Aus Stoke Newington, London, kommt Mychelle, eine Stimme, die durch das Äther schneidet. Ihren Namen machte sie sich in der Buskerszene, jahrelang arbeitete sie hart, bevor sie entdeckt und unterschrieben wurde. Seitdem baut Mychelle kontinuierlich ein treues Publikum mit ihren folk-inspirierten RnB-Dittys auf.
Mychelle fiel uns erstmals mit „Forbidden Fruit“ auf, einer Kollaboration aus dem Jahr 2022 mit der Labelkameradin ENNY bei FAMM, die ihre Fähigkeit zeigt, hohe Töne über einen Finger-Clicking-Beat zu zingen. Nach einer Reihe charakterbildender EPs veröffentlichte Mychelle Anfang dieses Jahres ihr Debütalbum „Good Day“. Das Projekt führt den Zuhörer auf einer emotionalen Achterbahnfahrt, bevor es zu einem kathartischen Abschluss kommt. Das album ohne Features, in dem Mychelle fehlerhaft, verletzlich und im Mittelpunkt steht – im Einklang mit der aufschlussreichen Natur seiner Themen.
CLASH sprach mit Mychelle über Zoom an einem verregneten Mittwochnachmittag. Hell und freundlich sinniert die Sängerin darüber, ob Busking eine verlorene Kunst ist, welche Lektionen sie von ihren Labelkollegen gelernt hat, wie sie Gemeinschaft durch Geben aufbaut, und über den wahrheitsliebenden Geist ihres Debütalbums.
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Dein Debütalbum „Good Day“ ist ziemlich intensiv. War es kathartisch, diese Gefühle aufzuzeichnen und die positive Reaktion zu sehen?
Als Person bin ich ziemlich optimistisch, und es war schön, eine andere Seite zu zeigen. Sogar enge Freunde haben gesagt: „Ich hätte nicht gedacht, dass du das durchmachen musstest. Es ist schön, diese Seite von dir zu sehen!“ Oft interviewen sie mich fast (lacht).
In deinen frühen Tagen warst du Straßenmusikerin. Würdest du sagen, dass das eine verlorene Kunst wird? Wie wird das die Künstler beeinflussen, die versuchen durchzubrechen?
Ich denke, das ging schon mit den sozialen Medien verloren. Vor etwa 11 Jahren habe ich mit dem Busking angefangen, damals gab es kein TikTok und Instagram war ein ganz anderer Ort.
Du hast es nicht nur fürs Geld gemacht, aber da kein Bargeld mehr so üblich ist, hat sich das verändert. Trotzdem liebe ich es, weil es eine Möglichkeit ist, zu proben und aufzutreten. Es ist schön zu sehen, wie DJ AG seine Sache macht, denn das hat das Busking nicht wieder auf die Landkarte gebracht, aber es schafft eine nette Gemeinschaft, und Leute stoßen zufällig darauf und entdecken dich. Es ist fast wie eine Show, aber nicht wirklich, weil man keine erwartete Zuschauermenge hat.
Bei meinem letzten Album wusste ich nicht, wie man die Songs auf Gitarre spielt, weil es das erste Projekt war, bei dem ich im Studio mit einigen Produzenten gearbeitet habe. Während meiner früheren Projekte schrieb ich die Songs auf Gitarre und war unterwegs, bevor ich ins Studio ging. Wenn es um Konzerte ging, fühlte ich mich wohler, weil ich durch das Busking geprobt hatte. Deshalb ist es für mich nach wie vor sehr wichtig.
Reisen sind ein bedeutender Teil meines Schreibprozesses. Was inspiriert dich beim Musizieren auf dieser Reise?
