Frisch von seinem kraftvollen Auftritt bei Glastonbury und gerade mit seinem bejahenden neuen Album „Self-Titled“ veröffentlicht, fühlt sich Kae Tempest nachdenklich, aufgeregt und gleichzeitig glücklich. Wichtig ist ihm jedoch vor allem, dass er sich selbst spürt.
Mitten in einem vollen Tourplan läuft Kae Tempest in der Hotellobby eines Pariser Hauses umher und sucht eine ruhige Ecke für ein Gespräch – dabei entschuldigt er sich reumütig. Der Dichter, Dramatiker, Rapper und Musiker hat seine Brille im Trubel von „Leben in Transit“ verlegt und trägt daher (widerwillig) seine Sonnenbrille. „Es tut mir so leid“, sagt er und schüttelt den Kopf. „Sie sind mein Rezept! Ich versuche nicht, ein cooler Rapper zu sein…“ Heute spricht Kae mit DIY nur wenige Tage nach seinem elektrisierenden Auftritt auf der Parkbühne bei Glastonbury, der mit einer kraftvollen a cappella-Performance des Eröffnungstitels „I Stand on the Line“ aus seinem Album abschloss. Ein entschlossener Feierakt der Hoffnung, Freude und Widerstandsfähigkeit angesichts Ignoranz und Bigotterie – er reflektiert über den Frieden, den er gefunden hat, und die Stärke, die er aus der queeren Gemeinschaft und deren Vermächtnis schöpft. „Bitte, wir müssen weiterleben. Bitte, lebt weiter. Bitte, lebt durch das alles hindurch“, drängte er, sichtbar aufgeladen mit ängstlicher, kraftvoller Energie.
„Ich wusste, dass etwas passieren würde“, erinnert sich Kae. „Ich wusste, dass ich gehoben werde.“ Versucht er zu erklären, was er an diesem Tag vom Publikum fühlte, bewegt er seine Hand, um die Form eines Unendlichkeitssymbols nachzuzeichnen: „Die Energie, die ich von den Menschen zurückspürte… es war einfach dieses stetige Gefühl, alles schien geladen und lebendig. Ich traf in dem Moment die Entscheidung, das a cappella zu beenden, und so erschreckend das auch war, wusste ich doch, dass es wichtig war.“ Kae erklärt, dass er auch sehr bewusst war, dass das Set gefilmt und im Fernsehen übertragen wurde, was ihn zusätzlich ermutigte, während der Performance seine Jacke auszuziehen. „Das hätte tatsächlich jemandes Leben retten können“, sagt er, „wenn man mich auf der Bühne sieht und sagt: ‚Bitte, lebt weiter durch das‘, mit meinen Narben sichtbar, gesund und lächelnd. Wenn ich das gesehen hätte, hätte das etwas in mir bewegt. Trotz aller Ängste, die ich habe, Menschen zu verärgern oder einen großen Gegenwind zu bekommen, weil manche meinen, mein Körper sei eine Verstümmelung oder was auch immer, weiß ich, dass das sehr wichtig ist. Es fühlte sich richtig an. Ich fühlte mich wohl, klar, verbunden und in Gemeinschaft.“ Auf die vielen schönen trans Menschen im Publikum weist er hin: „Und dann war es einfach so, verdammt, Oberkörper frei!“, lacht er. „Lass uns loslegen!“
