Es gibt Rock‑Ikonen, und dann gibt es Bruce Springsteen. Nicht ohne Grund als „The Boss“ bekannt, hat er sich an die Spitze der Popkultur gearbeitet und dabei unzählige Gold‑ und Platinplatten angehäuft. Mitreißende, die Fäuste in die Luft treibende Hymnen wie „Born To Run“ und „Dancing In The Dark“ haben Millionen unterhalten, doch es gibt eine andere Seite des New‑Jersey‑Idols, eine Dunkelheit, die an die Oberfläche steigt auf seinem kargen Meisterwerk von 1982, „Nebraska“.
Ein gewaltiger 180‑Grad‑Schwenk zu seinem vorigen Werk, „Nebraska“ ließ die Plattenbosse fassungslos zurück – ein blutdurchtränkter Liederzyklus der Verdammnis zwischen den Ruinen des industriellen Amerikas; er traf Bruce Springsteen in einer tiefen Lebenskrise. Doch durch die Entscheidung, Hilfe zu suchen – kurz darauf begann er eine Therapie – und durch sein Engagement für das Handwerk fand Bruce Springsteen die Kraft, voranzukommen, zu noch größeren Höhen.
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Der neue Film Springsteen: Deliver Me From Nowhere erweckt all das zum Leben. Locker adaptiert aus Warren Zanes’ Buch von 2023 wurde er von dem lebenslangen Springsteen‑Fan Scott Cooper inszeniert. Der Regisseur gibt offen zu, phasenweise von „Nebraska“ besessen gewesen zu sein – ein Ort, sowohl der Zuflucht als auch der Inspiration; er hörte es leise in Endlosschleife, während er frühere Werke wie Crazy Heart, Black Mass oder den unterschätzten revisionistischen Western Hostiles gestaltete.
„Für mich erinnert es an die Kraft der Ehrlichkeit“, erklärt der Filmemacher. „Es kam zu der perfekten Zeit in meinem Leben, als Teenager, der unglaublich desillusioniert und unsicher über seinen Platz in der Welt war. Aber jedes Mal, wenn ich es hörte, veränderte sich meine Beziehung dazu. Ich hörte es in meinen tiefsten und in meinen höchsten Momenten, und doch war ich immer auf lyrischer und klanglicher Ebene verbunden.“
Ein Album mit einem gewichtigen Platz in Springsteens Katalog entstand in einer schwierigen Phase seines Lebens, als der Songwriter schmerzhafte Kindheitserinnerungen ausschachtete. Wie der Film so eindrücklich zeigt, war der Vater des Musikers – Douglas, eindrucksvoll gespielt von Stephen Graham – distanziert, zeitweise missbräuchlich und fand es nahezu unmöglich, auf liebevolle Weise zu seinem Sohn eine Verbindung herzustellen.
„Es ist das härteste Drehbuch, das ich je schreiben musste“, betont Scott. „Wie macht man cineastisch einen Mann, der in einem Zimmer sitzt und sein persönlichstes Album schreibt? Und wie macht man cineastisch etwas, das unausgesprochen ist?“
„Ich überlasse es anderen zu sagen, ob mir das gelungen ist“, fügt er hinzu. „Ich werde sagen, dass zwei Menschen, die mir am wichtigsten sind, das Gefühl haben, dass ich es eingefangen habe – Bruce Springsteen und Jon Landau.“
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Sowohl Springsteen als auch sein langjähriger Manager Jon Landau waren an der Entstehung des Films beteiligt – sie sprachen mit dem Team, halfen bei Faktenprüfungen für das Drehbuch und wohnten bestimmten Drehs bei. Für Stephen Graham war die Einbindung des Sängers entscheidend, um die Wahrheit und die Nuancen seiner Figur herauszuarbeiten, eines Mannes, der von Erwartungen erdrückt wird und dem Gefühl des Scheiterns, das vom Leben der Arbeiterklasse in Amerika erzeugt wird.
