Die geschmackssicheren Texans auf der Reise, ihren globetrottenden Sound zu finden, und warum sie keine besseren Menschen zum „harten Arbeiten“ dafür haben könnten.
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Bisher hat das Werk von Khruangbin die Zuhörer in die entferntesten tropischen Ecken der Welt versetzt, mit Thai-Funk, iranischer Psychedelia, lateinamerikanischen Vibes mit Cumbia und Flamenco und zuletzt afrikanischem Disco. Sie sind beliebt und Grammy-nominiert für ihren globetrottenden Sound. Für ihr viertes Studioalbum „A LA SALA“ suchte das Trio jedoch nach dem Komfort zuhause – und voneinander.
„Wir haben uns vermisst“, gibt der stets entspannte Schlagzeuger Donald „DJ“ Johnson aus seinem Heimstudio in Texas zu. „Wir haben die Zusammenarbeit vermisst. Nur wir drei.“
Nach der Veröffentlichung von „Mordechai“ im Jahr 2020 stieg der Bekanntheitsgrad des texanischen Trios schnell. Nicht nur wurde ihr interkontinental durchdrungener Sound zunehmend als eindeutig ihre eigene erkannt, auch die Venues wurden größer und ihre visuelle Identität opulenter. Bassistin Laura Lee ist eine eigene Stil-Ikone, die oft Interviews ausschließlich über die kitschige und eklektische Auswahl an Outfits führt, die sie jeden Abend auf der Bühne trägt. Bedenkt man, dass sie und Gitarrist Mark Speer nicht gerade zurückhaltend waren – beide tragen fast durchgehend ihre Markenzeichen-Wigs – und das auch im Zoom-Interview aus ihren jeweiligen Häusern in Oakland, Kalifornien und New York City.
Frisch nach den Kollaborationen mit Leon Bridges und Vieux Farka Toure, wollten Khruangbin wieder gemeinsam Musik machen, wie früher. Fans der Band und jene hinter den Kulissen hätten wahrscheinlich bereits vermutet, wohin die Reise gehen könnte, als würden sie auf einem rotierenden Globus die Region auswählen, aus der sie sich sonisch inspirieren lassen. Stattdessen schoben Lee, Speer und Johnson, alles außen vor lassend, einen Neuanfang ein.
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„Es gab dieses kreative Verlangen, sich zurückzuziehen, ein ruhigeres, intimere Album zu machen“, erklärt Lee, bevor Speer hinzufügt: „Ich habe mich sehr auf eine Platte gefreut, bei der man einfach nur den Verstärker anschließt. Etwas Reines.“
Die Kennzeichen von Khruangbin sind auch auf „A LA SALA“ noch deutlich sichtbar; DJ’s scharfe, so kühle wie lässige Drum-Breaks und Lees spärliches Fingerpicking verankern Speers aromatisches Gitarrenspiel. Beim Betreten des Studios war es Speers erstes Werk, das eine sanftere, nachdenkliche Richtung förderte: Er ließ das Pedalboard weg und steckte seine Gitarre offenbar direkt in den Verstärker.
„Mark spielte ‚Les Petit Gris‘, den letzten Song auf dem Album“, fährt Lee fort. „Das war der erste Song, den wir fertiggestellt haben. Es ist einfach passiert. Es hat uns alle bewegt. Für DJ und mich war es ziemlich herausfordernd. Es hat etwas Stoisques, ständig metronomartig sein zu müssen, aber es ist kein Metronom. Wir haben so lange gerackert, um sicherzustellen, dass Mark diese wunderschöne Aufnahme hat. Das war der erste Song, der auf das Album kam. Es funktioniert wie eine These. Wenn dieser Satz in diesem Absatz steht, muss der Rest auch entsprechend Sinn machen. Es sollte ein eher intimes Gefühl vermitteln.“ Es gab Raum für Kompositionen, die vor der Gründung der Band entstanden sind, wie „May Ninth“, ein Lied, das eine Rückkehr zu den Ursprüngen und die anfängliche Begeisterung für den Start einer Band widerspiegelt.
Mit den Strapazen monatelanger Tourneen und in Lees Fall Mutterschaft ist „A LA SALA“ eine Manifestation des Bandes, das sich zurückzieht und sich Zeit zum Durchatmen nimmt. Statt Zuflucht zu suchen, haben sie die Annehmlichkeiten des Zuhauses auf Tour genutzt.
Es zeigt sich ein wachsender Trend, Bühnenbilder als Erweiterungen des eigenen Zuhauses zu gestalten. In einer durch Bildschirme geprägten Welt, in der Künstler mehr von sich preisgeben denn je, sehnen sich die Fans nach dieser Form der Intimität. Schließlich gibt es kaum intimere und tröstlichere Umgebungen als das Zuhause eines Künstlers. Warum also nicht seine Geschichte erzählen?