Obwohl er sich vor diesem besonderen Auftritt verantwortlich fühlte, fügt Kae hinzu, dass das Schreiben und Aufnehmen im Studio eine andere Welt ist. „Wenn ich im Studio an der Arbeit bin, kommt mir das mit der Verantwortung gegenüber der Community nicht in den Sinn. Das ist mir im Alltag wichtig, aber wenn ich an Ideen arbeite, denke ich überhaupt nie, jemals an das Ende. Ich bin im Herzen in der Engine Room. Ich mache die Arbeit.“ Alles, woran er denkt, ist: Was will es von mir? Was soll daraus werden? Wie gebe ich ihm, was es braucht? Wie empfange ich es? Wie erleichtere ich es? Und irgendwann, wenn die Idee fertig ist, erkennt man, was man geschaffen hat. Dann bekommt man das Gefühl: ‚Vielleicht ist das für jemanden wichtig, weil ich meine Wahrheit erzählt habe.‘ Vielleicht ermöglicht es jemandem, sich selbst viel tiefer zu verbinden. Ich hoffe, es fühlt sich nicht so an, als schließt es jemanden aus. Ich möchte zutiefst, dass Menschen sich damit verbunden fühlen, die Ähnliches erlebt haben. Aber ich hoffe auch, dass Menschen, die nichts Ähnliches durchlebt haben, in irgendeiner Weise damit resonieren.“
„Wie James Joyce sagt: ‚Im Besonderen liegt das Allgemeine‘“, ergänzt Kae. „Sobald das Lied fertig ist, ist die Erfahrung, die dazu führte, eigentlich unwichtig. Jetzt ist es ein Song, und dann hast du keine Kontrolle mehr darüber.“
„Ich dachte, es wäre ziemlich mutig [den Titel ‚Self-Titled‘ zu nennen], zu sagen: ‚Das ist ein Anfang sowie eine Fortsetzung‘.“
DIY sprach vor langer Zeit einmal ausführlich mit Kae Tempest, kurz vor der Veröffentlichung seines zweiten Albums „Let Them Eat Chaos“. An dem Tag war Kae nachdenklich und reflektierend, plauderte gern über das, was er „die Mythologie des Alltags“ nannte, bei einem Pint, fühlte sich aber auch etwas unwohl, wenn es um sein eigenes Leben oder seine persönlichen Erfolge als hochgelobter Künstler ging, der in verschiedenen Medien wie Musik, gesprochenem Wort, Poesie, Prosa und Theater arbeitet.
Zehn Jahre später fällt auf, wie deutlich sich Kae verändert hat, was sich auch in seiner Musik widerspiegelt. Anstatt das Leben anderer zu erzählen und zu erforschen, ist er selbst häufig die zentrale Erzähler- und Figurenrolle in „Self-Titled“ und seinem vorherigen Album „The Line is a Curve“; obwohl er immer noch die Welt widerspiegelt in Tracks wie dem jazzigen „Til Morning“ und dem rap-lastigen „Statue in the Square“, erscheint sein Profil öfter in seinen Reflexionen. „Ich habe das Gefühl, dass dieses Album nicht mehr oder weniger offenbart als andere, aber vielleicht erscheint es einfach direkter?“ fragt Kae. „Vielleicht liegt es daran… wo ich gerade in meinem Leben stehe oder was ich durchgemacht habe – Transition ist eine riesige Sache – und das hier ist nur das, was in den letzten Jahren entstanden ist. Alben sind mein Weg, Lebensabschnitte zu verarbeiten, es kommt raus in dem, was ich erschaffe. Das ist nur ein Moment dieses Zeitraums, und alles daran fühlt sich richtig an, fühlt sich gut an, verstehst du?“ Dennoch bleibt er humorvoll selbstkritisch, was bestimmte Aspekte seiner Karriere betrifft. „Ich mag Spoken Word echt nicht“, lacht er mal, wenn er an seine Anfänge als Slam-Poet denkt. „Ich habe es verdammt noch mal nie gemocht! Und trotzdem habe ich es irgendwann gemacht.“