„Es steht auf dem Papier“, sagt der Schauspieler gegenüber Clash. „Man nimmt, was auf dem Papier steht, führt Gespräche mit Scott und versucht so ehrlich wie möglich – persönlich – zu sein, um Bruces Vater zum Leben zu erwecken und die Wahrheit zu finden, an die ich anknüpfen kann. Es ist Vertrauen in meinen Regisseur – das hatte ich uneingeschränkt. Ich liebe Scott, er ist ein großartiger Regisseur, und ich war schon immer ein großer Fan seiner Filme. Wir sollten vor ein paar Jahren zusammenarbeiten, aber leider passten die Termine nicht. Es war also eine wunderbare Gelegenheit, diese Chance noch einmal zu bekommen.“
„Ich erinnere mich, er hat sich bei mir gemeldet und gesagt: Schau, ich habe das Drehbuch geschrieben, ich habe mit Bruce gesprochen, und als ich diese Figur schrieb, hatte ich dich im Kopf. Es ist keine riesige Rolle, aber du kannst das Gewicht, die Pathos und das Herz in die Rolle bringen, das gebraucht wird. Also dachte ich sofort – wow, okay, alles klar! Das ist eine wunderbare Sache, die man gesagt bekommt. Und dann ist es einfach, an die Wahrheit der eigenen Erfahrungen anzuknüpfen, während man den Elementen treu bleibt, die da sind.“
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Jeremy White übernimmt die zentrale Rolle, und seine Ausstrahlung hebt Deliver Me From Nowhere auf einen ganz besonderen Platz. Die Menschen am Set und hinter der Kamera waren täglich hypnotisiert von der Verwandlung des Schauspielers, der die Sphäre Bruce Springsteens vollends einnahm.
Regisseur Scott Cooper ist tief beeindruckt. „Ich glaube, Jeremy White hat den Drahtseilakt verstanden, Bruce Springsteen zu verkörpern“, sagt er. „Wie stellt man Bruce Springsteen dar, auf eine Weise, die ehrlich und wahrhaftig ist, aber dem Publikum zugleich erlaubt, das zu behalten, was es an Bruce liebt? Denn die Leute werden mit vorgefassten Vorstellungen davon kommen, wer Bruce Springsteen ist!“
„Ich denke, Jeremy White macht das großartig. Es ist keine Imitation. Es ist kein Mimikry oder Cosplay, weil er Bruces Essenz und seinen Geist verkörpert. Ehrlich gesagt wusste ich nicht, dass er so gut singen kann, und ich wusste nicht, dass er an den Punkt kommen würde, an dem er sich wie Bruce bewegt. Er spricht wie Bruce. Er singt wie Bruce. Ich meine, er ist einfach ein unglaubliches Talent.“
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Einer der zentralen Punkte des Films ist die aufblühende Beziehung zwischen Bruce Springsteen und der fiktiven Faye Romano, einer Kompositfigur – und mehr – aus vielen Frauen, mit denen der Sänger in jener Zeit in Kontakt stand. Odessa Youngs Darstellung einer Arbeiterinnenfrau, die sich in den Rock‑Star verliebt und versucht, ihn zu erreichen, liefert dem Film einen seiner bewegendsten emotionalen Bögen.
Als lebenslange Springsteen‑Fanatin – ihr Lieblingsalbum ist, falls Sie fragen, „Darkness On The Edge Of Town“ – schätzte die australische Schauspielerin Odessa Young die Herausforderung, Faye zum Leben zu erwecken. Sie arbeitete unermüdlich mit Dialektcoaches, um die Feinheiten des New Jersey der frühen Achtziger zu treffen, und griff auch auf den Geist von Springsteens eigener Arbeit – und seiner Darstellung von Frauen – zurück, um Faye zu formen.
