Billie Marten: «Todos los mejores álbumes se hicieron poniendo a un grupo de personajes diversos en una habitación y observando cómo se nutrían mutuamente».

      Surgió mucho más impulso para mí en Nueva York, ya que sentía que tenía que ser valiente y maravillosamente desprevenida. El ritmo de la ciudad y vivir en Brooklyn realmente marcaron un ritmo en mí que era antinatural pero satisfactorio.

      En lo lírico, tu trabajo siempre ha sido profundamente personal y marcadamente sincero. ¿Tuviste alguna vez reservas sobre renunciar a parte de ese control creativo a fuerza de colaborar? ¿O alguna preocupación de que la intensidad del sentimiento en tu escritura —tu “esencia” artística característica— se diluyera o malinterpretara?

      Sí, fue una lección para dejar ir muchas cosas. Phil [Weinrobe, productor] ciertamente ejerce autoridad en ese sentido y te empuja a hacer cosas que al principio podrías tomar por una broma —como decir “no te doy el disco hasta seis meses después de terminarlo”— pero inevitablemente te das cuenta de que todo se trata de seguir cierto proceso nuevo para ti, para ayudar a que las cosas cobren vida musicalmente. Aprendí mucho y me alegro de haberlo hecho. Diría que mi esencia ganó más voz en lugar de terminar disminuida; la banda nunca haría eso.

      Habiendo dicho eso, la pieza central del álbum, “Leap Year”, también es tu primera canción no autobiográfica; ¿de dónde surgió esta idea? ¿Crees que este estilo de escritura es algo que te gustaría explorar más en el futuro?

      Estuve enferma en la cama una tarde y surgió simplemente al trastear con mi teléfono. Hay una aplicación llamada Ioptigan que todo el mundo debería tener: está llena de antiguas bobinas de samples de todos los géneros que puedas imaginar, y el sonido de “Leap Year (puppy mix)” es prácticamente la nota de voz original que grabé. El sonido es “Folk And Other Moods”. Simplemente puse algunos acordes juntos de una manera que nunca haría en la guitarra y entonces salió una canción; fue una lección para, a veces, confiar en la estructura clásica de las cosas. Sigue la canción hacia donde te está empujando.

      El núcleo temático de “Dog Eared” parece ser de dualidad y liminalidad —de no ser ni joven ni viejo, entre etapas de la vida, y la incertidumbre que puede venir de una existencia tan indefinida. ¿Crees que la realización del álbum te ha ayudado a hacer las paces con estas preguntas bastante existenciales sobre el paso del tiempo? En tu mente, ¿es el álbum algo así como una línea en la arena, un marcador entre tu antiguo y nuevo yo?

      Creo que gran parte de la vida es sentir que estás en un espacio liminal. Tenemos tanta presión para crecer, evolucionar, conquistar año tras año, que a menudo perdemos piezas de nuestro pasado que hemos olvidado, por eso mucha de la escritura abarca mis recuerdos formativos de la infancia. Mucho de lo que escribo también trata esa sensación de estar atrapado, atascado en un abismo, que no es necesariamente un mal lugar, pero tampoco el más apacible. Tengo muchas preguntas sobre quiénes somos y por qué estamos aquí, cómo interactuamos entre nosotros y cuál es nuestra identidad central. La identidad es lo que me fascina —y que siempre está cambiando. Me gusta la imagen de la línea en la arena; es bastante acertada.

      De cara a un otoño de giras, ¿hay algo en particular que te emocione? ¿Hay algo diferente o nuevo que la gente deba esperar de esta serie de conciertos?

      Estoy realmente lista para profundizar en el álbum, y como voy a tocar con mi banda en vivo —no la banda de estudio— los sonidos serán algo diferentes. La esencia del disco definitivamente estará ahí, pero es cuestión de cómo mezclar todo el repertorio en un set que fluya por completo. Me gusta que todas las canciones estén transformándose suavemente unas en otras —hacia qué, no lo sé. Cada vez disfruto más de las giras, así que es mucho menos intimidante que antes.