Wir schauen skeptisch, kaum imstande, unseren Kaffee bei dieser Offenbarung zu verschlucken. „Ich rhymte und machte Musik, und es ist wirklich, wirklich schwer, damit irgendetwas zu erreichen“, erklärt er. „Früher musste man für Auftritte bezahlen: Man bekam einen Gig, aber musste bezahlen, um auf der Rechnung zu stehen. Jedes Mal, wenn jemand hereinkam, fragte der Veranstalter, wen die Leute sehen wollten, und wenn du dabei warst, bekamst du eine Pfund.“ Er lacht. „Egal! Mein Freund meinte damals: Geh doch mal zu diesem Open-Mic in Ladbroke Grove, so ein Slam, du kannst deine Texte einfach vortragen, und wenn du gewinnst, bekommst du 100 Pfund. Ich habe gewonnen – wahrscheinlich mehr Geld, als ich in sechs Monaten Musik verdient hatte – und fing an, gebucht zu werden.“ „Es war komisch. Es war nie eine Szene, die mich wirklich angesprochen hat“, gesteht er. „Keine der Szenen, in denen ich aktiv war, fühlte sich nährend oder expansiv genug an“, fügt er hinzu. „Ich habe mich immer eingeschränkt gefühlt, weil Menschen unendlich sind und die Kreativität noch unendlicher als die Persönlichkeit. Was meine kreative Fantasie machen will… macht keinen Sinn, das in eine Form zu gießen, die nichts mit dem Gefühl zu tun hat.“ Wir erinnern uns daran, wie er fast permanent in einem alten Pub in South London, The Birds Nest, auftrat – vor dem großen Durchbruch in den Mainstream und vor der Mercury-Shortlist für sein Debüt –, wo er oft Gedichte vor vollem, ehrlich gesagt, überwiegend abgelenktem Pub rezitierte. „Der Ort war wie mein Zuhause. Ich versuchte wahrscheinlich nur, die netten Leute hinter der Bar zu beeindrucken“, lacht er. „Die ehrliche Wahrheit war, dass ich 50 Pfund für einen Poesie-Auftritt bekommen habe. Ich beschloss, wenn ich drei Gigs am Wochenende mache – in Bibliotheken im ganzen Land, in merkwürdigen Eingängen von Museen, in einer sehr lebhaften Kneipe, wo niemand Poesie hören wollte – dann würde ich meine Miete bezahlen.“ Und er seufzt, macht eine kunstvolle Atempause: „Und jeder denkt, du liebst Spoken Word.“
„Es fühlte sich an wie eine totale Flucht vor allem anderem, was ich gerade durchmachte. Es war, als würde man an einem sehr heißen Tag in kühles Wasser springen.“
Für seinen neuen Track „Sunshine in Catford“ – ein freudiger, verzauberter Moment reinen Glücks aus „Self-Titled“ – wagte Kae den Schritt und kontaktierte den legendären Neil Tennant von den Pet Shop Boys, inspiriert durch seinen Produzenten Fraser T Smith, der ihm riet, groß zu denken. „Es war fließend und wunderbar, und ich hatte das Gefühl, seine Hand auf meiner Schulter zu spüren“, sagt er. „Es ist ein wunderschönes Angebot. Wenn man an die [Pet Shop Boys] Songs aus früheren Zeiten denkt, ist [gesprochenes Wort] genau das, was er gemacht hat“, sagt er. „Das ist der ursprüngliche Sprach-Rap, das ursprüngliche A-cappella. Es war überall in den ‘80ern, du weißt, das gesprochene Interlude.“
