Brandon Banks es un hombre del pueblo; se mueve con intención, hasta la última sílaba, hasta el último rasgueo. Desde su debut en 2018, el nacido en Los Ángeles ha refinado una veta folclórica del RnB con experimentos tempranos en SoundCloud y EPs formadores de carácter ‘Tides’ y ‘Static’.
Su último EP de 2 pistas, ‘Sonnets’, ve a Banks asumir forma a través de un llamativo flujo de conciencia que transporta al oyente a un estado onírico lo-fi donde el tiempo se detiene. En esta obra hay un tema recurrente de buscar alivio de la locura y un nivel elevado de introspección tejido en cada nota melodiosa.
En conversación con CLASH, el artista nominado al Grammy se abre sobre sus inicios, las ventajas y peligros de ser un artista independiente, escribir para Charlotte Day Wilson y la necesidad de que los artistas masculinos negros transmitan sus verdades y vulnerabilidades.
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¿Puedes contarme sobre tu relación temprana con la música? ¿Qué escuchabas mientras crecías y qué te llevó a inclinarte hacia la música como forma de expresión personal?
Mis padres ponían oldies por la casa, como Prince, D’Angelo, Mary J. Blige y The Temptations. ¡Todos los grandes! Es curioso porque en esa época yo decía “¡pon a Lil Wayne!”, pero ahora, siendo adulto, lo aprecio muchísimo.
También me gustaba mucho la poesía de niño. Leí mi primer libro de poesía de Langston Hughes cuando tenía nueve años. Desde entonces empecé a escribir poesía y luego la poesía se convirtió en canciones. Escribí mi primera canción a los 12 años, y la escribí con la melodía de ‘Let Me Love You’ de Mario. Además crecí en circunstancias muy agresivas, así que la música se volvió mi escape. Escribía canciones que me parecían hermosas, para poder traducir todo ese dolor y sufrimiento en algo positivo.
¿Cómo pasaste de hacer música para tu propia paz mental a sacarla para que el mundo la escuchara?
Fue en el instituto. Yo era de esos que eran amigo de todo el mundo, y era amigo de este chico blanco, Justin, que era uno de los pocos blancos del colegio. Lo acosaban, así que me quedé a su lado porque podía pelear. Él siempre traía su guitarra al colegio, así que llevé la mía y me enseñó a tocar. A partir de ahí usé YouTube, que también me ayudó con la composición.
¿Cómo desarrollaste tu sonido a partir de eso?
No fue hasta que trabajé con mi primer management. Cuando empecé a hacer música, pensaba que la gente solo quería bailar. Entonces mi manager me oyó tocar la guitarra entre sesiones y dijo “¿qué es eso?”. Le dije que era una canción que había escrito y me preguntó “¿por qué no hacemos esto?” y yo pensé, estas son mis emociones más profundas y oscuras, ¡a nadie le interesa esto! Pero él me aseguró que precisamente eso era lo que la gente quería oír y me impulsó en esa dirección. Me dio permiso para ser vulnerable. Ese fue el giro que llevó a mi primer proyecto ‘Tides’, que encontré muy sanador.
Tu vulnerabilidad es una parte central de tu arte. En pistas como ‘Slow Down’, ‘Slowyaroll’ y ‘Balance’, aludes a la necesidad del autocuidado. ¿Qué tan importante es para ti tomarte el tiempo para frenar y revisarte?
He aprendido que la quietud es una de las cosas más importantes. Odio tomar decisiones en un estado frenético o enojado. Creciendo, tuve que tomar tantas decisiones al vuelo para sobrevivir: ¡estaba constantemente en lucha o huida! Tuve que madurar rápido. Por eso escribo mucho sobre la naturaleza, porque es el único lugar donde puedo encontrar verdadera paz y perspectiva. Mucha de mi música es simplemente yo hablándome a mí mismo y rumiando mi cabeza, lo cual necesito. No puedes ver las nubes moverse a menos que te detengas, te quedes quieto y mires hacia arriba, ¿sabes? Así que intento hacerlo. Me ayuda a tomar buenas decisiones.
Como creativo aspirante, tener que estar en constante lucha o huida es un estado muy frustrante. Se nota esa angustia en pistas como ‘C&C’, ‘Blues’ y ‘Spirit’. ¿Qué crees que hace falta para apoyar a los artistas que enfrentan barreras similares?
Lo primero que los artistas necesitan es ser pagados justamente. Un millón de streams equivale a 4.000 dólares. Eso es una locura porque antes, un millón de ventas de singles eran 1.000.000 de dólares, así que debe haber una legislación real al respecto. Creo que el arte se ha convertido en una mercancía y ha sido devaluado a propósito; la gente no toma en serio ningún tipo de oficio artístico, pero lo necesitamos como seres humanos. Tiene que haber inversión real desde el gobierno en las artes porque es beneficioso para la sociedad. Por eso las cosas en Estados Unidos están tan locas, porque hemos devaluado todo lo que nos trae humanidad. La gente no toma la música en serio. ¿Pero qué es un anuncio sin música? ¿Qué es una película sin música? Cuando estás en un tren, en un autobús, en el coche, hay una radio. Cada parte de nuestras vidas tiene la música como forma de arte, ya sean canciones, diseño o palabras. Debería valorarse como tal.
