Als Pitchfork London in sein fünftes Jahr zurückkehrt, kehrt auch der „Dalston Takeover“-Abend zurück, an dem eine Reihe von Ost-Londoner Orten – EartH, The Shacklewell Arms, Cafe Oto, The Victoria und St Matthias Church – für alle geöffnet werden, die ein Armband tragen.
Während eines Abends, der sich praktisch wie eine wilde Schnitzeljagd durch Dalston anfühlt, schlängelt sich ein stetiger Strom von Festivalbesuchern zickzack zwischen den Locations auf der Suche nach Underground- und Alternative-Favoriten, mit einem Line-up, das Künstler wie Runo Plum, underscores, Jay Som, Momma und Teethe umfasst. Es scheint fast darauf ausgelegt zu sein, Entscheidungsparalyse zu erzeugen; die schwierigste Entscheidung des Abends fiel schließlich auf die Closing-Acts: Panchiko oder Indigo De Souza. Lesen Sie weiter, um zu sehen, für wen sich die Rezensentin Julia Bottoms entschieden hat.
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Renny Conti
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Der NYC-Indierocker Renny Conti ist in der DIY-Szene zu einer Art Liebling geworden. Mit einem Tenor, der an Conor Oberst erinnert, reiht sich Conti bei Künstlern wie MJ Lenderman und Alex G ein, mit schrulligen, tagebuchartigen Betrachtungen über seine Mitte 20. Seine Stücke haben einen verspielten Swing, oft gewürzt mit einem charmanten Twang der Lap-Steel-Gitarre. Heute Abend tauscht er jedoch Akustik gegen elektrischen Biss und wird von seiner Band für ein verstärktes Set im schwülen Konzertsaal des The Shacklewell Arms begleitet.
Mit dem klimpernden „South Star“ zu eröffnen bringt sofort Köpfe zum Nicken. Seine Lyrik ist offen und emotional transparent und spricht jeden an, der jemals versucht hat, Unsicherheit in Worte zu fassen. Leider wird sein Set heute Abend verkürzt, doch in den kurzen Momenten auf der Bühne hinterlässt Conti den Eindruck, ein Künstler zu sein, der kurz vor etwas Größerem steht.
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hey, nothing
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hey, nothing sind ganz sicher nicht nichts. Aus Athens, Georgia, treten das Midwest-Emo-Duo Tyler Mabry und Harlow Phillips leger in der Indie-Uniform aus weiten Jeans und übergroßem Pullover auf – nicht unähnlich 90 Prozent ihres Publikums.
Man würde denken, ein rein akustisches Set reiche nicht aus, um das EartH Theatre zu füllen, ein geräumiges Amphitheater mit fast 700 Plätzen – doch sie klingen so, als stünden sie in einer Arena. Besonders beeindruckend ist, dass ihre 2024er-EP „Maine“ in einer kleinen Hütte mitten in Maine geschrieben wurde – und dass das Set für den großen Raum transformiert wurde, zeigt, wie vielseitig das Duo ist.
Ihr Sound ist bewusst unverfälscht, die Stimmen roh und zärtlich vor Gefühl. Charmante Gesangsharmonien werden von emotional zermürbenden Zeilen wie „Ich kann es kaum erwarten, nicht nach Hause zu gehen“ in „Maine“ durchbohrt, ein Stück, das mir lange im Ohr bleibt.
Einige lebhaftere Stücke werden mit spaßigen, brummenden Riffs gespielt, doch die meisten Songs sind langsamer und tröstlich. Obwohl die Texte über Herzschmerz und Härte sinnieren, verschafft sich das Duo durch scharfen Witz im Austausch mit dem Publikum dringend benötigte emotionale Atempause zwischen den Liedern. Dennoch sind einige Tracks tatsächlich verheerend, besonders „33°“, das von hörbaren Schluchzern hinter mir begleitet wird – ein beredter Beweis für ihren mutigen emotionalen Schlag.