Radfahren erlaubt es mir kaum, zu texten. Diese Freiheit gibt mir Raum für Ideen. Außerdem kann ich mehr zu mir selbst singen, während ich im Zug sitze, passen die Leute manchmal seltsam an: „Was macht die da?“ Musik während der Fahrt zu hören ist meine Lieblingsart, Musik zu konsumieren, vielleicht mag ich auch deshalb das Schreiben in dieser Umgebung. Ich liebe es, auf dem Fahrrad zu sein, Musik zu hören, die ich gespeichert habe, und mich wie in einem Film zu fühlen!
Als ich das Album anhörte, schien es perfekt für die Live-Bühne. Wie wird die Live-Performance dieses Albums das Recording erweitern?
Ich plane noch nicht, mit einer Band aufzutreten, was ich aber sehr gerne tun würde. Ich habe das Album mit diesem Ziel gemacht. Ich habe andere Künstler wie Michael Kiwanuka supportet, der eine fantastische Band hat, und genau das möchte ich auf der Bühne sein: Nicht nur Songs performen, sondern ein ganzes Erlebnis schaffen. Ich habe es schon nur mit Gitarre gespielt, und ich würde noch zusätzliche Elemente hinzufügen, die im Studio nicht waren.
Dein Label, FAMM, hat Künstler wie Jorja Smith und Maverick Sabre im Programm. Haben sie dich mentoriert? Was sind die wichtigsten Lektionen, die du von ihnen gelernt hast?
Mit Maverick Sabre spreche ich viel. Er gibt mir immer die richtigen Ratschläge oder bestätigt, wie ich mich fühle. Das ist schön, weil er das schon lange macht, und selbst in seiner jetzigen Phase hat er die gleichen Gedanken wie ich. Ich habe ihn vor vielleicht drei Jahren supportet, und das hat mich sehr inspiriert; seine Show-Flow und die Art, wie sie zusammengestellt ist.
Ich war auf Jorja Smiths Tour. Ich treffe sie nicht so häufig, aber bei der Tour, die ich gemacht habe, gab es wirklich liebevolle Momente. Das Setup der Show fühlte sich gesund an. Es gab viel Liebe im Camp. Ich habe jede Show verfolgt, auch aus verschiedenen Blickwinkeln. Ein Mal stand ich am Tontechnikpult, ein anderes Mal an der Bühnenrand, mal oben oder aufgestellt. Obwohl es immer die gleichen Lieder sind, fühlt sich jede Show anders an. Ich nehme ständig Notizen.
Beim Hören von „Time Only Time“ erinnerte mich dein Gesang an Beyoncé. Nimmst du Einfluss von anderen Künstlern, wenn du bestimmte Tracks angehst?
Ich würde sagen, das ist ziemlich unbewusst. Ich höre Beyoncé und bekomme bestimmte Gefühle. Es ist kein bewusster Entscheid. Für mich ist das ganze Projekt ein Gefühl, was manchmal schwer war. Ich spürte, wie ich die Lieder klanglich haben wollte, und musste das dann artikulieren. Ich bin da nicht immer gut drin. Aber das Besondere daran war, dass alle Produzenten, mit denen ich gearbeitet habe, mir geholfen haben, zu einem Punkt zu kommen, wo sie verstanden haben, was ich hören will, basierend auf meinen Gefühlen.
Bei „Time Only Time“ war es dasselbe mit dem Produzenten Bastian (Langebaek). Ich begann mit der Gitarre und habe einfach weitergemacht. Auch in der Musik spüre ich, wie der Bass klingen soll, und versuche, das zu artikulieren. Ich kann keine Noten lesen, daher ist das manchmal schwierig.
Der Albumtitel ist ironisch, denn es heißt „Good Day“, aber auf vielen Tracks geht es darum, dass die Dinge nicht nach Plan laufen. Doch am Ende hattest du einen guten Tag und hast viel Schmerz durchlebt, um an einen besseren Ort zu gelangen. Wie hast du diese negativen Erinnerungen genutzt, um musikalisch etwas Positives daraus zu machen?