„Definitiv mehr als die realen Personen“, merkt sie an. „Bruce ist ziemlich vage, und er respektiert die Privatsphäre der Menschen, aber er hat genug über die Personen in seinem Leben geschrieben. Ich konnte zu diesen frühen Alben zurückgehen – viele Leute hießen Mary – und kleine Ausschnitte herausziehen.“
„Letztendlich hatte die Figur auf dem Papier für mich schon viel Kraft und erklärte sich von selbst. Jeremy zum Beispiel hat eine spektakuläre Menge an Recherche und Arbeit geleistet. Aber ich dachte: Nein – ich verstehe alles schon auf dem Papier!“
Eine nächtliche Karussellfahrt wird wunderschön porträtiert – auch wenn sie, wie sie sich erinnert, von kalten Atlantikwinden durchzogen war – während Fayes Rolle als Mutter zärtlich herausgearbeitet wird. „Der Kontext, dass sie Mutter ist, ist sehr wichtig. Sie ist Teil einer Familie. Die Einheit, die sie mit ihrer Tochter bildet, ist der wichtigste Teil ihres Lebens. Wenn sie diesen Mann trifft, der verschobene Prioritäten hat – zu der Zeit klärt er diese noch – hat sie bereits eine gescheiterte Beziehung hinter sich und musste untersuchen, warum sie scheiterte, und ich glaube, sie hat daraus mehr verstanden, was sie von einem Partner in einer Beziehung wollte und brauchte. Weil sie auf diesen Wegen nicht zusammenpassten, funktionierte es nicht. Auf jeden Fall ist Muttersein ein riesiger Teil davon.“
Letztlich – und das ist kein Spoiler – endet es für den depressiven Rockstar und seine New‑Jersey‑Geliebte nicht mit einem „und wenn sie nicht gestorben sind…“. Faye bekommt einige der besten Zeilen des Films, wenn sie die Löcher im emotionalen Gefüge des Songwriters aufdeckt. Wie Regisseur Scott Cooper es ausdrückt: „Faye soll jemand sein, der unerwartet in und aus Bruces Leben tritt, aber wenn sie Bruces Leben verlässt, ist das Teil eines Musters. An diesem Punkt im Film macht Bruce die tiefe, schmerzhafte Ausgrabungsarbeit, um sich mit dem ungeklärten Trauma seines Vaters auseinanderzusetzen. Also bis er diese Arbeit getan hatte, war er nicht in der Lage, wirklich der Partner zu sein, den jemand wie Faye verdient hätte. Und Faye macht Bruce die Dinge vor, die er tut, auf eine Weise, wie es sonst niemand tut.“
„Bruce sagte zu mir: Scott, ich würde jemanden sehen und mich dann einfach unerklärlich zurückziehen. Heute nennen wir das Ghosting… er würde sich einfach zurückziehen und ihnen keinen Grund geben, weil er dem nicht Ausdruck verleihen konnte.“
Das heißt aber nicht, dass es hier keine freudigen Momente gibt – besonders die legendären After‑Hours‑Rock’n’Roll‑Sessions im New‑Jersey‑Club Stone Pony. „Ich meine, es war unglaublich!“, ruft Odessa aus. „Es passierte alles praktisch real. Wenn man die Reaktion auf eine Show auf der Bühne sieht, dann deswegen, weil wirklich eine Show auf der Bühne stattfand. Es fühlte sich wirklich elektrisch an, als wäre man tatsächlich bei einem Konzert.“
„Bruce ist dafür bekannt, so großzügig mit seinen Fans zu sein. Da gibt es diese großartige Geschichte, wie er zu Thanksgiving mit einem Fan ging, nur weil dieser ihn darum gebeten hatte!“, fügt sie hinzu. „Er macht Musik für Menschen, die er fühlt, die verstehen, was er durchmacht.“
„Was ich so an Faye liebe, ist, dass sie unglaublich direkt ist, sehr ehrlich, sie hat eine sehr reine Absicht, und die Absicht ist nicht, den großen berühmten Rockstar dazu zu bringen, sich in sie zu verlieben; die Absicht ist herauszufinden, was passiert, wenn sie genug von sich selbst in diese Situation einbringt und versucht, eine Beziehung aufzubauen. Ich liebte die Beziehung. Besonders im Kontext der üblichen Biopic‑Beziehungsdynamik, die normalerweise durch Drogen, Alkohol oder Tourneen zerlegt wird. Das fühlt sich anders an – ihre Priorität ist die Familie, seine Priorität ist, das für sich zu klären, aber es drückt auf ihn. Ich denke, es ist eine wirklich schöne Darstellung dieser Art von Beziehung.“
Im Verlauf des Films wird Springsteens Leben dunkler, und er schafft es nicht, sich von den unter der Oberfläche lauenden Emotionen zu lösen, die ihn unter die Wellen ziehen. Die Verbindung zu Jon Landau ist entscheidend – „die Beziehung zwischen ihnen ist so tief“, erklärt Scott Cooper, „sie ist unvergleichlich“ – um dem Musiker zu helfen, irgendeine Form von Hilfe zu finden.