El capitalismo y la creatividad están completamente en conflicto, y es difícil porque por naturaleza somos capitalistas ya que necesitamos obtener ganancias para sostenernos en este sistema. Pero al mismo tiempo eso es anti-creatividad. Así que tener que moverte entre el modo de hustle y tratar de crear desde un lugar de quietud se vuelve casi contraproducente porque estamos en una carrera de ratas. Y de eso trata ‘C&C’ (Capital & Conflict). El capitalismo necesita conflicto para sobrevivir, lo que inherentemente provoca un conflicto en sí mismo.
Entonces, ¿cómo navegas esto como artista independiente?
No atajo pasos. Me aseguro de hacer lo mejor que puedo, de adquirir todo el conocimiento que puedo y usar los recursos que tengo para ver algo de principio a fin. Cuando dejé una beca de atletismo para dedicarme a la música, apunté cuántas canciones quería en mi proyecto; escribí cómo quería mis videos, por qué hago esto, mi filosofía.
Pero debería haber algún tipo de salario digno al que puedan acceder los artistas de clase media y baja. Desde mi lado, es mejor que pongas tu mejor esfuerzo en tu arte y tengas un plan claro. Porque mucha gente no sabe el funcionamiento interno del sistema de distribución; tienes que enviar tus canciones con cuatro a seis semanas de antelación para que entren en el algoritmo correctamente y puedan ser propuestas a playlists. Así que entender la publicación, la distribución y no ir con tanta prisa es importante. Es como moverse con sentido de urgencia, pero con una directiva al mismo tiempo.
¿Cómo te sientes respecto a ese plan que hiciste ahora?
Sabes qué, hace como un año encontré mi cuaderno y dije “¡joder! Hice todo lo que escribí aquí”. Se sintió bien. Pero si alguien me hubiera dicho entonces que iba a ser un compositor nominado al Grammy, habría pensado que sería millonario. Se ve diferente financieramente, lo que a veces puede invalidar tu experiencia. Pero al mismo tiempo, cuando miro lo que he logrado, nadie puede quitármelo. Lo hice con muy pocos recursos.
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Durante la primera fase de tu carrera hiciste tu EP debut, ‘Tides’. Algunas de las pistas son realmente desgarradoras, particularmente ‘Castaway’. ¿Cómo se siente escuchar ese proyecto ahora?
Voy a ser honesto contigo, amigo. No he escuchado ‘Tides’ en mucho tiempo, especialmente ‘Castaway’. No puedo cantar esa canción sin llorar. Salían cosas que ni siquiera recordaba haber vivido en mi infancia mientras escribía ese proyecto. No sé si la gente lo nota, pero mi segundo proyecto ‘Static’ fue mucho más feliz y esperanzador, sonoramente.
‘Tides’ fue un proyecto desgarrador de hacer. Cuando empecé a hacer el proyecto, mi vida estaba a punto de ir por un camino muy oscuro. Mi hermano estaba en prisión, dormía en mi coche, estaba pasando por un montón de mierda. Fue un proyecto muy difícil de hacer y puedo oír todas las imperfecciones, pero no me importa porque era algo que necesitaba hacer por mí. Por mi vida, ¿sabes? Ni siquiera lo he interpretado. La última vez que intenté tocarlo en vivo no pude terminar la canción porque saca todo eso. Ese proyecto fue como mi terapia.
¿Cómo afrontas un proyecto con tanta ternura y vulnerabilidad?
El 90% del tiempo las canciones las creo yo solo con mi guitarra, y luego traigo a los productores que necesito. Yo produje este último proyecto. Ya no puedo abordar un proyecto sin venir de un lugar honesto. Pero eso también es duro. Una vez que consigues reconocimientos y una imagen, es como “joder, ya estoy cansado de hacer música sobre la lucha”. Es un poco embarazoso a estas alturas. Por eso ataco tanto al capitalismo en mi música, porque si no fuera por el capitalismo, estaría bien. Pero siento que con todo lo que pasa en el mundo, mi forma de abrirme paso es siendo súper honesto en todo lo que pueda.
El nuevo EP se llama ‘Sonnets’. ¿Puedes decirme qué significa el título?
Lo saqué de Shakespeare. Me gusta mucho la poesía y la mayoría de mis canciones empiezan como poemas. Quiero crear canciones que sean igual de impactantes al leerlas que al escucharlas. Personalmente me ha resultado bastante difícil hacer música en estos últimos años. Hay tanto caos en el mundo y me siento muy empático con eso. Así que se siente casi narcisista intentar hacer alguna mierda de “buenos tiempos, pasándolo bien”.
