Procedente del bullicio 24 horas de Barcelona, NIMPH está reinventando el panorama de la moda reutilizada. En busca de un ecosistema más ecológico y comunitario, la etiqueta independiente lidera con un enfoque instintivo en su proceso de producción, descubriendo un nuevo propósito para telas de stock muerto, objetos diversos y creativos hiperlocales. A su vez, cada colección desentierra una rudeza desgastada del encanto boscoso de la marca, incorporando herencia folclórica y simbolismo pagano en sus diseños.
Mostrando su trabajo a través de una pasarela/performace anual, NIMPH abraza su papel de narradora, sustituyendo colecciones por capítulos basados en conceptos. En esta ocasión, la marca se centra en temas de espontaneidad, coincidencia y destino, titulando su séptima entrega: «si está destinado a ser, así será». Utilizando materiales descartados, la colección apunta a un momento en el tiempo entre pasado y presente, inclinándose hacia cortes no convencionales: las correas quedan sueltas, los botones se cosen sobre clavículas, y la superposición se mantiene casual. El movimiento se captura en las piezas flotantes y ligeras de la marca, que contrastan la costura a medida con algodón recto y jersey pesado, una versión opuesta a la malla de aros de la Capítulo 06.
Desde su lanzamiento en 2020, NIMPH ha construido un impulso llamativo, destacando especialmente por su colaboración con la magnate de la música FKA Twigs durante su gira EUSEXUA. A través de una serie de looks hechos a medida, la marca se establece en el escenario principal, evocando el espíritu de vanguardia mediante su bandera Bennet Hood y la pesada Momo Skirt y Sofia Belt.
Para marcar este punto en la trayectoria de NIMPH, CLASH conversó con la fundadora Patty Maña para hablar sobre los primeros cimientos de la marca, el valor de modelos de producción locales y los pasos para crear un entorno creativo más alentador.
¿Puedes contarnos sobre los primeros pasos de NIMPH? ¿Qué te motivó a crear una propia? ¿Cómo describirías la visión detrás de la marca?
NIMPH nació como un espacio donde vertí mi creatividad y mi visión de un mundo donde las cosas se hacen con cuidado; un mundo donde la moda conecta con la emoción, la intuición, el entorno y la narración de historias. No fue algo planeado conscientemente; cobró vida en esos extraños días intermedios después de COVID. La marca ha crecido conmigo desde entonces. Desde el principio, la visión ha sido crear algo que hable — emocional, visual y éticamente — y dejar que evolucione de forma orgánica, como un ser vivo.
¿Cuáles son las raíces del nombre ‘NIMPH’? ¿Cómo surgió?
El nombre me llegó intuitivamente. ‘NIMPH’ se inspira en las náyades mitológicas — mujeres místicas y etéreas, profundamente conectadas con la naturaleza y su mundo interior. Son poderosas y salvajes, pero fluidas e inalcanzables. En español, “Ninfa” es la palabra, así que cambiar la ‘Y’ por una ‘I’ fue como un fallo juguetón, un guiño a mis raíces. NIMPH comenzó como un experimento espontáneo de reutilización justo después de regresar de Londres, donde estudié. Monté un pequeño estudio en la planta baja de la casa de mis abuelos y empecé a hacer piezas con lo que pudiera encontrar. Las publicaba en línea y… las cosas empezaron a fluir desde allí, como una pequeña ola tranquila.
¿Reflexionas a menudo sobre folklore y simbolismo pagano en tus diseños? ¿De dónde provienen estas influencias y cómo entran en tu proceso creativo?
Siempre me han atraído las capas emocionales y simbólicas de las cosas. Soy romántica, así que amo las historias y rituales, y disfruto buscar detalles cotidianos que otros a menudo pasan por alto. Crecer entre la ciudad y la naturaleza, cerca de Barcelona, me rodeó de referencias visuales ricas, en la arquitectura, desde balcones decorativos y cerámicas hasta las texturas montañosas naturales, el mar y las plantas salvajes. Esa mezcla realmente moldeó mi forma de ver y sentir las cosas.
Mi proceso creativo comienza usualmente revisando mi carrete de fotos, porque recojo muchas imágenes: objetos encontrados en la calle, texturas, conjuntos de desconocidos, dibujos, incluso basura. En un momento, un estado de ánimo o una frase conectan todo. Así cobran vida títulos de capítulos como Amore Hardcore del Capítulo 04 o Si está destinado a ser, así será del Capítulo 07. A partir de ahí, el mundo visual empieza a construirse siempre con unos símbolos y palabras que guían el camino.
— ¿Qué te llevó a priorizar la sostenibilidad en tu trabajo?
