Brandon Banks ist ein Mann des Volkes; er bewegt sich mit Absicht, bis zur letzten Silbe, dem letzten Anschlag. Seit seinem Debüt 2018 verfeinerte der in Los Angeles Geborene eine folklorische Variante des RnB mit frühen SoundCloud-Experimenten und charakterbildenden EPs „Tides“ und „Static“.
Seine jüngste 2-Track-EP „Sonnets“ lässt Banks durch einen eindrucksvollen Strom des Bewusstseins Gestalt annehmen, der den Hörer in einen Lo‑Fi-Traumzustand versetzt, in dem die Zeit stillsteht. In diesem Werk zieht sich das Thema, inmitten des Wahnsinns Trost zu suchen, wie ein roter Faden durch die Musik, und eine gesteigerte Ebene der Introspektion ist in jede wiegende Note eingewoben.
Im Gespräch mit CLASH öffnet sich der Grammy-nominierte Künstler über seine Anfänge, die Vor- und Nachteile, ein unabhängiger Künstler zu sein, das Schreiben für Charlotte Day Wilson und die Notwendigkeit für schwarze männliche Künstler, ihre Wahrheiten und Verwundbarkeiten zu vermitteln.
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Kannst du mir von deiner frühen Beziehung zur Musik erzählen. Was hast du in deiner Jugend gehört und was hat dich dazu gebracht, Musik als Form des Selbstausdrucks zu wählen?
Es waren meine Eltern, die zu Hause alte Sachen gespielt haben, wie Prince, D’Angelo, Mary J. Blige und The Temptations. Alle Großen! Lustig ist, dass ich damals oft gesagt habe: „Leg Lil Wayne auf!“, aber jetzt als Erwachsener schätze ich das so sehr.
Ich war als Kind auch sehr in Poesie vernarrt. Mein erstes Gedichtbuch von Langston Hughes habe ich mit neun gelesen. Von da an fing ich an, Gedichte zu schreiben, und die Gedichte wurden dann zu Songs. Mein erstes Lied schrieb ich mit zwölf, und ich schrieb es zur Melodie von Marios „Let Me Love You“. Ich bin außerdem in sehr aggressiven Verhältnissen aufgewachsen, deshalb wurde die Musik mein Ausweg. Ich schrieb Songs, die für mich schön waren, damit ich all den Schmerz in etwas Positives übersetzen konnte.
Wie bist du von Musik, die für deinen eigenen Seelenfrieden war, dazu übergegangen, sie der Welt zu zeigen?
Das war in der Highschool. Ich war so einer, der mit allen befreundet war, und ich war mit diesem weißen Typen, Justin, befreundet, der einer der wenigen Weißen in der Schule war. Er wurde gemobbt, also hielt ich zu ihm, weil ich kämpfen konnte. Er brachte immer seine Gitarre zur Schule, also brachte ich meine mit und er brachte mir das Spielen bei. Von da an nutzte ich YouTube, was mir auch beim Songwriting geholfen hat.
Wie hast du deinen Sound daraus entwickelt?
Erst als ich mit meinem ersten Management arbeitete. Als ich anfing, Musik zu machen, dachte ich, die Leute wollen nur tanzen. Dann hörte mein Manager mich zwischen den Sessions an der Gitarre herumspielen und fragte: „Was ist das?“ Ich sagte ihm, es wäre ein Lied, das ich geschrieben habe, und er sagte: „Warum machen wir das nicht?“ Und ich dachte: Das sind meine tiefsten und dunkelsten Gefühle – das will doch niemand hören! Aber er versicherte mir, genau das wolle das Publikum hören, und drängte mich in diese Richtung. Er gab mir die Erlaubnis, verletzlich zu sein. Das war der Wendepunkt, der zu meinem ersten Projekt „Tides“ führte, das ich als sehr heilsam empfand.
Deine Verletzlichkeit ist ein Kernbestandteil deiner Kunst. In Tracks wie „Slow Down“, „Slowyaroll“ und „Balance“ deutest du die Notwendigkeit von Selbstfürsorge an. Wie wichtig ist es für dich, dir die Zeit zu nehmen, langsamer zu machen und bei dir nachzusehen?
Ich habe gelernt, dass Stillstand eines der wichtigsten Dinge ist. Ich hasse es, Entscheidungen in einem hektischen Zustand oder aus Wut heraus zu treffen. Als ich aufwuchs, musste ich so viele Entscheidungen aus dem Stand treffen, um zu überleben – ich war ständig im Kampf-oder-Flucht-Modus! Ich musste schnell erwachsen werden. Deshalb schreibe ich viel über die Natur, weil das der einzige Ort ist, an dem ich wirklichen Frieden und Perspektive finde. Viel meiner Musik ist einfach ich, wie ich mit mir selbst spreche und in meinem Kopf herumkram, was ich brauche. Du kannst die Wolken nicht ziehen sehen, wenn du nicht stoppst, stillstehst und nach oben schaust, weißt du? Also versuche ich das. Es hilft mir, gute Entscheidungen zu treffen.