Tengo amigos palestinos cuyas familias están muriendo. Tengo amigos en prisión. Tengo familiares que son pobres. Así que siento una cantidad innecesaria de convicción por eso. Entonces mientras hacía ‘Sonnets’, solo necesitaba hablar del amor ahora mismo. De eso trata ‘Treasure’; de lo profundo que puede ser el amor. No necesita ser únicamente sobre relaciones. Es sobre tu fuente de alegría y el poder que viene con ello. ‘Delusions’ se acopla a ‘Treasure’; cómo el amor también puede cegarte, pero en ese momento no te importa porque estás disfrutando la ilusión.
¿Cuánto tiempo tardaste en hacer ‘Sonnets’? Me recuerda a cuando comienzas a conceptualizar una canción, que siempre captura un sentimiento crudo que rara vez se puede duplicar al grabarla…
¡Fue exactamente así! ¡Fue lo más rápido que he pasado de escribir una canción a sacarla! Fue muy en flujo de conciencia. Incluso intenté volver a grabarla pero no tenía la misma sensación. Aunque las tomas no fueran perfectas, tuve que seguir con ello. Especialmente en una época de IA, con todo tan pulido y las redes sociales haciendo que todo parezca perfecto. Estoy en contra de eso.
Quiero que la gente sepa exactamente cómo suena mi voz para que cuando me vean en vivo suene como en el disco. En esta gira soy solo yo y mi guitarra. Necesitamos cosas crudas. Y ahora mismo quiero sacar música. No voy a esperar a nadie para terminar nada. Voy a hacerlo todo yo; he estado rodando todos mis propios visuales, coloreando, editando y haciendo todo este año y aprendiendo cine con mis colegas.
Sé que eres entusiasta del atletismo. En tu canción ‘Fallinaspen’, dices: “Used to think if I ran fast I would be free”. ¿Esa línea es literal?
Es literal. Pero también trata sobre la visión de túnel y cómo todo va a funcionar. Escribí la línea “things don’t always pan out like the movies”, porque vivo mi vida a través de películas y anime. Siempre estoy en algún montaje de entrenamiento o algún montaje de “mejorando”. Trato mis proyectos igual que mi entrenamiento de pista. Pero también subrayo que a veces tienes que parar, oler las rosas y tocar la hierba.
Tu lirismo es un aspecto crucial de tu arte. ¿Cuáles son algunas letras de las que te sientes más orgulloso?
Diría ‘Wonderland’ en mi proyecto ‘Natural Progressions’. Creo que clavé el equilibrio perfecto entre letra y melodía. Luego está la canción ‘Mountains’ que Charlotte Day Wilson publicó, que Drake terminó sampleando en su disco ‘Certified Lover Boy’.
El año pasado, también participaste en la canción ‘serenity’ del álbum ‘FRANCIS’ de ESTA. ¿Cómo fue ese proceso?
¡También estoy muy orgulloso de ese verso! Cuando salió dije “hombre, ni siquiera sabían que aquí estoy hablando de los dioses egipcios antiguos, Osiris e Isis”.
¿Qué buscas en un colaborador?
Me gusta trabajar con gente que siento que es mejor que yo. Creo que la gente tiene que tener sustancia en su trabajo y preocuparse por lo que dicen. Realmente quiero trabajar con Raphael Saadiq. También me habría encantado estar veinte minutos al lado de D’Angelo en el estudio. Estudio mucho su música.
¿Cuál es tu opinión sobre el estado del RnB ahora, comparado con cuando escribías con ‘Let Me Love You’?
Creo que el R&B está en muy buenas manos. Es que no hay tanto apoyo. Antes la gente criticaba mucho a los one-hit-wonders, pero los necesitamos porque gran parte de su discografía sigue siendo buena y ese one-hit-wonder los pone en el mapa. Pienso que el estado del R&B está en buenas manos, y las personas adecuadas están recibiendo reconocimiento como Odeal y Leon Thomas. El año pasado estuve en una sesión con Odeal y me voló la cabeza con su voz y sus melodías.
¿Escuchas a muchos artistas del Reino Unido?
Me encanta Sampha. Me encantaría trabajar con él. Incluso lo referencié al producir mi canción ‘Slow Down’. Esa canción no tenía estructura. No había reglas. Stevie Wonder puso el puente al principio de la canción una vez y me inspiró eso.
¿Cómo se ven el resto de 2025 y 2026 para ti?
Después de esta gira, voy a volver a Los Ángeles y dormir tres días seguidos. Tengo que sacar otro proyecto, así que en eso estoy trabajando ahora. Así que en 2026 habrá mucha música y quiero hacer muchos conciertos, ya que esta última gira fue muy alentadora. No me había dado cuenta de cuántos fans tenía por ahí, hasta el punto de que estaban eligiendo el setlist.
Sigue haciéndolo porque necesitamos más música como la tuya.
Lo agradezco, hombre. Siempre me sorprende, especialmente cuando hombres negros me hablan sobre mi música y cómo les ha ayudado. Ese tipo de cosas son muy alentadoras para mí.
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Palabras: Chris Zah
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