„Es war schwer für Bruce“, betont der Regisseur. „Das war etwas, das wir ausführlich diskutierten, weil es kein Teil von Warrens Buch ist. Aber ich sagte: Wenn wir die Geschichte erzählen wollen, müssen wir über deinen Vater und sein ungeklärtes Trauma sprechen. Man kann die Entstehungsgeschichte von ‚Nebraska‘ nicht ohne seinen Vater erzählen, denn er ist die emotionale DNA des Films.“
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Bruce Springsteens Vater war selbst eine verlorene Seele, und der Film enthält einen berührenden Moment der Versöhnung, in dem Douglas endlich die Worte findet, die er sich so lange gewünscht hatte, die er aber nie zuvor artikulieren konnte. Es ist eine herausfordernde Rolle – der Film beginnt mit dem Vater als Monster, einer düsteren Szene unaufhörlicher Dunkelheit, die Stephen Graham in einen psychologisch fordernden Raum drängte.
„Ich will nicht wie ein Arschloch klingen, aber es geht um das Wesen des Seins“, sagt er. „Es geht darum, sich zu entspannen und im Moment zu sein, was ja das Wesen jeder Aufführung ist. Es geht darum, es mehr nach innen zu bringen. Ich habe viel Empathie für Doug. Wenn ich also für eine Minute in seiner Haut sitze… da ist eine Traurigkeit, die ich mir nur vorstellen kann, dass er sie fühlte. Und ich bin an diesem Ort gewesen. Zum Glück bin ich heute nicht mehr dort – das hat viel Arbeit gekostet und es hat viel Zeit gedauert –, aber ich kann mich noch dorthin hinabversetzen, dann wieder hochkommen, abschalten, und mit Leuten ein schönes kleines Lachen haben! Und das ist es, was ich tun kann.“
„Das Schlussstück spricht für Bruces Demut und seine Würde“, erklärt Stephen Graham. „Er durchlief diesen Schmerz und seine eigene Reise. Er durchlief seine eigene Depression – und er konnte es nicht ganz verstehen – aber als er diesen Prozess durchmachte, hat er am Ende die Fähigkeit, Empathie für seinen eigenen Vater zu finden. In gewissem Sinne geht die letzte Szene um Vergebung füreinander und um das Übernehmen von Verantwortung.“
Der britische Schauspieler fügt hinzu: „Das ist eines der einzigartigen Dinge, die wir haben – als Künstler und Schauspieler – dass wir uns selbst einen Spiegel vorhalten und sagen können: Schaut euch das mal an.“
Mit einer kraftvollen Botschaft zur Bewusstseinsbildung für psychische Gesundheit und wie das Erledigen dieser Arbeit, wie man sagt, intergenerationale Schmerzzyklen durchbrechen kann, wirkt Springsteen: Deliver Me From Nowhere auf mehreren Ebenen. Während die Stärke seiner Themen nicht zu übersehen ist, ist es zugleich ein liebevoller Liebesbrief an das Werk einer der führenden Stimmen Amerikas.
„‚Nebraska‘ ist das punkigste Album, das Bruce Springsteen je gemacht hat“, sagt Scott an einer Stelle zu mir. „Nicht im Sound, natürlich, aber im Geist. Es ist ein Raum, in dem Ehrlichkeit ein Ereignis sein kann und Verletzlichkeit etwas, das gefeiert werden sollte.“
Man hat das Gefühl, Scott Cooper hat damit seinen eigenen eindrucksvollen Film geradezu perfekt zusammengefasst.
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Springsteen: Deliver Me From Nowhere ist jetzt im Kino.
Worte: Robin Murray
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Es gibt Rock‑Ikonen, und dann gibt es Bruce Springsteen. Nicht ohne Grund als „The Boss“ bekannt, hat er sich mit voller Energie an die Spitze der Populärkultur vorgearbeitet,