nicht benutzen. Dann sind sie viel achtsamer gegenüber dem Raum, in dem sie sind. Tanzflächen sind ein Ort, an den man geht, um sich auszudrücken und alles andere draußen zu vergessen. Es ist ein Ort, an dem man nicht verurteilt wird. Ich möchte, dass „Infinite Passion“ dafür Raum bietet.
Welche Ratschläge würdest du jungen Produzenten geben, die inspiriert sind, Musik zu machen?
So klischeehaft es klingt: Sei die beste Version von dir selbst. Ich denke, wenn man anfängt, Musik zu machen, neigt man dazu, die Leute zu kopieren, die man gerne hört. Das ist eine sehr gute Art zu lernen, wie man produziert, um ein besseres Verständnis für Techniken zu bekommen. Dann findest du heraus, welchen Sound du machen willst – das kommt alles natürlich. Wenn es etwas gibt, das du wirklich rüberbringen willst, bleib dabei. Es kann ein Jahr dauern, es kann zehn Jahre dauern. Wenn du nicht tust, was du tun willst, wirst du es schnell satt haben.
Jeder einzelne meiner Producer-Freunde, die mit dem, wo sie jetzt sind, zufrieden sind, wird dir sagen, dass sie nur glücklich sind, weil sie an dem festgehalten haben, was sie tun wollten. Vielleicht hätten sie mit anderen Dingen mehr Erfolg gehabt, aber persönliches Glück muss an erster Stelle stehen. Andernfalls ist es miserabel, weil man so viel von sich in seine Musik steckt; sie ist etwas zutiefst Persönliches und ein direkter Spiegel dessen, wer man ist.
Meine Karriere war ein so langsames Aufflammen. Ich bin seit 13 Jahren salute, und in den allermeisten dieser 13 Jahre hat sich kaum jemand für mich interessiert, und viel davon lag daran, dass ich persönlich nicht wusste, was ich tue. Wenn du herausfindest, was du tun willst – etwas Einzigartiges an dir – werden die Leute kommen. Es kann eine Weile dauern, aber Geduld ist ein großer Teil davon.
Was ist für dich der Sinn des Lebens, und wie hat er sich verändert?
Ich denke, das Leben ist ein ständiges Geben und Nehmen. Du gibst etwas hinein und bekommst etwas heraus, sei es Musik, Kunst, Liebe oder das Leben im Allgemeinen. Du gibst und du nimmst. So viel zu geben, wie du kannst, wird dir die besten Erträge einbringen. Das Leben besteht nicht darin, sich darauf zu konzentrieren, was du bekommst, sondern darauf, was du hinausgibst, und sicherzustellen, dass es gut ist. Das ist mir in den letzten Jahren deutlich geworden: Indem ich einen Teil von mir mit meiner Musik in die Welt gebe, habe ich all diese erstaunlichen Dinge zurückerhalten.
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Text: Harvey Marwood
Foto: Riya Hollings
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