Neben Tennant treten auf „Self-Titled“ auch die früheren Labelkollegen Young Fathers, Singer-Songwriterin Connie Constance und Alternative-Soul-Künstlerin Tawiah als Gäste auf. „Ich wollte schon immer kollaborieren, aber der Prozess war bisher ziemlich isoliert“, sagt er. „Oder ich hatte nicht die Kapazität, mich zu öffnen und zu fragen.“ Anstatt auf der Trackliste als klassische Featuring-Künstler aufzutauchen, sind Kaes Kollaborateure vielmehr im Gewebe des Albums eingewoben, bereit, entdeckt zu werden. „Das war der Traum dahinter. Es ist auf diese Weise viel aufregender!“, sagt er. „Es erinnert mich daran, wie man früher Vinyl-Notizen durchblätterte, um zu sehen, wer die Musiker waren. Bei einem John Coltrane-Album oder so, denkt man: ‚Wer ist in diesem Quartett?‘ – man musste es herausfinden. Und es macht einen irgendwie dazugehörig fühlen. Nicht, dass ich mich mit John Coltrane vergleichen würde“, lacht er, „aber das kam mir gestern in den Sinn, weil ich an John Coltrane gedacht habe.“
Viele Künstler, entweder am Anfang ihrer Karriere oder in einer entscheidenden Phase, verwenden das Konzept des selbstbetitelten Albums, um eine Aussage zu machen: Es ist eine Kurzform für die Ankunft an einem Ort, kreativ gesehen. Für Kae hat es zusätzlich eine zweite Bedeutungsebene: Er hat seinen eigenen Namen gewählt. „Das ist ein netter, kleiner Witz, für diejenigen, die es wissen“, lächelt er. „Ich fand, es ist perfekt, weil im Allgemeinen ist dein selbstbetiteltes Album die Ankunft, oder? Das ist, wenn die Leute sagen: ‚Das ist das Album, das mich zusammenfasst.‘ Meistens ist es das erste oder zweite Album, das man veröffentlicht, und natürlich, bei mir ist es Album Nummer fünf. Ich dachte, es wäre ziemlich mutig, so zu sagen: ‚Das ist ein Anfang und gleichzeitig eine Fortsetzung.‘ Ich fand es auch ein bisschen augenzwinkernd, weil wir selbstbetitelte Menschen sind.“
Musikalisch ist „Self-Titled“ kess, voller prägnanter Melodie-Hooks, die alle im Studio von Fraser T Smith am Klavier angespielt wurden. Vor der Produktion hörte Kae ständig Megan Thee Stallions „HISS“ im Loop, zusammen mit dem progressiven Hip-Hop-Künstler und Musiker von Run the Jewels, El-P. „Ich ging ins Studio und sagte zu Fraser: ‚Ich will massive, riesige Musik. Ich will, dass alles aus derselben musikalischen Quelle und den gleichen Textquellen kommt. Ich will, dass es klingt, als könnte eine Band irgendwo in einer Ecke eines Clubs all diese Musik live spielen.‘“ Die beiden nahmen hauptsächlich zusammen am Klavier im Studio auf, in einem intensiven Zeitraum von nur wenigen Monaten. „Es war für mich wie eine totale Flucht vor allem anderen, was ich gerade durchmachte, arbeitete und in meinem Leben geschah“, sagt Kae. „Es war, als würde man an einem wirklich heißen Tag in kühles Wasser springen. Das fühlte sich jedes Mal so an, wenn ich dort war. Es war erfrischend, spannend, heilend und kraftvoll. Es erlaubte mir, ständig in einem Zustand lebendiger, intensiver Freude zu arbeiten.“
„Es ist wundervoll, morgens aufzuwachen und einfach mit dem anzufangen, was immer du zu erledigen hast.“
Dieses Gefühl zieht sich durch das Album, das clevere, verspielte Mittel wie das Gespräch mit seinem jüngeren Ich in „Know Yourself“ nutzt. „Ich habe mir früher gesagt, du darfst niemals rückwärts schreiben“, sagt er. „Wenn du neue Arbeit machst, musst du vorwärts in die leere Seite schreiben: Sonst könntest du an die Idee klammern, dass deine beste Arbeit hinter dir liegt und du nicht weitermachen kannst. Das war der Aberglaube, den ich entwickelt hatte“, sagt er.