Als aufstrebender Kreativer ist es frustrierend, ständig im Kampf-oder-Flucht-Zustand sein zu müssen. Diese Angst hört man in Tracks wie „C&C“, „Blues“ und „Spirit“. Was muss deiner Meinung nach passieren, um Künstler zu unterstützen, die mit ähnlichen Barrieren zu kämpfen haben?
Das Erste, was Künstler brauchen, ist, fair bezahlt zu werden. Eine Million Streams sind 4.000 Dollar. Das ist verrückt, weil früher eine Million Einzelverkäufe 1.000.000 Dollar gewesen wären, also muss es dafür wirkliche Gesetzgebung geben. Ich denke, Kunst ist so sehr zu einer Ware geworden und wurde absichtlich entwertet, die Leute nehmen keine Art von Kunsthandwerk ernst, aber wir brauchen sie, um ein echter Mensch zu sein. Es muss echte Investitionen auf Regierungsebene in die Künste geben, weil sie der Gesellschaft nützen. Deswegen ist in Amerika so vieles verrückt, weil wir alles entwertet haben, was uns Menschlichkeit bringt. Die Leute nehmen Musik nicht ernst. Aber was ist eine Werbung ohne Musik? Was ist ein Film ohne Musik? Wenn du im Zug bist, im Bus, im Auto, gibt es ein Radio. Jeder Teil unseres Lebens hat Musik als Kunstform, ob Songs, Design oder Worte. Sie sollte auch so wertgeschätzt werden.
Kapitalismus und Kreativität stehen völlig im Widerspruch zueinander, und es ist schwer, weil wir von Natur aus Kapitalisten sind, weil wir Profit machen müssen, um in diesem System zu überleben. Aber gleichzeitig ist das gegen die Kreativität gerichtet. Also zwischen Hustle-Modus hin- und herwechseln zu müssen und aus einem Ort der Ruhe zu schaffen, ist fast kontraintuitiv, weil wir in einem Rattenrennen sind. Und darum geht es in „C&C“ (Capital & Conflict). Kapitalismus braucht Konflikt, um zu überleben, was an sich schon einen Konflikt erzeugt.
Wie navigierst du das als unabhängiger Künstler?
Ich nehme keine Abkürzungen. Ich sorge dafür, dass ich mein Bestes geben kann, sammel so viel Wissen wie möglich und nutze alle Ressourcen, die ich habe, damit ich etwas von Anfang bis Ende sehe. Als ich mein Leichtathletik-Stipendium abgebrochen habe, um Musik zu verfolgen, schrieb ich auf, wie viele Songs ich auf meinem Projekt haben wollte; ich schrieb auf, wie meine Videos aussehen sollten, warum ich das mache, meine Philosophie.
Aber es muss einen existenzsichernden Lohn geben, auf den die Künstler der Mittelschicht und der Unterschicht zugreifen können. Von meiner Seite aus lohnt es sich, die beste Anstrengung in deine Kunst zu stecken und einen klaren Plan zu haben. Denn viele Leute kennen die inneren Abläufe des Distributionssystems nicht; du musst deine Songs vier bis sechs Wochen im Voraus einreichen, damit sie richtig in den Algorithmus gelangen und für Playlists vorgeschlagen werden. Ein klares Verständnis von Publishing, der Distribution und nicht so gehetzt zu sein, ist wichtig. Es ist wie mit Dringlichkeit zu handeln, aber zugleich mit einer klaren Vorgabe.
Wie fühlst du dich jetzt mit dem Plan, den du damals gemacht hast?
Weißt du, vor ungefähr einem Jahr bin ich über mein Notizbuch gestolpert und dachte: „Verdammt! Ich habe alles gemacht, was ich hier aufgeschrieben habe.“ Das fühlte sich gut an. Aber wenn mir damals jemand gesagt hätte, dass ich ein Grammy-nominierter Songwriter werde, hätte ich gedacht, ich wäre Millionär. Es sieht finanziell anders aus, was manchmal deine Erfahrung entwerten kann. Aber gleichzeitig, wenn ich auf das schaue, was ich erreicht habe, kann mir das niemand nehmen. Ich habe es mit sehr wenigen Ressourcen geschafft.