La sostenibilidad nunca ha sido un concepto separado para mí en la moda. Siempre ha sido parte de cómo entiendo crear. Durante una pasantía en Stella McCartney y Deborah Milner, vi cómo la moda podía ser tanto hermosa como responsable. Eso quedó grabado en mí. Creo que escoger preocuparse por cómo se hacen las cosas es un instinto natural cuando amas el proceso y a las personas involucradas. No fue un punto de inflexión dramático, sino una convicción callada que se fue haciendo más fuerte con el tiempo, y cuando llegó el momento, ya estaba allí.
¿De qué formas crees que la Capítulo 7 conecta con su ciudad natal, Barcelona?
La paleta de colores, los materiales y los estampados de la Capítulo 7 están profundamente influenciados por Barcelona. Hay algo en la luz polvorienta, la gravedad de la ciudad en contraste con el azul… Los motivos principales de la colección, presentes en los sudaderas con capucha, vienen de una cerradura en Barcelona. La ciudad no es ruidosa en este capítulo, pero está allí, respirando suavemente entre los colores y las costuras.
¿Qué te gusta del formato de capítulo y cómo se alinea con tu forma de crear?
El formato de capítulo me permite tratar cada colección como un momento en el tiempo. Un reflejo de dónde estoy emocional, visual y creativamente. Da estructura, pero también espacio para respirar y evolucionar. Cada capítulo tiene su propio ambiente, su pequeño universo, pero todos pertenecen a la misma historia. Es algo personal, y eso es importante para mí.
En esta nueva era, te enfocas en el concepto: ‘si está destinado a ser, así será’. ¿Algún momento en tu trayectoria que refleje esta filosofía?
El año pasado tuve un encuentro muy especial con alguien de mi pasado, completamente inesperado, y me hizo sentir la magia del timing y la conexión. No tenía muchas certezas en ese momento, pero estuve abierta y seguí esa sensación, que luego me llevó a sentirme inspirada y lista para desarrollar la colección… Ese mantra también refleja cómo trabajo con los materiales. Las telas que encuentro, los botones, los objetos… siempre parecen llegar justo cuando deben. A veces, moldean más la colección que yo misma. Solo tengo que estar presente y prestar atención.
— ¿Hubo aspectos del proceso creativo que surgieron de manera inesperada?
Definitivamente. ¡La mayoría de las telas clave de esta colección llegaron de manera aleatoria! Roltos olvidados en rincones polvorientos o donados por amigos. El propio título, ‘Si está destinado a ser, así será’, vino de una calcomanía que vi en el teléfono de un desconocido. Me encanta seguir esas pequeñas señales y mensajes del mundo. En particular, este me recordó dejar ir el control, confiar en el proceso y disfrutar del misterio de lo desconocido.
A lo largo de su trayectoria, NIMPH ha enfocado en prácticas comunitarias lideradas por la comunidad. ¿Qué tipo de comunidad buscas construir con la marca?
Me gusta pensar en NIMPH como un espacio en movimiento, que crece con impulso, pero también con suavidad, fuerza y conexión. Estoy muy inspirada por la escena creativa en Barcelona; hay tanto talento, y me siento afortunada de estar rodeada de amigos que son artistas, músicos, performers, diseñadores… Muchos colaboran con la marca, y ese intercambio de energía mantiene viva y en evolución a NIMPH. La comunidad que imagino es un espacio basado en la inspiración mutua, respeto, colaboración y cuidado mutuo.
También utilizas telas de stock muerto y objetos encontrados en la colección. ¿Qué historia quieres contar con tus piezas?
Cada pieza está hecha con materiales que ya tuvieron una vida: telas halladas en antiguos almacenes, botones transmitidos por familiares, o donados por personas que ya no cosen. Hay una belleza tranquila en darle un nuevo propósito a estas cosas olvidadas. Llevan rastros de su pasado, y me gusta pensar que eso les da una especie de alma a la ropa. Especialmente las piezas de mezclilla, que están remendadas, impresas y superpuestas con cuidado. Son como historias que puedes llevar puesta.
Desde el inicio hasta el final, ¿qué te ha enseñado el proceso de la Capítulo 7?
Me enseñó a escuchar más atentamente. A mí misma, al proceso, al ritmo de las cosas. Fue la primera vez que presentamos una colección en formato pasarela digital, y hacerlo así me dio la libertad de desacelerar y profundizar. Me enfoqué más en la emoción que en tendencias o ruidos. Me recordó que las colecciones no siempre tienen que gritar para ser escuchadas — a veces, historias silenciosas y cuidadosamente construidas resuenan más profundamente.
— ¿Qué ventajas tiene trabajar con técnicas de producción artesanal local y en un espacio reducido?