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Für die Tour im Rahmen von „A LA SALA“ sind die oversized Discokugeln, die strenge Choreografie – teilweise eine Folge des „alten Raumschiff“-Bühnenkonzepts, wie Speer sagt – und die glitzernden Outfits Geschichte. Während ihrer Residenz im Londoner Eventim Apollo Ende letzten Jahres ermöglicht eine breite Plattform mit drei Stufen, auf denen Lee und Speer frei herumlaufen können, während sie spielen. Im Hintergrund glimmt ein LCD-Bildschirm durch drei fensterförmige Ausschnitte, der ästhetisch an eine mediterrane Herrenhaus-Optik erinnert und das Cover von „A LA SALA“ widerspiegelt.
„Wir wollten eine Show spielen, die die Leute bewegt“, sagt Lee. „Wir brauchten einen visuellen Wandel. Ich wollte keine sechs Zoll hohen Hackenschuhe tragen und ständig Outfits wechseln. Es war wirklich schön, aber jetzt bin ich Mama. Meine Prioritäten haben sich verändert. Ich möchte mehr Zeit mit ihr verbringen, statt Outfits zu planen. Wir haben uns gefragt: ‚Was ist das Gegenteil von High Heels?‘ Socken! Und genau das haben wir gemacht.“
Das Trio entspannt sich jetzt in ihrem gemütlichen, warmlich beleuchteten Umfeld, schlendert über die Bühne, so unbeschwert wie ihre Musik es erlaubt. „Mark wollte auf der Bühne eine verspielte Atmosphäre haben“, fährt sie fort. „Bei der letzten Tour wurden wir auf eine A- und eine B-Set festgelegt. Es war inszeniert, vielleicht zu regimentiert. Wir wollten mehr Freiheit. Da wurde mir bewusst, dass Blitze so schön sind, weil sie nicht synchronisiert sind. Bei den Konzerten heute wird alles mit Klick-Tracks gespielt, auch die Blitze sind auf den Klick abgestellt. Manchmal ist es so robotermäßig perfekt, dass es mich nicht mehr berührt.“
Jahre lang haben sie Covers in ihre Sets eingebaut, was sich zu einem vollständigen Medley aus instrumentalen Hip-Hop-Versionen entwickelte. Sades „Sweetest Taboo“, „Got Your Money“ von Ol’ Dirty Bastard und Kelis, Ice Cubes „It Was A Good Day“ sowie Dr. Dre und Snoop Doggs „Nuthin’ But a ’G’ Thang“ waren häufige Bestandteile. Bei ihrem ausverkauften Konzert 2022 im Ally Pally war seltsamerweise auch die Eastenders-Melodie dabei.
„In Houston bei PBS liefen immer britische Sendungen aus irgendeinem verdammt Grund. Man konnte Red Dwarf, Are You Being Served? schauen“, sagt Speer. „Da habe ich Mr. Bean kennengelernt. Und Eastenders. Dieser Rhythmus, du denkst: ‚Das wird großartig‘. Dann schaust du es an und es ist nur eine Seifenoper. Aber was für ein Titellied.“ Lee fügt hinzu, dass sie vor einigen Jahren in Hackney gelebt hat und ihre engsten Leute hier in Übersee dachten, es wäre eine schreckliche Idee. „Wir fanden es großartig“, sagt sie lächelnd.
Khruangbin entspannt sich vielleicht mehr denn je in Bezug auf Performance und Popularität. Aber mit einem anstehenden Headliner-Konzert im Londoner Gunnersbury Park sind sie sich der Verbindung sehr bewusst, die ihre Musik im vergangenen Jahrzehnt oder so geschaffen hat. Besonders, da sie eine überwiegend instrumentale Band sind.
„Ich will nicht zu viel darüber nachdenken, wie viele Leute zu diesem Konzert kommen, weil mich das völlig fertig machen würde“, sagt Speer nüchtern, als er nach ihrer Popularität gefragt wird. „Ich bin echt ehrlich zu dir.“
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Mein erstes Konzert von Khruangbin live war 2015 im 250-Personen-Venue Patterns am Brighton’s Seafront, eine Erfahrung, die Gitarrist begeistert reminiszieren lässt. „Ich fühlte mich unglaublich wohl bei Patterns. Patterns, oh Patterns. Was für eine großartige Show. Eine großartige. Ich habe so gute Erinnerungen an das Konzert, wahrscheinlich durch eine rosarote Brille. In meinem Kopf haben wir es gerockt, alle besten Songs in der besten Weise gespielt, das Publikum war fantastisch, es war nur ein bisschen schweißtreibend. In Wirklichkeit, wie viele Songs haben wir gespielt? Wir hatten nur ein Album mit Songs. Wahrscheinlich haben wir nur etwa 40 Minuten gespielt.“ Lee lacht herzlich, nachdem sie auf die Hüftbewegungen im Zusammenhang mit der engen Venue hingewiesen wird.