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Während der ersten Phase deiner Karriere hast du deine Debüt‑EP „Tides“ veröffentlicht. Einige Tracks sind wirklich herzzerreißend, besonders „Castaway“. Wie fühlt es sich an, dieses Projekt jetzt noch einmal zu hören?
Um ehrlich zu sein, Mann: Ich habe „Tides“ schon sehr lange nicht mehr gehört, vor allem „Castaway“. Ich kann dieses Lied nicht singen, ohne zu weinen. Beim Schreiben dieses Projekts kamen Dinge aus meiner Kindheit hoch, an die ich mich nicht einmal mehr erinnert hatte. Ich weiß nicht, ob die Leute das bemerken, aber mein zweites Projekt „Static“ war klanglich viel fröhlicher und hoffnungsvoller.
„Tides“ war ein für mich sehr schmerzvolles Projekt. Als ich anfing, daran zu arbeiten, drohte mein Leben in eine sehr dunkle Richtung zu gehen. Mein Bruder war im Gefängnis, ich habe in meinem Auto geschlafen, ich habe gerade so viel durchgemacht. Es war sehr schwer, dieses Projekt zu machen, und ich höre all die Unvollkommenheiten, aber das ist mir egal, weil das etwas war, das ich für mich tun musste. Für mein Leben, verstehst du? Ich habe es nicht einmal aufgeführt. Das letzte Mal, als ich versuchte, es live zu spielen, konnte ich das Lied nicht zu Ende bringen, weil alles wieder hochkommt. Dieses Projekt war wie meine Therapie.
Wie gehst du an ein Projekt mit so viel Zärtlichkeit und Verletzlichkeit heran?
90 % der Zeit entstehen die Songs alleine mit meiner Gitarre, und dann hole ich die Produzenten dazu, die ich brauche. Dieses letzte Projekt habe ich selbst produziert. Ich kann an kein Projekt mehr herangehen, ohne aus einem ehrlichen Ort zu kommen. Aber das ist auch schwer. Sobald du Anerkennung und ein Image hast, ist es so: „Verdammt, ich bin es eigentlich müde, immer über den Kampf zu singen.“ Es ist an diesem Punkt irgendwie peinlich. Deshalb bin ich in meiner Musik so gegen den Kapitalismus, denn wenn es den Kapitalismus nicht gäbe, ginge es mir großartig. Aber ich habe das Gefühl, mit allem, was in der Welt passiert, ist mein Weg, durchzukommen, einfach so ehrlich wie möglich zu sein, auf jede Art, die ich kann.
Die neue EP heißt „Sonnets“. Kannst du mir sagen, was der Titel bedeutet?
Ich habe das von Shakespeare übernommen. Ich stehe sehr auf Poesie und die meisten meiner Songs beginnen als Gedichte. Ich möchte Songs schaffen, die beim Lesen genauso eindrucksvoll sind wie beim Hören. Persönlich fand ich es in den letzten Jahren ziemlich schwer, Musik zu machen. Es gibt so viel Chaos in der Welt und ich fühle mich dem gegenüber sehr empathisch. Also wirkt es fast narzisstisch, einfach nur „gute Zeiten, Spaß haben“-Kram zu machen.
Ich habe Kumpels, die Palästinenser sind, deren Familien sterben. Ich habe Kumpels im Gefängnis. Ich habe Familienmitglieder, die arm sind. Also fühle ich eine unnötige Menge an Verpflichtung dafür. Während ich „Sonnets“ machte, musste ich jetzt gerade über Liebe reden. Darum geht es bei „Treasure“; wie tief Liebe sein kann. Es muss nicht nur um Beziehungen gehen. Es geht um deine Quelle der Freude und die Kraft, die damit einhergeht. „Delusions“ baut auf „Treasure“ auf; wie Liebe dich auch blenden kann, aber in dem Moment ist es dir egal, weil du die Illusion genießt.
Wie lange hat es gedauert, „Sonnets“ zu machen? Es erinnert mich an den Moment, wenn man anfängt, ein Lied zu konzipieren, was immer ein rohes Gefühl einfängt, das schwer zu reproduzieren ist, wenn man es aufnimmt…
Genau so war es! Das war das schnellste, wie ich von einem geschriebenen Song bis zur Veröffentlichung gekommen bin. Es war sehr ein Strom des Bewusstseins. Ich habe sogar versucht, es neu einzuspielen, aber es hatte nicht dasselbe Gefühl. Obwohl die Takes nicht perfekt waren, musste ich es so lassen. Vor allem in Zeiten von KI und allem, was so poliert ist und soziale Medien alles perfekt erscheinen lassen. Dagegen bin ich.
