El aclamado cantautor y pianista de Chicago Neal Francis ha sido durante mucho tiempo un defensor de preservar la atemporalidad en su música: sus obras alcanzaron el punto óptimo entre la grabación analógica corroída, la composición clásica y los extensos homenajes a actos antiguos con las abstracciones suficientes para impulsar su sonido hacia adelante. 'Return To Zero', el primer lanzamiento de álbum de Francis en más de tres años, lleva su paleta retroreferencial a alturas más jazzísticas y cromáticas; fusionando intrincados riffs de guitarra y altísimas armonías con exuberantes ritmos de conversación corporal que incorporan los elementos residuales del disco, el funk y el rock de arena de los 70.
Neal Francis, el último artista en unirse a nuestro club de Fundaciones, busca en sus archivos una selección curada de álbumes que han inspirado su educación y evolución musical.
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Funkadelic-Llevémoslo Al Escenario
Este fue el primer disco de Funkadelic que compré, y me quitó la virginidad musical. Probablemente lo compré cuando tenía alrededor de 16 o 17 años, coincidiendo con mis primeros experimentos con marihuana, y se convirtió en la banda sonora de abandonar la escuela con mis amigos fumadores. Al igual que Sly Stone, George Clinton era experto en crear una síntesis de rock, pop y funk. Pero a diferencia de muchas de las cosas de Sly y Stevie que escuché en ese momento, Funkadelic tenía un ambiente de fiesta más duro que realmente despertó mi curiosidad (todavía no había profundizado en 'There's a Riot Goin' On'de Sly).
La pista uno, 'Good to Your Earhole' me agarró por el cuello. Es un puntal confiado, derribando la puerta con un ritmo de baile inquebrantable mientras Eddie Hazel reparte un solo de guitarra Hendrixesco apedreado sobre todo el asunto. Todos los ingredientes de la receta Funkadelic están en su punto más fresco en este disco. Canciones infantiles sucias, actualizaciones electrificadas de Doo-wop del sonido anterior del Parlamento de Clinton ('Be My Beach'), riffs de guitarra súper pesados ('Sin Cabeza, Sin Pase entre Bastidores') y la exploración obligatoria del teclado de Bernie Worrell ('Atmosphere'). Últimamente realmente he estado tratando de captar licks de este disco en la guitarra. Tengo todas las expectativas de que volveré a este LP durante muchas más décadas por venir.
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Harry Nilsson-Nilsson canta Newman
Recuerdo vívidamente la primera vez que escuché este álbum. Fue hace más de una década en Nochebuena, y estaba bebiendo en un bar llamado Skylark en el vecindario Pilsen de Chicago. La calle de afuera estaba nevada y tranquila. Este disco estaba sonando y conectó con mis emociones en ese momento de manera tan visceral que nunca lo olvidaré. Me sentía triste pero feliz de tener una cerveza en la mano, que encapsula la melancolía bucólica de temas como 'I'll Be Home', 'Dayton Ohio 1903' y 'So Long Dad'. Aunque había sido fanático de Randy Newman durante un tiempo, Harry Nilsson aún había escapado de mi radar y este disco se convirtió en mi introducción a su música.
Solo el sonido de este álbum es increíble. Me encanta la forma en que la calidez apagada del piano de cola subyace a las exuberantes capas de la voz de Harry Nilsson. Tocar el piano de Newman en este disco es engañosamente simple. Sus arreglos son escasos, pero las voces son elegantes y me recuerdan a Scott Joplin. Los arreglos vocales de Nilsson proporcionan el contrapunto perfecto, su prodigioso rango le permitió llenar el espacio restante, una verdadera orquesta de un solo hombre. Todo el disco suena como un eco de un tiempo hace mucho tiempo, mucho más atrás que incluso el momento en que fue creado: un recuerdo agridulce. 'Nilsson Sings Newman' sigue siendo un gran disco para llorar.
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La Oms – Tommy
Mi papá sacó este disco y alrededor de otros 50 LP de su colección cuando yo tenía siete años y me enseñó a operar su tocadiscos. Creo que el catalizador de eso fue una ocasión en la que nos quedamos despiertos hasta tarde, viendo la televisión. Siempre he recordado lo emocionado que estaba de verlo actuar en la televisión y cómo reaccionó a todos los cameos de celebridades (Tina Turner, Eric Clapton,Elton John, Jack Nicholson). Eso realmente me comunicó que algo realmente genial estaba sucediendo en la pantalla. Me enamoré del disco y, después de haber comprado mi propia copia en CD, a los 12 años ya podía tocarlo todo en el piano.