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underscores
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underscores liefert einen Adrenalinschub mit einem charakteristisch kühnen und hyperaktiven Set und versetzt die EartH Hall in vollen Rave-Modus. Gewaltige Glitch-Pop-Beats krachen auf Dubstep-Basslines, und das Ergebnis ist ein berauschender Kick für alle.
April Harper Grey, die Person hinter dem Namen, weigert sich, uns während des gesamten Sets ihr Gesicht zu zeigen, ist durchgehend nur von einer Stroboskopleinwand mit blinkenden Lyrics und Pixeln hinterleuchtet. Sie schleicht aggressiv mit einem Koffer über die Bühne, während ein Sturm eines großen Ventilators ihr Haar hinter sich herwehen lässt, als existiere sie losgelöst oder schwebend zwischen Dimensionen.
Auf dem zittrigen digitalen Puls von „Music“ vocodert Grey die Zeile „Letzte Nacht hatte ich einen feuchten Traum vom perfekten Lied“ und klingt halb Mensch, halb Maschine. „Johnny Johnny johnny“ und „Locals (Girls like us)“ sind weitere Publikumsfavoriten von ihrem 2023er-Album Wallsocket, ebenso wie die neu veröffentlichten Tracks „Do it“ und „Music“. Getränke und Sonnenbrillen fliegen im Moshpit durch die Luft.
In einer Post-Brat-Landschaft, in der maximalistische Internet-Core- und „Hyperpop“-Stile ins Mainstream gerückt sind, bleibt underscores herrlich schräg – sie ist süchtig machend zu hören. Seit sie mit 13 Jahren Musik auf SoundCloud veröffentlichte, zog Grey anfangs Inspiration von Künstlern wie Skrillex; ihr Stil hat sich seither deutlich mit kühnem Panache entwickelt.
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Panchiko
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Und schließlich der Hauptgang. Hunderte in Anime-Shirts gekleidete Anhänger versammeln sich in der EartH Hall in gespannter Erwartung, während die fünfköpfige Kultband von Schreien der Verehrung empfangen wird, erwachsene Männer klettern, um die Absperrung zu erreichen.
Für alle, die die Panchiko-Geschichte nicht kennen: Kurz gefasst verlief sie so: Die Band gründete sich ursprünglich zwischen 1997 und 1998, als die Kindheitsfreunde Owain Davies, Andy Wright, Shaun Ferreday und ein Schlagzeuger namens John 16–17 Jahre alt waren. Ohne Vertrag lösten sie sich 2001 auf, wurden aber 2016 wiederentdeckt, als ein anonymer 4chan-Nutzer eine verzerrte CD-Kopie einer EP in einem Oxfam-Laden fand.
Online erlangte die Band ohne ihr Wissen eine bedeutende Kultanhängerschaft, und bald war eine engagierte Suche im Gange. Fans fanden schließlich 2020 Davies' Facebook-Profil, und seitdem hat sich die Band wiedervereint und ist ausgiebig getourt. Der heutige Auftritt markiert ihren letzten Auftritt in diesem Jahr, nachdem sie den größten Teil von 2025 auf Tour waren.
Die 2016 gefundene Oxfam-CD war stark degradiert, doch diese verzerrte Qualität ist inzwischen ein integriertes Merkmal ihres Sounds. Heute Abend ist ihr charakteristisch lo-fi Shoegaze-Sound besonders grungig, mit Melodien in „Ginko“ und „Until I Know“, die von zerzausten Gitarrenlinien aufgegriffen werden. Es gibt auch viele seltsame, gummiartige Klänge und neugierige, videospielartige Riffs sowie einige ätherische Keyboard-Linien beim Fan-Favoriten „D>E>A>T>H>M>E>T>A
Alles wirkt verstärkt. Davies' Gesang trägt mehr Verzweiflung als die Studioaufnahmen, und das Schlagzeug ist besonders ungezügelt. Trotz der Wucht ihres Sounds stehen alle fünf hinter ihren Baseballcaps mit einem Lächeln, sind sehr empfänglich für das hungrige Publikum und dessen ekstatische Ausrufe der Bewunderung.
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Text: Julia Bottoms
Fotografie: Sam Huddleston / @samhuddlestonxp
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