Ich möchte, dass die Leute genau wissen, wie meine Stimme klingt, damit es live genauso klingt wie auf der Platte. Auf dieser Tour bin nur ich und meine Gitarre. Wir brauchen rohes Zeug. Und ich will einfach jetzt Musik veröffentlichen. Ich warte auf niemanden, der irgendwas fertig macht. Ich mache alles selbst; ich habe dieses Jahr alle meine eigenen Visuals gedreht, die Farbkorrektur gemacht, geschnitten und alles gelernt und Film von meinen Jungs gelernt.
Ich weiß, du bist ein Leichtathletik-Enthusiast. In deinem Song „Fallinaspen“ sagst du: „Used to think if I ran fast I would be free.“ Ist diese Zeile wörtlich gemeint?
Sie ist wörtlich gemeint. Aber sie handelt auch von Tunnelblick und davon, dass alles sich am Ende fügen wird. Ich schrieb die Zeile „things don’t always pan out like the movies“, weil ich mein Leben durch Filme und Anime lebe. Ich bin immer in irgendeiner Trainingsmontage oder einer „besser werden“-Montage. Ich behandle meine Projekte wie mein Lauftraining. Aber ich betone auch, dass man manchmal anhalten, die Rosen riechen und das Gras berühren muss.
Dein Lyrismus ist ein entscheidender Aspekt deiner Kunst. Auf welche deiner Lyrics bist du am stolzesten?
Ich würde „Wonderland“ von meinem Projekt „Natural Progressions“ sagen. Ich glaube, ich habe das perfekte Gleichgewicht aus Text und Melodie getroffen. Dann gibt es noch den Song „Mountains“, den Charlotte Day Wilson veröffentlicht hat und den Drake schließlich auf seinem „Certified Lover Boy“-Album gesampelt hat.
Letztes Jahr warst du auch auf dem Track „serenity“ aus ESTA.s Album „FRANCIS“ zu hören. Wie war dieser Prozess?
Auf diesen Vers bin ich auch wirklich stolz! Als er rauskam, dachte ich: „Mann, du weißt gar nicht, dass ich hier gerade über die altägyptischen Götter Osiris und Isis rede.“
Worauf achtest du bei einem Kollaborateur?
Ich arbeite gern mit Leuten, die ich für besser als mich halte. Ich denke, Leute müssen Substanz in ihrer Arbeit haben und sich darum kümmern, was sie sagen. Ich würde wirklich gern mit Raphael Saadiq arbeiten. Ich hätte auch gern zwanzig Minuten neben D’Angelo im Studio gestanden. Ich studiere seine Musik so sehr.
Wie ist dein Eindruck vom Zustand des RnB jetzt, im Vergleich zu der Zeit, als du zu „Let Me Love You“ geschrieben hast?
Ich denke, R&B ist in sehr guten Händen. Es gibt nur nicht so viel Unterstützung. Früher wurde viel auf One-Hit-Wonder herumgehackt, aber wir brauchen One-Hit-Wonder, weil viele ihrer Diskografien immer noch großartig sind und dieses eine Hit sie auf die Karte setzt. Ich denke, der Zustand des R&B ist in sehr guten Händen, und die richtigen Leute bekommen Anerkennung, wie Odeal und Leon Thomas. Ich war letztes Jahr in einer Session mit Odeal, und er hat mich mit seiner Stimme und seinen Melodien umgehauen.
Hörst du viele britische Künstler?
Ich liebe Sampha. Ich würde gerne mit ihm arbeiten. Ich habe ihn sogar bei der Produktion meines Songs „Slow Down“ referenziert. Dieses Lied hatte keine Struktur. Es gab keine Regeln. Stevie Wonder hat einmal die Bridge am Anfang des Songs gesetzt und das hat mich inspiriert.
Wie sieht der Rest von 2025 und 2026 bei dir aus?
Nach dieser Tour fahre ich zurück nach LA und schlafe drei Tage am Stück! Ich muss ein weiteres Projekt rausbringen, also daran arbeite ich gerade. 2026 wird es viele Musik geben und ich will viele Shows spielen, denn diese letzte Tour war sehr ermutigend. Ich hatte keine Ahnung, wie viele Fans ich da draußen habe, bis zu dem Punkt, dass sie die Setlist mitbestimmt haben.
Mach weiter so, denn wir brauchen mehr Musik wie deine.
Danke, Mann. Das überrascht mich immer, vor allem wenn schwarze Männer mir sagen, wie meine Musik ihnen geholfen hat. Solche Dinge sind sehr ermutigend für mich.
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Worte: Chris Zah
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Brandon Banks ist ein Mann des Volkes; er agiert mit Absicht, bis zur letzten Silbe, bis zum letzten Anschlag. Seit seinem Debüt 2018 hat der aus Los Angeles stammende