Fue por esa época que toqué en uno de mis primeros conciertos. Me contrataron para tocar en la hora del cóctel de la boda de un amigo de la familia. En silencio comencé a tocar algunas canciones de 'Tommy', cuando uno de los papás se acercó y dijo: "¿estás tocando lo que creo que estás tocando?”. Muy pronto, todo un grupo de hombres de mediana edad se reunieron tratando de cantar y recuerdo que me dieron bastante propina. Creo que les toqué todo el disco esa noche.
Stevie Wonder-Canciones En Clave de Vida
Este fue otro de los 50 discos que mi papá sacó para mí. Recuerdo que comencé a improvisar con este disco en segundo o tercer grado. Giré obsesivamente el lado dos una y otra vez, que va desde 'Deseo' hasta 'Dolor Ordinario'. Este álbum, junto con 'Innervisions', me enseñó mucho sobre cómo tocar teclados y los diferentes sonidos que podían hacer los instrumentos de teclado. A menudo estaba toda la banda en las grabaciones, de hecho, toda la orquesta. El clavinete desempeñaba el papel de la guitarra, el sintetizador podía disfrazarse de cuerdas, cuernos, bajo o una multitud de otros sonidos ambientales.
A medida que crecí, comprendí cuán singulares eran estas obras en el contexto de la música pop, en términos de su composición y musicalidad. Pocas obras de arte tan universalmente adoradas tienen tanta integridad. 'Songs was' fue la puerta de entrada a una apreciación más amplia de la música de Stevie. 'Signed Seal Delivered', 'Music of My Mind', 'Talking Book',' Fulfillingness 'First Finale', 'Innervisions ' y' Hotter Than July 'acompañaron su propia "fase" en mi vida. A veces reflexiono sobre cómo Stevie Wonder es un regalo para toda la humanidad. Su música es una luz brillante en la oscuridad. E incluso cuando canta sobre la oscuridad, como lo hace en 'Living for The City' o 'You Haven't done Nothing', la música me obliga a moverme.
David Bowie - Hunky Dory
La primera canción de Bowie que recuerdo haber escuchado fue 'Changes', que probablemente estaba en la radio. Mi papá tenía muchos LP de Bowie (que luego heredé), pero no recuerdo que los tocara mucho en la casa cuando era niño, ya que sus gustos habían cambiado para entonces. Después de la llegada de los CD, muchas personas reemplazaron o duplicaron sus colecciones de LP con el nuevo formato, y mi papá no cayó en eso. Entonces, me enamoré de sus discos de los 70 mientras compraba lanzamientos contemporáneos en CD. Había una tienda de discos llamada Val's Halla en Oak Park a la que mi papá había ido durante décadas.
La primera vez que fui a comprar CD allí fue cuando tenía alrededor de 12 años. Entre los primeros títulos que compré estaba una antología de Bowie de dos discos llamada 'Changes', y rápidamente me fui por la madriguera del conejo, arrebatando 'Hunky Dory', su lanzamiento de 1971 que incluía la canción 'Changes'. Rápidamente aprendí a tocarlo todo en el piano y luego en la guitarra. Es difícil elegir un álbum favorito del catálogo de Bowie porque es muy fuerte y variado. Tuve una 'fase' en la que me sumergí profundamente y viví con muchos de sus discos de manera similar a como lo hice con Stevie's. 'Hunky Dory' fue el primero que conocí profundamente, por lo que siempre se unirá a los recuerdos de esa época.
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El nuevo álbum de Neal Francis,' Return To Zero', ya está disponible.
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Crédito de la foto: Jack Karnatz
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Una celebración soñadora y bañada por el sol de los placeres simples de la vida, "Oak Tree (Daydream)" de Arcy Drive nos invita a alejarnos del ruido, abrazar la nostalgia y encontrar alegría en el momento presente.
Es una mezcla potente; los aullidos desenfrenados de Tallulah Sim-Savage y la guitarra gruñona con la presencia escénica de Lola Sam y las líneas de bajo cargadas de groove. Inicialmente
El aclamado cantautor y pianista de Chicago, Neal Francis, ha sido durante mucho tiempo partidario de preservar la atemporalidad en su música: sus obras llegan al dulce