„Aber nachdem ich ‚Know Yourself‘ gemacht hatte, wurde mir klar, dass es tatsächlich okay ist, in frühere Texte rückwärts zu schreiben und sie in die Gegenwart zu bringen.“ Er denkt auch darüber nach, ältere Arbeiten zu überarbeiten. „Es wird eine neue Ausgabe von ‚Hold Your Own‘ geben, einem Gedichtband, den ich vor zehn Jahren veröffentlicht habe. Ich gehe gerade in dieses Manuskript zurück und versuche, es zu verfeinern. Alles damals: [Tempests erstes Stück] ‚Wasted‘, ‚Hold Your Own‘, alles… Ich war unter enormem Zeitdruck. Ich wollte zu viel, und vieles Schriftstellerische war schlampig, übereilt, gezwungen. Da war so viel Energie dahinter, aber ich hatte keine Zeit, es fein zu justieren oder richtig fertigzustellen.“
„Es hat eine Rohheit und Eile, die ich für nützlich halte. Es ist gut. Und ich denke, es verbindet sich mit Menschen in einer bestimmten Altersgruppe. Wenn ich ‚Hold Your Own‘ wieder anschaue, versuche ich, redaktionelle Änderungen vorzunehmen, die nicht die Perspektive von heute auf das damals Geschriebene übertragen. Ich würde diese Gedichte nicht mehr so schreiben, wie ich sie damals geschrieben habe.“
Auf „Diagnoses“ macht er einen herausstechenden Witz über die Ablehnung eines MBE, weil er Angst hat, noch mehr Buchstaben zu seinem Namen zu bekommen. „Ich finde, das Peinlichste, was man tun kann, wenn man ein MBE abgelehnt hat, ist, darüber zu reden“, lacht Kae, als wir versuchen, ihn weiter darauf anzusprechen. „Ich fühle mich einfach lucky, überhaupt zu existieren“, überlegt er. Warum „Self-Titled“ sich so mühelos in Freude sonnt, erklärt er so: „Es ist nicht leicht, durch das zu gehen, was wir durchmachen müssen – und ich meine nicht ‚wir‘ als trans Menschen, sondern ‚wir‘ als Menschheit. Es gibt so viel, was verletzen, schiefgehen kann. Deshalb bin ich einfach wirklich, wirklich verdammt dankbar für einen Moment, der so schön ist. Damit meine ich tatsächlich genau jetzt, im hier und jetzt, sitzend hier unten… Ich habe keine Ahnung, wozu dieses Stockwerk dient“, gesteht er lachend und schaut umher, auf der Suche nach Hinweisen. „Gibt’s eine Bar? Einen Billardtisch, Bilder von Leuten an der Wand, Rollschuhe… egal! Was ich eigentlich sagen will, ist, dass es wundervoll ist, morgens aufzuwachen und einfach mit dem weitermachen zu können, was immer ansteht. Es klingt verdammt abgedroschen, und es macht keinen Sinn, es laut auszusprechen, aber das Gefühl in mir ist sehr echt.“
„Self-Titled“ ist jetzt bei Island erschienen.
„Ich vertraue meinem Bauch,“ sagt Adéla. Die in der Slowakei geborene, in Los Angeles ansässige Alt-Pop-Polymathin bewertet ihre Reise durch die Musikbranche, ihre gefährlichen Fallen und
Der aufstrebende niederländische Produzent Sim Fane hat mit seiner Neuinterpretation von Nicole Bus’ „Freeline“ den begehrten Platz errungen, indem er das sinnliche R&B-Original in ein
Die Temperaturen könnten steigen, aber nichts hält Muse, Weezer, Iggy Pop und mehr davon ab, am Donnerstag die Hitze zu entfachen.
Mahalia kehrt mit ihrer neuen Single „Instructions“ zurück. Die britische R&B-Sängerin leitete ihre „Luvergirl“-Ära mit ihrer Single „Different Type Of“ ein.
Vor ihrem Auftritt beim NOS Alive-Festival in Lissabon an diesem Wochenende haben wir uns mit dem Londoner Duo getroffen, um auf ihr bisheriges Jahr zurückzublicken.
Ausgewählt von Mitch Mosk präsentiert die Editor's Picks dieser Woche Musik von Stela Cole, Breagh Isabel, Debbii Dawson, aleksiah, Royel Otis und Benson Boone!
Frisch von seinem kraftvollen Auftritt beim Glastonbury und gerade erst mit seinem bestätigenden neuen Album „Self-Titled“ veröffentlicht, fühlt sich Kae Tempest nachdenklich, aufgeregt und gleichzeitig glücklich. Vor allem aber fühlt er sich selbst.