Damals hatten sie gerade „The Universe Smiles Upon You“ veröffentlicht. Das hochgelobte Album war einer von drei Durchbrüchen für Khruangbin, die sie zu einer echten Tourband machten. Der erste war die Aufnahme ihrer Debütsingle „A Calf Born In Winter“ auf Bonobos Edition der Late Night Tales Compilation im Jahr davor, was auch zu ihrem Plattenvertrag führte. Dann, nachdem sie bei BBC4’s Loose Ends zusammen mit Father John Misty auftraten, lud dieser sie auf Tour ein. „Wir hatten keine Ahnung, dass diese Tour uns finanziell ruinieren würde“, sagt Lee schmerzlich. „Touren kosten viel Geld, wenn man anfängt – man verdient nicht genug, um die Kosten zu decken. Wir haben alle zugestimmt, auch wenn wir es uns eigentlich nicht leisten konnten.“ Zum Glück nutzte die mexikanische Biermarke Corona „The Number 4“ für eine Werbung, die sie zwei Jahre lang finanzierte.
Die Verbindung zu Bonobo – der selbst in Brighton ansässig ist – spielt eine viel größere Rolle in Khruangbins Karriere, als nur einen Song zu präsentieren. Ohne Bonobo gäbe es Khruangbin vielleicht gar nicht.
Speer spielte vor der Gründung von Khruangbin in zahlreichen Bands und war ein Mentor für Lee, die erst kürzlich den Bass gelernt hatte. Während er in der psychedelischen Beat-Rock-Band Yppah spielte, ermutigte er Lee, sich als Bassistin zu bewerben. Sie bekam den Job. Kurze Zeit später waren sie auf Tour, unterstützend für Bonobo auf seiner US-Tour 2010.
„Ich war sofort begeistert von der ganzen Erfahrung“, erinnert sich Lee. „Mark spielte schon seit seiner Kindheit in Bands. Es war das erste Mal, dass ich in einer Band oder auf der Bühne in dieser Art spielte, abgesehen von einem Klavierrecital als Kind. Ich dachte: ‚Das ist, was ich für den Rest meines Lebens machen will‘. Ich war naiv, ich hatte gerade angefangen Bass zu spielen und wollte eine Band gründen. Zum Glück kannte ich zwei unglaubliche Musiker, die mich großartig klingen lassen würden. Glücklicherweise haben sie zugestimmt, und wir haben eine Band gegründet.“
Ein Interesse an weitreichenden Klängen führte Speer zu Blogs wie Awesome Tapes From Africa und I Love Thai Music, wo er thailändische Genres wie Luk Thung und Molam entdeckte. Lees Ansatz war eher crate-digging in Plattenläden. „Ich mache das immer noch… ich gehe einfach in Plattenläden und kaufe Sachen basierend auf dem Coverart“, bekennt sie. „Ich werde in eine Kategorie einsortiert, dann weiß ich, dass es eine bestimmte Art von Musik ist, aber manchmal denke ich: ‚Das sieht einfach großartig aus‘.“ Dabei fügt sie scherzhaft hinzu: „Es ist Glückssache.“
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Trotz all der dystopischen Berichte darüber, wie Streaming die Musiker im Laufe der Jahre beeinflusst hat, ist der Aufstieg von Khruangbin eine durchschlagende Erfolgsgeschichte.
In einer Ära der Demokratisierung und breiten Zugänglichkeit von Musik haben sie definitiv die Hörgewohnheiten geprägt. Im letzten Jahr bezeichneten sie im Interview mit der New York Times ihren Sound als „die neue Stimmungsmusik“ – was ihnen in unserem Gespräch ein wenig missfiel, als hätten sie das Thema ungeduldig abgetan – und haben unzählige Nachahmer hervorgebracht. Mit der Zunahme KI-generierter Musik könnte die Liste der „Khruangbin-Vibes“-Bands durchaus wachsen.
Mit Suno-CEO Mikey Shilman, der kontrovers erklärte, „die Mehrheit der Menschen genießt nicht die meiste Zeit, die sie mit Musik machen“, wies Khruangbin seine kühne Aussage natürlich zurück. Die meisten echten Musiker haben das wahrscheinlich auch.
„Das ist ein klassisches Beispiel für jemanden, der dorthin gelangen will, aber die Reise nicht genießt“, beißt Speer. „Das ist seine Meinung, Mann. Das ist völlig in Ordnung, aber objektiv gesehen falsch.“ Für Lee besteht der Spaß im Prozess. „Ich genieße immer die Reise“, fügt sie hinzu. „Man blickt immer durch eine rosarote Brille auf das Album und den Aufnahmeprozess, weil man danach das lebendige Ding hat. Man vergisst, dass harte Arbeit dahinter steckt. Früher wurden wir oft als ‚thai-inspirierte‘ oder ‚persisch-inspirierte‘ Musik bezeichnet. Wir dachten immer, wir wären Erd-Musik. Heute, mit KI, sind wir ‚menschliche Musik‘. Ich denke, die harte Arbeit und der Kampf sind wichtig. Kunst sollte herausfordernd sein.“
Es ist deutlich sichtbar, dass sowohl kreative Verbindung als auch Freundschaft fundamentale Bestandteile der Band sind. Sie sind während des Interviews überschwänglich in ihrer Verehrung füreinander. Vielleicht ist das gemeinsame Musizieren gar nicht so schwer, mit Freunden wie diesen.
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Khruangbin können am 15. August im Gunnersbury Park in London live gesehen werden.
Worte: Tom Curtis-HorsfallFotos: David Black / Jackie Lee Young
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