Ich spreche über diese Themen und gehe ins Studio, vielleicht nicht immer im besten Zustand, aber es ist immer das schönste Gefühl, wenn man das Studio verlässt und denkt: „Ich mag dieses Lied wirklich. Das ist das Ich, das ich sein möchte.“ Ich verlasse das Studio, spiele die Musik auf dem Heimweg und fühle, dass ich etwas veröffentlicht habe. Gleichzeitig habe ich aber auch etwas gewonnen.
„Good Day“ war das erste Lied, das ich geschrieben habe. Ich erinnere mich, dass diese Zeit grau war und ich mich ziemlich niedergeschlagen fühlte, aber ich verließ das Studio heiter, weil ich das Lied liebte. Es war das erste, bei dem ich eine Veränderung spürte und die Artist-Identität, die ich anstrebe, sehen konnte. Auch die Live-Elemente, eine große Produktion, waren sichtbar. Bei allen weiteren Songs, die ich schrieb, behielt ich dieses Gefühl im Hinterkopf.
Das eine Lied war zuerst da, aber die Geschichte kam danach. Ich bin an einen Punkt gekommen, wo ich dir jetzt Dinge artikulieren kann, die nicht immer direkt waren. Ich musste alle diese Emotionen rauslassen, um eine neue Ära zu starten. „Good Day“ war der Anfang, aber es ist auch das letzte Lied, weil es alles zusammenfasst, was ich tun musste, um an diesen Punkt zu kommen.
Du dokumentierst deine Sport- und Fitness-Reise, was ich bei Musikern zunehmend beobachte. Wie hat dir das Engagement in diesen Aktivitäten, die du öffentlich machst, sowohl persönlich als auch beruflich geholfen?
Fitness ist schon immer eng mit Musik verbunden. Ich liebe es zu singen, aber als Künstlerin schaust du viel nach innen und kannst unsicher werden. Ich fühle mich manchmal unsicher, wenn ich mich selbst als Künstlerin sehe und überdenke, wer ich bin. Das ist oft negativ, während Fitness eine positive Sache ist. Wenn ich an mein stärkstes Ich denke, dann in Bezug auf Fitness. Ich wuchs sportlich auf und wusste immer, dass ich gut dabei bin.
Das Album ist ein sehr persönliches Projekt, ohne Features. Warum hast du dich entschieden, Protoje für den Remix von „Seasons“ zu wählen?
Mein Manager erwähnte ihn, und ich dachte, das würde eine andere Perspektive bringen. Ich bin sehr glücklich mit der Stimmung, die er reinbrachte. Ich freue mich besonders, weil er die Visuals in Jamaika gedreht hat, während ich meine in meinem lokalen Park in Stoke Newington gemacht habe. Das war etwas Besonderes, weil meine Familie eine Verbindung zu Jamaika hat. Wir haben jemanden in der Familie verloren, und es war eine schöne Art, ihnen Tribut zu zollen, da sie in Stokie lebten und auch Zeit in Jamaika verbrachten. Es war nicht geplant, aber so hat sich das Lied entwickelt.
Wer sind einige aufstrebende Künstler, die die Leute kennen sollten?
Nectar Woode, ihre Stimme ist wirklich schön, und wir sind Freunde. MRCY auch. Kojo von MRCY hat tatsächlich Background vocals bei „Seasons“ gesungen, die ich im Pirate Studios aufgenommen habe. Dann ist da noch eine Freundin, Connie Eliza, die angefangen hat, Musik zu veröffentlichen. Ihre Stimme ist so süß. Ich kann kaum erwarten, mehr von ihr zu hören. Und mein bester Freund Lavaud. Wir sind zusammen aufgewachsen, haben gemeinsam Gitarre gespielt. Ich habe Unterricht bei ihrem Vater genommen, um beim Projekt zu helfen. Sie hat mir auch geholfen, „Seasons“ zu schreiben, was etwas Besonderes ist.
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