Trabajar en una red local significa conocer bien a todos los involucrados, cada persona que toca las prendas, desde los proveedores hasta los diseñadores de estampados y los ateliers, y eso genera mucha confianza y un propósito compartido. Tomo consejos y conocimientos de ellos; también participan en el desarrollo y detalles de las prendas. Tener una red de confianza me permite desarrollar las piezas lentamente y con intención, algo importante para mí. Claro que también hay desafíos: el tiempo es más lento, los recursos limitados y a veces el ritmo se vuelve caótico para ajustarse a plazo y presupuesto. Pero no lo cambiaría. Es la cercanía del proceso lo que más disfruto.
Los últimos meses, NIMPH ha llegado a nuevos espacios, especialmente durante la gira EUSEXUA de Twigs. ¿Cuál fue el proceso creativo para el look personalizado de Twigs y cómo fusionaste sus dos mundos?
Twigs es una artista que admiro profundamente. Soy fan desde ‘Magdalene’; ella encarna el poder de una manera que resuena mucho con NIMPH, desde un lugar suave y vulnerable. Cuando surgió la oportunidad, supe que quería crear algo que encarnara esa dualidad. Algo etéreo, pero protector. Para este look, colaboré con la diseñadora y artista Sofía Valencia, quien es una de nuestras principales colaboradoras. Ella ha estado desarrollando piezas con croché de tiras recicladas con nosotros durante varias temporadas. Vestir a Twigs fue un momento de círculo completo para nosotros. Desde que empezamos a trabajar juntas, visualizamos que esto ocurriera, ¡así que fue un sueño hecho realidad!
— ¿Y si pudieras crear un look personalizado para alguna otra figura artística, modelo o referente cultural, quién sería y por qué?
Me encantaría diseñar algo para Caroline Polachek. Es mi artista favorita. Su música habla muchísimo a mí, y valoro mucho su visión y estética. Juega con la forma y el sonido de manera muy refinada, casi de otro mundo. Tiene elegancia y un toque de fantasía/ficción inspirado en mundos ficticios, y eso me conecta mucho. También me encantaría vestir a Arca, que es sumamente magnética y cuya música es visceral, espiritual, y toca mi interior profundamente. Su capacidad de transformarse, de romper barreras constantemente y seguir siendo fiel a sí misma… Es radical. Imaginé algo con muchas capas, bordes crudos y formas asimétricas.
Tus piezas juegan con el contraste, ya sea en texturas o cortes. ¿Qué otros elementos te gustaría explorar?
Este año me siento muy atraída por el color y los estampados. Siento que estoy satisfecha con las siluetas y formas del mundo NIMPH, pero quiero llevar más allá la traducción de la visión hacia estampados y texturas de los materiales que usamos, para contar más historias. También me entusiasma explorar bordados o tintes experimentales, e incluso integrar objetos encontrados de manera más escultórica en las prendas. Todavía hay mucho por jugar, y me encantaría hacerlo a través de piezas a medida.
— ¿Y si pudieras impulsar un cambio en la industria de la moda para que sea un espacio más alentador para nuevos diseñadores, cuál sería?
Me gustaría ver más apoyo a largo plazo y expectativas más pausadas. No solo plataformas para visibilidad, sino sistemas que permitan a las nuevas marcas crecer sin agotarse. El tiempo, el mentorazgo y la confianza llegan muy lejos. Actualmente, estoy terminando un programa de mentoría aquí en Barcelona que me ha ayudado muchísimo con el lado empresarial de la marca, y esto nunca me lo enseñaron en la universidad. Ahora mismo, hay mucha presión por escalar rápidamente, pero creo que debemos proteger el ritmo creativo. No todo tiene que suceder ahora, especialmente si quieres que tu proyecto perdure y sea significativo.
¿Cómo se ve la progresión para NIMPH? ¿Cómo definirías el éxito?
Para mí, el éxito sería poder escoger — tener la libertad de decidir cómo trabajo, con quién colaboro, qué ritmo sigo y qué historias quiero contar. Crear con cuidado y mantener un modo de trabajo que también apoye a las personas a mi alrededor. Ese equilibrio entre libertad creativa y sostenibilidad económica es para mí éxito. No es nada fácil, especialmente en una industria que exige más y más: más visibilidad, más producción, más rapidez. Pero creo en hacer las cosas intencionadamente, incluso si eso significa ir más despacio. Creo en proteger la integridad del proceso. Para mí y para NIMPH, progresar significa crecer desde las raíces, no estirarse al límite solo por mantener el ritmo, sino construir algo fuerte, con alma y sustentable en mis propios términos. Es una visión a largo plazo. Aún no estoy allí, pero es la dirección que orienta cada decisión que tomo.
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